La Subasta del siglo: La Colección de Peggy & David Rockefeller dobla el récord de recaudación de una colección privada.

La Colección de Peggy & David Rockefeller alcanza en su subasta en Chirstie’s dobla el récord de recaudación para una colección privada

Cuando murió David Rockefeller, el pasado mes de marzo, a la edad de 101 años, el último eslabón vivo de la Edad Dorada de los multimillonarios neoyorquinos desapareció con él. Era el multimillonario más longevo del mundo, y el nieto más joven y único superviviente del primer multimillonario estadounidense, John D. Rockefeller Sr. (1839-1937), uno de los “barones ladrones” originales.El término Robber Barons (barones ladrones) se acuñó en el s XIX en los Estados Unidos para denominar a los industriales y banqueros que monopolizaron sus respectivas industrias y amasaron gigantescas fortunas mediante prácticas que violaban la libre competencia en los mercados. Los más famosos de entre los conocidos como barones ladrones son John D. Rockefeller con el petróleo, Cornelius Vanderbilt con los ferrocarriles, Andrew Carnegie con el acero, y J.P. Morgan en la banca.

Mientras que el nombre del abuelo se convirtió en sinónimo de capitalismo, el nieto sin embargo se convirtió, en cierto modo, en sinónimo de retribución.El veterano jefe del Chase Manhattan Bank, Rockefeller era tanto un estadista como un banquero. LLegó a reunirse con una docena de presidentes de los Estados Unidos, desde Coolidge hasta Obama, y ​​fue recibido como un jefe de Estado por líderes mundiales como Nikita Khrushchev y Zhou Enlai; ejerció una influencia considerable en los asuntos financieros mundiales, así como en la política exterior de EE. UU. Sus logros cívicos en Nueva York van desde la arquitectura (construyó el One Chase Manhattan Plaza de 60 pisos, diseñado por Skidmore, Owings & Merrill, y ayudó a planear el World Trade Center original y el Battery Park City) hasta lo filantrópico (durante su vida , donó unos  mil millones de dólares a organizaciones benéficas) e incluso lo fiscal (jugó un papel decisivo en salvar a la ciudad entera de la bancarrota en los difíciles años 70).

En privado, con su esposa, Peggy, con la que estuvo casado desde 1940 hasta su muerte, en 1996, vivió a un nivel de refinamiento que probablemente nunca se volverá a repetir, en parte porque ya no es posible y en parte porque no es ni aún siquiera concebible. Connosieurs consumados, coleccionaron obras maestras, gran parte de ellas recibidas en herencia y otras muchas adquiridas por ellos, en un montón de categorías: pinturas europeas y americanas de los siglos XIX y XX, muebles ingleses y estadounidenses, porcelana europea, arte asiático, cerámica precolombina, plata, textiles, arte decorativo, arte popular y arte amerindio.

Todos estos artículos decoraban sus numerosas casas, magníficamente ubicadas, pero curiosamente nunca demasiado ostentosas exteriormente. El vivió sobre todo en una casa adosada de estilo colonial renacentista de  cuatro pisos en East 65th Street en Manhattan, con ocho dormitorios y otras seis habitaciones para el personal. Todavía este mismo año el personal incluía un mayordomo y tres doncellas.  “Funcionó como si fuera 1948 hasta el final de sus días” dice un amigo de la familia.

 

 

Este mes de mayo, siguiendo los deseos del Sr. Rockefeller, este legado – de alrededor de 1.600 lotes- ha salido en una espectacular serie de subastas en Christie’s en Nueva York, celebradas en el Rockefeller Center. La Colección de Peggy y David Rockefeller ha recaudado, según las estimaciones, más de 830 millones de dólares, lo que la ha convertido en la subasta más alta de la historia para una colección privada, doblando de largo el anterior récord establecido por la colección de Yves Saint Laurent y Pierre Bergé, que alcanzó en París los 443 millones. Ha sido, sin duda, la venta del siglo.

 

 

Con los cinco hijos, 10 nietos y 10 bisnietos de la pareja ya bien enriquecidos, según deseos de David Rockefeller, todos los ingresos de la venta se destinarán a una docena de organizaciones sin fines de lucro, incluidas la Universidad Rockefeller, la Universidad de Harvard, el Museo de Arte Moderno MOMA , el Consejo de Asuntos Exteriores y el Maine Coast Heritage Trust. Y aunque escandaliza todo, las cifras que marean y el propio hecho de que alguien pudiera poseer tal tesoro artístico que excede con mucho la colección de numerosos museos, también da cierta envidia sana esa costumbre tan americana de sus megamultimillonarios convertirse en benefactores de museos e instituciones culturales.

 

 

En fin, afortunadamente para mí, la colección ha podido verse en el Rockefeller Center antes de subastarse y os puedo enseñar algunos, que no todos, de los impresionantes tesoros que guardaba. A pesar de que había de todo, una cornucopia inacabable de arte decorativo y artístico que abarcaba muchos siglos y muchos continentes, había hasta una colección de patos y una impresionante sección dedicada a la porcelana de la que os colgaré algunos ejemplos, las joyas de la corona eran las pinturas impresionistas, postimpresionistas y el arte americano. Muchas de estas obras fueron adquiridas en los años 50 y 60, cuando los Rockefeller formaban parte de un círculo de coleccionistas legendarios que también incluían a William S. Paley y John Hay “Jock” Whitney.

El propio David Rockefeller había publicado en privado y distribuido exclusivamente a familiares y amigos un catálogo razonado de su colección. El monumental proyecto abarcó 31 años, y cada uno de los libros encuadernados en lino estaba meticulosamente impreso y bellamente ilustrado. El Volumen I: Obras de arte europeas apareció en 1984. El prefacio autobiográfico de 54 páginas que escribió para él sigue siendo la mejor fuente de información sobre el coleccionismo y la vida privada de la pareja. El Volumen II: Arte del hemisferio occidental, publicado en 1988, fue seguido por el Volumen III: Arte de Asia y culturas vecinas, en 1993, y el Volumen IV: Artes decorativas, en 1992, que, se suponía, iba a ser el último de la serie. Pero la longevidad y las compras incansables exigieron que apareciera, en 2015, el Volumen V: Suplemento.

Pablo Picasso (1881-1973) Fillette à la corbeille fleurie Price realised USD 115,000,000

Su mejor adquisición para su colección llegó en 1968, un año después de la muerte de Alice B. Toklas, la compañera de Gertrude Stein, que había acumulado una de las colecciones más importantes de arte moderno antes de morir, en 1946. Tras la muerte de Toklas, Rockefeller se enteró de que los herederos de Gertrude Stein iban a vender un tesoro de 47 obras de Picasso y Juan Gris que habían pasado a sus manos. Para comprar la colección completa, Rockefeller organizó un grupo con cinco de sus amigos millonarios, incluidos Paley, Whitney y su hermano Nelson. Quizás en la lotería más elitista de la historia, se colocaron seis números en papelitos en un viejo sombrero de fieltro y cada miembro del grupo extrajo un número para determinar el orden en que escogerían las pinturas que podrían quedarse. David Rockefeller extrajo el número 1, lo que le permitió quedarse con la obra más codiciada, esta niña de la época rosa de Picasso con una canasta de flores, pintada en 1905 y uno de los retratos más fascinantes del artista que sin embargo disgustó mucho a Gertrude Stein, cuando su hermano Leonard lo compró porque decía que tenía patas de mono. Fue la primera gran venta de un joven Picasso y la estrella de la subasta, recaudando 115 millones de dólares, aunque no el récord para un Picasso.

 

Picasso manzana

 

El lote de apertura de la subasta fue una pequeña pintura de Picasso de una sola manzana, hecha como regalo también para la escritora Gertrude Stein después de que estaba consternada porque su hermano, Leo, se quedó una naturaleza muerta de Cézanne de cinco manzanas cuando  separaron  la colección de arte que ambos habían reunido. Entonces Picasso le obsequió esta pintura de una sola manzana a Gertrude, una de sus primeras coleccionistas y admiradoras, como regalo de Navidad en 1914, y en la nota manuscrita al dorso que la acompaña muestra la amistad que unía al artista malagueño con Gertrude y su brutal deseo de destronar al maestro mayor: “Te pinto una manzana y será tan buena como todas las de Cézanne “. Alcanzó casi los 4 millones de dólares.

 

Henri Matisse, Odalisque couchée aux magnolias (1923)

Unos pocos lotes más tarde llegó otra de las joyas de la colección, el desnudo de Matisse Odalisque couchée aux magnolias (1923). Christie’s había promocionado mucho la obra en su exuberante catálogo como una de las mejores pinturas de Matisse que pudiera ser subastada, y, sin duda, una de las mejores en manos privadas. Las ofertas comenzaron en $ 58 millones pero   Xin Li, la vicepresidenta para Asia de Christie’s y el “arma secreta en la venta de obras maestras para multimillonarios asiáticos”  en menos de tres minutos ofreció 80.8 millones de dólares, un récord para una obra del artista en una subasta. El récord anterior de una pintura del artista en una subasta era de  40.9 millones, que se estableció en 2009 en Christie’s  París cuando se ofreció una pintura de 1911 del maestro francés con un tema similar, procedente de la colección Yves Saint Laurent y Pierre Bergé .

 

 

Solo dos lotes más tarde llegaba otra de las estrellas, estas Nymphéas en fleur de Monet , que tenía un presupuesto aproximado de $ 50 millones. De nuevo Li ofreció 84.7 millones y de nuevo, esta pintura, en verdad, hermosísima del último Monet se fue para China. Según la directora de Christies para Asia esta pintura era muy atractiva para el mercado asiático porque todos los nenúfares están en flor, lo que para los chinos es signo de buenos auspicios. Además la palabra china para nenúfar implica una unión pacífica y armoniosa. Asi que agua, armonía y buena fortuna inciden en el buen feng shui que tiene esta pintura para un espectador asiático.

Pero están eran las estrellas, no más. La colección era impresionante: Delacroix, Jean-Baptiste-Camille Corot, Claude Monet, Edouard Manet, Honoré Daumier, Odilon Redon, Camille Pisarro, Edouard Vuillard, Pierre Bonard, Pierre Renoir, Alfred  Sisley, Aristide Maillol,  Paul Gauguin, Vicent Van Gogh, Toulouse Lautrec, Paul Signac, George Seurat, André Derain, Ernst Ludwig Kirchner, Henri Matisse, Alexej von Jawlensky, Wasily Kandinsky, Raoul Dufy, Maurice de Vlaminck, Marc Chagall, Emil Nolde, Pablo Picasso, Juan Gris, Fernand Leger, Paul Klee, John Singer Sargent, Giorgio Morandi, Joan Miró, y, entre los americanos, Willem De Kooning, Arthur G. Dove, Georgia O’Keeffe, Milton Avery, Diego Rivera, Edward Hopper o Homer Winslow.

Para no hacerlo eterno os la cuelgo como galería, ordenadas de forma aleatoria. Y podeis verlas pinchando en la primera y avanzando. Saludos.

La Poesía de la Naturaleza: Pinturas del Periodo Edo en el Metropolitan de Nueva York

La Poesía de la Naturaleza: Pinturas del Periodo Edo de la Colección Fishbein-Bender en el Metropolitan Museum de Nueva York

 

El Museo Metropolitano de Nueva York y en general la política fiscal de Estados Unidos permite que la generosidad de coleccionistas privados, ligados de manera vitalicia como benefactores, enriquezcan las colecciones de los museos y otras onstituciones. Tal es el caso de la colección de Mr. Fishbein y la Dra. Bender, un matrimonio de coleccionistas neoyorquinos, patronos del museo neoyorquino, que habían creado una extraordinaria colección de pintura japonesa de artistas poco representados en el museo con las vistas ya puestas en una futura donación que completase los fondos de la institución. Esta exposición estaba inicialmente pensada para coincidir con el octagésimo cumpleaños del donante, un destacado miembro de una firma de inversión de capital privado, pero su muerte hizo que se retrasara un tiempo. La única condición que tenía su donación es que debía ser expuesta como un conjunto, añadiendo además  unas 15 cerámicas japonesas contemporáneas que reflejasen la forma en que los coleccionistas disfrutaron de estas obras en su hogar. Las parejas inesperadas de pinturas y objetos decorativos también son parte de una antigua tradición japonesa llamada tori-awase (disposición de conocedores).

Celadon Jar
Kawase Shinobu (nacido en 1950; activo en Ōiso, Prefectura de Kanagawa)
Fecha: 2001

Yo me confieso, y cualquiera que siga este blog lo sabrá, un ardiente admirador del arte oriental, tan desconocido en Occidente y reducido casi algunas veces a algo meramente ornamental. Ninguna de nuestras universidades dedica atención en sus estudios de historia del arte a nada que seriamente trate sobre este arte tan rico, tan sutil y tan de milenaria historia. Estoy seguro que pocas personas “cultuvadas, serían capaces de nombrar media docena de artistas clásicos orientales, a pesar del creciente interés por el arte oriental contemporáneo en este mundo tan globalizado.

Garzas Blancas-Maruyama Ōkyo (1733–1795)

Pues bien, hoy me propongo y os propongo, utilizando la disculpa de esta magnífica exposición, un recorrido, a pesar de estos hermosos ejemplos de cerámica que os pongo, por la pintura que floreció en Japón durante el período Edo (1615-1868), dos siglos y  medio de historia -y de aislamiento total-, en la que los artistas experimentaron con atrevimiento con los estilos artísticos convencionales. Los nuevos enfoques del arte pictórico llegaron a Japón desde China, y, en menor medida, y siempre de forma indirecta, desde Occidente, y así surgieron nuevas escuelas o estilos cuando los pintores individuales se atrevieron a romper las reglas marcadas por las academias de pintura establecidas.

Contenedor de Incienso (Kōgō) en forma de pájaro.
Miyagawa Chozo ( 1797–1860)

 

La exposición La poesía de la naturaleza: pinturas Edo de la colección Fishbein-Bender , que se inauguró el 27 de febrero en el Museo Metropolitano de Arte y estará hasta el 29 de Enero del 2019, sigue el desarrollo de esas principales escuelas y movimientos de este fascinante periodo Edo. Hay más de 40 ejemplos extraordinarios de kakemonos o pinturas de rollo colgantes del período Edo de la colección de Estelle P. Bender y su difunto esposo, T. Richard Fishbein. Muchas de estas pinturas, además, no se habían exhibido ni publicado en Occidente hasta esta exposición, así que en cierto modo os hago partícipes de un feliz advenimiento.

                          Fudō Myōō amenazando a un Novicio.
                        Tsukioka Yoshitoshi ( 1839–1892). Un novicio rezó por la ayuda de Fudō Myōō para convertirse en un sabio monje. Luego soñó que                            la estatua de Fudō saltaba de su pedestal y le hacía tragar una de sus espadas; al despertar, se convirtió en un excelente clérigo.

 

En esta exposición la celebración del mundo natural sirve como un tema unificador, pero sí hay algo que me ha fascinado de verdad es la peculiar interacción entre la poesía y las artes pictóricas que es fundamental para la tradición japonesa. La Poesía de la Naturaleza arroja nueva luz sobre las formas en que los artistas del período Edo usaron el verso para transformar sus pinturas en un arte híbrido a medio camino entre lo literario y lo visual. Todos los textos en japonés estaban traducidos en la exposición al inglés y yo me he atrevido a traducirlos al castellano porque sólo así se puede de verdad apreciar la interrelación entre la palabra escrita y la imagen pintada.

Bueno pues vamos allá con quien me quiera acompañar. La escuela Kano fue la escuela de pintura más longeva e influyente de la historia japonesa; su prominencia de más de 300 años es única en la historia del arte universal. Funcionó desde el siglo XV hasta nuestros días y logró atraer a numerosos patrocinadores de las clases sociales más ricas desarrollando, dominando y promoviendo una amplia gama de estilos, temas y formatos. 

Pájaros y Flores de las Cuatro estaciones. De la Escuela Kano, Periodo Momoyama (1573-1615)

La escuela comenzó reflejando una influencia renovada de la pintura china , pero desarrolló un estilo de colores brillantes y muy delineado para paneles grandes que decoraban los castillos de la nobleza. Fue apoyado por el shogunato Ashikaga , representando efectivamente un estilo de arte oficial, que “en el siglo XVIII casi monopolizó la enseñanza de la pintura”. La escuela fue fundada por  Kanō Masanobu de la que toman el nombre la escuela y la mayoría de sus seguidores. Aunque no era un monje zen, Masanobu estaba estrechamente asociado con influyentes templos zen y adoptó el estilo de pintura chino que favorecían pues este tipo de pintura fue importada junto con la filosofía y práctica del Zen. Se caracterizó por un fuerte énfasis en la pincelada, el predominio de la tinta con poco o ningún uso de pigmentos y la preferencia por los sujetos chinos, especialmente las imágenes de los patriarcas y paisajes Zen.

Los cuatro Logros.
Kano Motonobu. 1477–1559

Esta pintura de Kano Motonobu, titulada Los cuatro lucimientos (o logros), sería un típico ejemplo. En un paisaje espectacular de imponentes pinos, picos distantes y atronadoras cascadas, hay cuatro escenas de actividad humana, cada una de las cuales hace alusión a una de las cuatro actividades apropiadas para un caballero chino: la música, el juego de mesa Go, la caligrafía y la pintura. En el extremo derecho, apenas visible, un erudito junto al lago está acompañado por un sirviente que lleva su cítara (qin). Se mueven hacia la orilla del río donde tres caballeros son absorbidos en un juego de Go. En la pantalla de la izquierda, dos muchachos que llevan paquetes de libros y pergaminos siguen a un caballero con sombrero que se dirige hacia un pabellón con techo de paja. En el interior, tres sirvientes han desenrollado un pergamino colgante pintado para su maestro, que se para en el parapeto mirando una cascada. Moviéndonos de derecha a izquierda a través de las pantallas, descubrimos que también hemos viajado temporalmente, desde las ramas de ciruelo estériles de principios de primavera, a través de un verano nebuloso, gansos que se posan en un banco de arena en otoño y finalmente a las rocas cubiertas de nieve del invierno.

Kano Shoei (1519–1592)
Bulbul  en una rama de ciruelo, siglo XVI

Kano Shōei, supuestamente el tercer hijo (o discípulo adoptado) de Kano Motonobu (1476-1559), se especializó en kachoga, pinturas de pájaros y flores de inspiración china ejecutadas en una interpretación amable e individual del estilo de Motonobu. Los pinturas chinas de las dinastías Song y Ming eran muy apreciadas por los shogun por lo que se convirtieron en un género en sí mismo. Además, durante los turbulentos años del siglo XVI, los pájaros simbolizaban el valor marcial (el halcón), la longevidad (la grulla), o la elegancia cortesana (el faisán). En esta pintura, un pájaro identificable como un bulbul orejipardo (hiyodori) se posa sobre una rama retorcida de ciruelo que acaba de florecer con la llegada de la primavera. La significación de este pájaro migratorio no está clara, aunque parezca simbolizar la llegada de la primavera, pero cualquier observador de la época lo asociaría también con sus apariciones en el Henki Monogatari,un poema épico clásico de la literatura japonesa.

 

Pajaros y flores. Kano Tan’yū (Japanese, 1602–1674)

 

No hay muchos ejemplos de este tipo de pintura en la exposición del Met, a pesar de su preeminencia durante siglos, porque una colección tan personal privilegia siempre el gusto de los coleccionistas, sin embargo, os puedo poner este Biombo de Pájaros y Flores, también del Metropolitan, de  Kano Tan’yū y dos de sus alumnos más talentosos: su sobrino Kano Naonobu y la pintora Kiyohara Yukinobu, los tres miembros muy destacados de la escuela.  El maestro pintó los dos paneles centrales, Naonobu los de inmediato a la derecha e izquierda de su maestro, y Yukinobu los más externos. A Tan’yū se le atribuye haber revivido la fortuna del estudio Kano, al mudarse de Kyoto a Edo (donde se fundó el Shogunato Tokugawa que duraría hasta la apertura a Occidente en 1868) en 1614. Junto con Tan’yū, Naonobu fue considerado uno de los mejores pintores de la escuela Kano del primer  período Edo.

 

Kiyohara Yukinobu (Japanese, 1643–1682)
Ampelis, Flores de Cerezo y Bambú junto a un arroyo, finales de s. XVII

Precisamente de esa infrecuente pintora que he nombrado antes,  Kiyohara Yukinobu, sobrina, hija y esposa de pintores de la escuela, y conocida a principios del período Edo como una “mujer muy hábil en las artes” o keishū,  hay una hermosa obra en la exposición: Ampelis, Flores de Cerezo y Bambú junto a un arroyo . Su esposo era alumno de Kano Tan’yū,  y ella misma, como sobrina nieta, pudo haber estudiado con él. Aquí, representa tres ampelis (japones: hirenjaku) en varias poses: uno descansa serenamente en la rama de un cerezo envejecido en plena floración, lo que indica un entorno de primavera tardía; otro es capturado en pleno vuelo; y el tercero se posa sobre una roca, buscando insectos en un arroyo. Dado que los ampelis, después del apareamiento, se frotan las cabezas de una manera que sugiere una demostración de afecto mutuo, llegaron a ser un símbolo de la armonía marital y de la prosperidad familiar, por lo que es posible que la pintura se mostrase en ocasiones relacionadas con el matrimonio o el nacimiento de un niño. De hecho son un macho, una hembra y el tercero podría muy bien representar a un niño.

 

 

La escuela Tosa  de la pintura japonesa se fundó e los siglos XIV-XV y se dedicó al yamato-e , pinturas especializadas en temas y técnicas derivadas de la antigua cultura japonesa, como escenas de Los cuentos de Genji, Genji Monogatari o el Ise Monogatari y otros clásicos literarios, a diferencia de las escuelas influenciadas por el arte chino , especialmente la escuela Kanō . Las pinturas de la escuela Tosa se caracterizan por “áreas de color opaco plano delimitadas por contornos simples, donde el dibujo es preciso y convencional”. 

Mariposas (“Kochō”), Capítulo 24 del Genji monogatari. Atribuido a Tosa Mitsuyoshi

Los dos pintores más celebrados de la escuela son  Tosa Mitsuyoshi (1539–1613) y Tosa Mitsuoki (1617–1691). El biombo Mariposas sería una típica pintura de la escuela Tosa. En él se representa los eventos de dos días consecutivos del Genji Monogatari, concretamente del capítulo “Kochō” o “Mariposas”. El festival de primavera se ha organizado en el palacio de Genji. Barcos con mascarones de proa en forma de dragón o de fénix, decorados a la moda china, se desplazan en el lago bajo las nubes  La emperatriz Akikonomu está leyendo sutras a la derecha. Murasaki, la consorte favorita de Genji, disfraza a sus jóvenes sirvientas como pájaros y mariposas y loa envía a bailar frente a la residencia de Akikonomu.

Tosa Mitsuoki (Japanese, 1617–1691)
Herons and Cotton Roses, mid- to late 17th century

Tosa Mitsuoki (1617–1691), uno de los representantes tardíos de la escuela, es, sobre todo famoso por sus obras con codornices con flores o hierbas, lo que refleja un endeudamiento con la pintura china de la dinastía Song de China del Sur. Una pintura de pájaros y flores de Mitsuoki que no represente codornices, como esta representación de Dos garcetas con rosas de algodón, es por lo tanto bastante rara. Este pergamino colgante  o  kakemono muestra al artista pintando en un estilo diferente, algo más suelto, observable en las flores, las hojas, las rocas y las propias garcetas. Las aves están pintadas en el método “sin espinas”, con contornos mínimos, que muestran la influencia de los artistas de la nueva escuela  Rinpa contemporáneos. La pintura demuestra el interés sutil pero definido de Mitsuoki en incorporar las características estilísticas de la escuela Kano, especialmente en la forma en que ejecutó las rocas con pinceladas de tinta más audaces.

 

rises at Yatsuhashi (Eight Bridges) Artist-Ogata Kōrin (Japanese, 1658–1716

Richard Fishbein y Estelle Bender no tienen en su colección muchas obras de las escuelas mencionadas hasta ahora, pues se sentían más atraídos por las escuelas de pintura de fines del siglo XVIII y principios del XIX.

En esta época, apareció una nueva escuela de pintura que se centraba en la glorificación del pasado japonés. Los samurais y mercaderes ricos se acercaban al arte principalmente atraídos por la poesía, la más admirada entre las artes para un japonés tradicional, ya fuera la compuesta por cortesanos y cortesanas del antiguo Japón, o la de los celebrados poetas o de monjes chinos medievales que cualquier persona cultivada sabía citar de memoria. Esta nueva escuela se llamó Escuela Rinpa o la escuela de Ogata Korin, el fundador del estilo que vivió de 1658 a 1716. La Escuela Rinpa o Rimpa prioriza sin dudarlo la poesía y los temas poéticos como la naturaleza o la fauna. Ogata Korin y su hermano Ogata Kenzo, éste más centrado en la cerámica, hicieron muchas pinturas inspiradas en el  Ise Monogatari. Una de las más famosas es la de arriba, basada en el episodio de los Ocho Puentes (Yatsuhashi) . No era necesario ninguna escritura para evocar el conocidísmo episodio en el que un grupo de cortesanos llega a una zona donde  los iris (kakitsubata) están en plena floración. Las formas majestuosas y verticales de los lirios contra un puente angular que se desliza diagonalmente a través de ambas pantallas se refieren a ese episodio preciso del Ise monogatari que cualquier japonés cultivado habría identificado con facilidad. El protagonista de la historia, exiliado de Kyoto después de una aventura amorosa con una dama  de alto rango,  se detiene en Yatsuhashi, un lugar donde una corriente se bifurca en ocho canales, cada uno con su propio puente. La vista de los lirios le impulsa a componer un nostálgico y famoso poema de amor. La primera sílaba de cada línea formaba la palabra japonesa para iris (kakitsubata).

 

Uso túnicas con dobladillos bien gastados,

Recordando a mi querida esposa

En la que siempre pienso con afecto,

Así que a medida que mi estancia se alarga

Siempre tan lejos de casa,

La tristeza llena mis pensamientos

 

Autumn Ivy Artist-Ogata Kenzan (Japanese, 1663–1743)

De su hermano Ogata Kenzan hay un maravilloso ejemplo en la exposición: esta Hiedra de Otoño. Aunque la cerámica fuera su fuerte, Kenzan de vez en cuando puso a prueba sus habilidades como pintor, y sus trabajos sobre papel, que se combinan de manera eficaz con su caligrafía idiosincrásica y expresiva, tienen una gran energía. Esta imagen recuerda un famoso episodio del Ise Monogatari del siglo X en el que el protagonista encuentra a un monje itinerante a lo largo de un sendero cubierto de hiedra en el monte Utsu. El waka (poema japonés de treinta y una sílabas) inscrito de Kenzan  dice:

Aunque todavía no

El viento a través de los pinos

Sopla por todas partes

y me da miedo que disperse

las hojas carmesíes de la hiedra.

 

Sauce y cerezo. de  Sakai Hōitsu (Japanese, 1761–1828)

 

Entre sus seguidores más famosos, Sakai Hōitsu, quizás uno de los pintores más conocidos de Japón. Vástago de una familia de daimyos, los señores de Harima y dueños del castillo de Himeji, es raro que, con su elevado status, se dedicara a la pintura y no a la poesía. Probablemente para escapar a sus obligaciones oficiales, tomó los votos budistas en 1797. Aún así cultivó también la poesía en forma de waka  o de haikus o kyoka, e incluso compuso algún poema para obras de Kitagawa Utamaro.

 

Sakai Hōitsu Maples early 1820s

Este par de biombos de seis paneles, pintados en colores vivos sobre un brillante fondo de pan de oro, se encuentran entre las obras más grandes y espectaculares del mencionado artista Sakai Hōitsu (1761–1828) en cualquier lugar del mundo, incluido en Japón. Presentan un sauce y un cerezo en plena floración y un par de arces en el climax de espectáculo carmesí propio del otoño. Los cambios estacionales eran fundamentales para la cultura japonesa y solían reflejarse en las pinturas que se mostraban e incluso en el estampado y los bordados de los kimonos. Los biombos son muy claros en este sentido por su variedad de plantas y flores relacionadas con la primavera y el otoño, todas con significado poético en los haiku de la época. Mientras abundan las pinturas de Hōitsu en el formato colgante, solo se conocen media docena superviviente de biombos en este formato de seis paneles, y estas en particular destacan por la originalidad de su composición y por su fuerte impacto visual.

 

Moon and Kudzu Vine: Sakai Hōitsu (Japanese, 1761–1828)

Las representaciones de plantas y flores, a menudo de especies no representadas tradicionalmente por los artistas japoneses, se volvieron más naturalistas y más precisas botánicamente en obras posteriores de la escuela Rinpa, como se ve en esta representación atmosférica de hojas y flores de kudzu en una noche iluminada por la luna. En el temprano siglo XIX, tal realismo detallado se reflejaba no solo el estudio de las ciencias naturales en Japón, sino también el advenimiento de la escuela Maruyama-Shijō, fundada por Maruyama Ōkyo, que se especializaba en el dibujo y la pintura naturalistas del que más tarde os pondré alguna obra. En esta obra de  Sakai Hōitsu de la escuela Rinpa,  vemos ramas de kudzu, una de las 50 hierbas fundamentales usadas en la medicina tradicional china, lo que no era un tema frecuente en pinturas japonesas anteriores, pero aquí se convierte en el telón de fondo de un poema del poeta cortesano Toyama Mitsuzane. El poema es un waka tradicional . Sin embargo, el pintor reorganiza las líneas para que el poema comience en la parte inferior izquierda y termine en la derecha, revirtiendo efectivamente el orden tradicional de inscribir el poema colocando la última línea, tsuki zo katabuku (“cuando la luz de la luna se derrama “), justo bajo la luna. La firma de Mitsuzane se encuentra justo debajo de la luna en la esquina superior derecha, en lugar de en el extremo izquierdo, como sería de esperar. Su poema dice:

Al igual que los colores de las flores,

mi amargura por el amor permanece

invisible hasta en las profundidades de la noche,

cuando la luz de la luna se derrama

sobre hojas de las parras de kudzu.

 

Activities of the Twelve Months : (Tsukinami-e) Artist-Sakai Hōitsu (Japanese, 1761–1828)

Todavía de Sakai Hōitsu, sin duda un pintor capital, había también en la exposición esta pintura perteneciente a un grupo de doce, sobre las Actividades de los 12 meses. Esta que era la pintura del primer mes representa el  Shihōhai, una ceremonia en la que, por la mañana temprana del primer día del nuevo año, el emperador y los cortesanos hacen reverencias hacia las cuatro puntos cardinales (shihōhai) en el jardín de la Sala Shinka para orar por el bienestar de la nación.

 

Malvaviscos y amarantos. Sakai Ōho

Muchos pinturas de otro de los pintores de la escuela, Sakai Ōho, incluido éste, están basados o directamente inspirados en el trabajo de Sakai Hōitsu, su padre adoptivo y su maestro. Sin duda, Hōitsu tenía grandes aspiraciones para Ōho, pero murió a los treinta años y dejó un cuerpo de trabajo comparativamente pequeño. Los malvaviscos (tachiaoi) -con su apariencia majestuosa, de tallos altos y arreglos simétricos de hojas y flores- fueron un tema común en los artistas de la Escuela de Rinpa desde el siglo XVII en adelante, pero las pequeñas flores del amaranto silvestre (katade) raramente recibieron tal atención. La adición de una pequeña mariposa, plana y decorativa en su efecto, es un recordatorio de que el artista estaba capturando un momento poético, una instantánea de un jardín imaginario similar a un haiku. La atención a los detalles botánicos nos data la obra en el siglo XIX.

 

Suzuki Kiitsu, Amapolas

Otro alumno de Sakai Hōitsu, fue Suzuki Kiitsu, durante mucho tiempo considerado un miembro menor de la escuela  de Rinpa .  En los últimos años su trabajo ha sido revalorado y últimamente ha estado muy de moda en Japón porque ha habido una serie de grandes exposiciones de su obra entre 2016-2017 en Tokio, Hyogo y Kyoto. Es sobre todo conocido por sus biombos plegables, también llamados byōbu. De él había dos obras en la exposición: estas  Amapolas  (arriba) de mediados del XIX y un biombo de Campánulas (abajo). No todas las flores se pueden encontrar en los coloridos jardines pintados por los artistas del Rinpa. Sin embargo, las amapolas (keshi) claramente deben haber sido las favoritas de sus clientes, ya que algunos ejemplos de pinturas de amapolas sobreviven en cada generación de la escuela. Anteriormente, los artistas, como  Ogata Kōrin y sus seguidores, se inspiraron en las pantallas de amapolas de artistas de Tosa e iniciaron la formalización de hojas y pétalos en un paso más hacia la abstracción. Sin embargo, en la época de Suzuki Kiitsu, la atención al detalle botánico y la tendencia a las representaciones naturalistas de las flores se hicieron más pronunciadas

 

Morning Glories
Artist:Suzuki Kiitsu (Japanese, 1796–1858)

Una de las obras más impactantes era este byōbu  de  Campánulas o en inglés, Morning Glories. En esta exhibición exultante de azul intenso y verde sobre un fondo de pan de oro, Kiitsu se concentró en la proliferación de las flores y las hojas al omitir cualquier indicación de espacio o de contexto. El estallido exuberante se orquesta cuidadosamente en dos movimientos: las flores de la derecha se elevan desde el suelo, mientras que las de la izquierda caen en cascada como si estuvieran soportadas por un enrejado invisible.

 

Crane and Pine Tree with Rising Sun Artist-Suzuki Kiitsu (Japanese, 1796–1858)

También de Suzuki Kiitsu esta Grulla y Pino en el sol naciente. Una grulla vuela sobre el sol, y el pino de hoja perenne complementa la asociación de esta especie aviar con la longevidad. La imagen simple  se puede ver como una representación abreviada del Monte Hōrai, la isla mítica de los inmortales, destinada a ser exhibida al inicio del calendario lunar.

 

Frog on a Lotus Leaf                          Artist-Suzuki Kiitsu (Japanese, 1796–1858)

 

De Suzuki Kiitsu también esta humorística Rana en una hoja de loto. La flor de loto tiene asociaciones milenarias con el budismo, pero el poema inscrito es deliciosamente iconoclasta y refrescante.

Qué bendición es ver, en una hoja de loto,

brillantes gotas de rocío, brillando en la luz de Amida!

Pero justo cuando pensamos eso, aparece una rana,

y nos dice: “¡Oh, eso son solo gotas de mi orina!

 

Bien, pasamos ahora a otra “escuela” bien representada. Se trata del estilo Nanga también conocido como Bunjinga o literario que era un tipo de pintura amateur desarrollada en China en medios literarios que compartían una dedicación a las Tres Perfecciones  (la pintura, la poesía y la caligrafía). He dicho escuela entre comillas porque nunca funcionó como tal. Cada artista Nanga, por definición, fue único e independiente. Se trataba de intelectuales que pintaban  para ejercitar su maestría en las tres artes. Con una diferencia entre Japón y China .Mientras que los chinos eran, en gran medida, académicos que aspiraban a ser pintores, los japoneses eran pintores profesionales que aspiraban a ser intelectuales.En cualquier caso son siempre temas literarios y en su mayoría aguadas de tinta, donde lo importante es el trazo personal del pincel, las sutiles gradaciones de la tinta y el juego ente el vacío y el dibujo. Uno de sus represetantes fue Ike Taiga

Landscape and Couplet of Chinese Verse
Artist:Ike Taiga (Japanese, 1723–1776)

Ike Taiga yuxtapone un paisaje de imponentes montañas de una inclinación casi imposible con un poema de cuatro líneas del poeta de la dinastía Tang Li Bai, que celebra el espíritu de soledad que se encuentra en la naturaleza virgen. Un camino conduce desde cerca del margen inferior hacia el centro de la composición y atrae al espectador hacia el espacio pictórico. Parece que nos invita a imaginarnos en el lugar del vagabundo solitario que se muestra en el centro de la imagen. Es probable que el hombre sea el poeta, ya que el bastón es una convención iconográfica para representar a Li Bai. El poema dice:

Los pájaros se han desvanecido en el cielo.

Ahora la última nube se desvanece.

Nos sentamos juntos, la montaña y yo,

hasta que solo quede la montaña

 

Lush Green Willows and A Solitary Path through Cold Mountains Artist-Yosa Buson (Japanese, 1716–1783)

 

Sin duda, y el más importante entre todos los pintores de este estilo, es Yosa Buson, puesto que a su calidad como pintor, se uno el ser uno de los más celebrados escritores de haikus. Este Exuberantes sauces verdes  y un camino solitario a través de las frías montañas era ciertamente impresionante.  Este conjunto de pinturas de inspiración poética es único en la obra de Buson, ya que no sobrevive ningún otro biombo plegable con pan de oro de su mano. Las pantallas contrastan con una escena de sauces en las pantanosas tierras bajas s con vistas a las empinadas montañas a través de las cuales se levanta un estrecho camino desde un bosque. Buson establece los temas de las pantallas en dos versos de siete caracteres de la poesía china, tomados de una antología de poemas de la dinastía Tang, el Santaishi. El poema de cuatro líneas de Wang Wei (699? -761) que Buson inscribió en la pantalla de la derecha dice:

En la solitaria soledad de las flores caídas

un pájaro se lamenta en las montañas;

Entre exuberantes sauces verdes

un hombre cruza una corriente.

 

 

Yosa Buson | Deer in Moonlight

Otra obra de Buson en la exposición era este Ciervo bajo la luz de la luna. Esta obra que representa a un ciervo solitario,  imagen del amante despechado, bajo una luna creciente evoca un estado de ánimo similar a algunos de sus haikus. Aquí, los detalles del pelaje del ciervo -las pinceladas pequeñas y repetitivas, las manchas en blanco, el prominente trazo oscuro en la parte posterior de la cola- otorgan una calidad rica que contrasta con la vegetación apenas esbozada y el cielo creado tan solo con lavados grises claros. La luna creciente se define a través de un espacio sin pintar. La pintura data de la última fase de su carrera, entre 1778 y 1783, cuando utilizó la firma “Pintado por Shain.

 

Viajes a través de los campos y montañas. Yosa Buson

 

En este otro biombo también de Buson, a pesar de la gran escala de un paisaje dominado por las montañas, los lagos y la niebla, el ojo se ve atraído por las figuras:  un viejo erudito y su sirviente se dirigen hacia un pequeño pueblo, donde un amigo espera; un campesino sale a la izquierda de la aldea, cruzando un puente;.  dos hombres charlando en una choza con techo de paja. Os pongo un haiku de Buson que en este caso no está en al pintura:

Los pasos anhelados
Están lejos,
Sobre las hojas caídas.

 

 

Ganso y Juncos. Sauces en la niebla. Maruyama Ōkyo 1733–1795

 

La Escuela Maruyama–Shijō fue fundada por Maruyama Ōkyo , y su antigua estudiante Matsumura Goshun a fines del siglo XVIII. Esta escuela logró un gran grado de realismo en sus creaciones, enfatizando la observación directa de temas representados que era una contravención directa de las escuelas  Kanō y Tosa , que enfatizaba la decoración con figuras altamente formalizadas y estilizadas que se enseñaban a sus alumnos copiando pinturas de antiguos maestros. En este Ganso y Juncos. Sauces en la niebla,   Maruyama Ōkyo pinta un solitario ganso, con las alas medio abiertas, que se va a posar sobre la inquieta superficie del agua . Los únicos indicios de una orilla son la parte superior de las delgadas cañas que se cimbran bajo el viento y las olas que levantan junto a ellas en la esquina inferior derecha. En la pantalla de la izquierda,  estaban los sauces del título y un ligero rielar de la luna, apenas visibles en la foto de tan sutil que eran.

 

Dos ciervos bajo los arces. Maruyama Ōkyo

Otra pintura de la colección Fishbein-Bender de Maruyama Ōkyo era esta hermosa Dos ciervos bajo los arcesEsta pintura fue realizada en el décimo mes del calendario lunar, al comienzo del invierno, cuando las hojas de los arces empiezan a cambiar hacia un brillante carmesí. Los ciervos en la poesía japonesa están relacionados con el otoño, y estos fueron pintados con mucho detalle; la textura de la piel tiene una cualidad casi táctil. El uso de árboles para enmarcar la imagen hace eco de las convenciones de la escuela de Kano, mientras que los elementos de follaje y el río reflejan la técnica de manchas de tinta  utilizada por los artistas de la escuela Rinpa.

 

Escena de invierno con patos y pinos. Matsumura Goshun. 1752-1811

 

El otro fundador de la escuela fue Matsumura Goshun, discípulo a su vez del pintor y poeta Yosa Buson. Se encontraría con Ōkyo , cuando ambos buscaron refugio en el mismo templo después de que un incendio devastara partes de Kyōto. La composición de Matsumura Goshun en esta Escena de invierno con patos y pinos transmite el ambiente tranquilo y pacífico de un día de invierno. El suave azul del estanque en el que flotan los patos contribuye a la sensación plácida. Mientras conserva elementos de la sensibilidad poética de Yosa Buson, la pintura demuestra cómo Goshun se sintió atraído por el estilo de Maruyama Ōkyo. El paisaje nevado se crea sin ningún énfasis particular en las pinceladas; de hecho, la mayor parte de la superficie de la seda se deja sin pintar. A los pinos se les da tridimensionalidad mediante la aplicación selectiva de un lavado de tinta.

 

Silkies (Ukokkei) Artist-Mori Sosen (Japanese, 1747–1821)

 

Uno de los artistas más conocidos de esta escuela en Occidente es Mori Sosen , conocido por su gran cantidad de pinturas de monos.  Cuando los holandeses llevaron un gibón a Japón en 1809, creando cierta sensación (los gibones habían sido representados por artistas japoneses, basados ​​en las pinturas chinas del animal, pero nadie en Japón había visto un gibón vivo durante siglos), fue Mori quien también creó un registro gráfico de este evento. En la exposición tenemos estas Silkies Morosetas, , una raza de pollo conocida por sus suaves plumas de pelo que impresionó a Marco Polo que comparó su pelaje con el de un gato. Llama la atención la carne azul oscura de sus barbillas y sus crestas, y la presencia de cinco dedos de los pies, en lugar de cuatro, como tienen la mayoría de los pollos. En japonés se los llama ukokkei (chino: wuguji), que literalmente significa “pollos con huesos de cuervo negro”. Se criaban para ser comidos, y en China se cree aún que la sopa hecha de estos pollos posee propiedades curativas. 

 

Mori Sosen. Ciervo entre flores de Otoño. Detalle. 1801

También de Mori Sosen,  este Ciervo entre flores de otoño del que os ofrezco un detalle espléndido, que ha sido escogido como imagen para el cartel de la exposición y que fue el definitivo reclamo que hizo que no pudiera resistirme a visitarla. En la tradición poética japonesa, el waka (verso de corte de treinta y una sílabas) a menudo invoca la imagen de un ciervo solitario que recorre las hojas caídas o las flores otoñales como una metáfora del amor perdido. Aquí, un ciervo de aspecto solitario se detiene en una noche de luna, como para escuchar la llamada de su compañera. Las hierbas, las hojas y las flores blancas de fujibakama (Eupatorium japonicum), asociadas con la mitad del otoño en la poesía japonesa, se presentan en el estilo naturalista pero todavía decorativo de la escuela Maruyama-Shijō .

 

Egrets and Crows Shibata Zeshin

 

Shibata Zeshin también está estrechamente asociado con la escuela Shijō, aunque trabajó en muchos otros estilos y medios, sobre todo objetos de laca. A partir de 1869, Zeshin recibió el encargo de trabajar para el gobierno imperial, y creó muchas obras de arte para ellos que lamentablemente ya no existen. Los dos paneles de este brillante biombo de pan de oro muestran escenas contrastadas de dos garcetas en reposo y tres cuervos en vuelo, con formas blancas y negras que se compensan mutuamente. El color blanco de las garcetas se logró cortando la capa de pan de oro y exponiendo el papel, una técnica que el artista usó en otros ejemplos de pintura aviar y que lo hacía muy especial en directo. Shibata Zeshin era conocido predominantemente como un maestro artesano de la laca, y también incorporó la técnica en sus pinturas. Aquí, la laca empleada en lugar de tinta agrega un rico brillo negro a la superficie de los cuervos. Las garzas como huidas hacia atrás, los cuervos realzados hacia delante. Esta composición, originalmente montada en dos paneles de madera separados enmarcados, combina pictóricamente elementos de la escuela Maruyama-Shijō, en la que Zeshin se formó, con las características del arte Rinpa.

 

Cranes Nagasawa Rosetsu (Japanese, 1754–1799)

 

Otro pintor de la escuela Maruyama-Shijō es Nagasawa Rosetsu (1754–1799). Este era un vistoso díptico de pergaminos colgantes que mostraba tres grullas japonesas de corona roja (tanchōzuru), sin más configuración de paisaje. Con la excepción del parche característico de las plumas carmesíes en la parte superior de la cabeza, que agrega un toque vivificante, las grúas se realizan solo en tinta. Los pies se colocan con cuidado, como sabía que hacía su mentor, Maruyama Ōkyo, en sus propias pinturas de pájaros. El efecto general es  de sorpresa y humor, como si nos topáramos con los pájaros y los sorprendieramos posando. Sobre todo el de la izquierda que parece que nos mira.

 

Cachorros en la nieve Nagasawa Rosetsu (japonés, 1754-1799)

De Nagasawa Rosetsu también había este delicioso Cachorros en la nieve. Parte de la alegría de la pintura proviene de la pincelada animada de las colas curvas y el pelaje silvestre de los perritos. Los únicos puntos de color en esta escena, por lo demás monocromática, son las bayas nandina rojas que crecen cerca de los robustos tallos de bambú. Estas pinturas para paneles de puertas correderas, actualmente articuladas para formar un biombo de dos paneles, originalmente eran los lados opuestos de los paneles (ahora en el Museo de Brooklyn) que representan siete cachorros y un bambú: una referencia cómica al tema antiguo de “Siete sabios de la Arboleda de Bambúes “. Rosetsu se estableció una reputación como un artista excéntrico pero imaginativo y popular.

 

Beauty on Veranda in Snow Artist-Sakai Hōitsu (Japanese, 1761–1828)

Aunque la colección Fishbein-Bender no se centró en los ukiyo-e porque, a su juicio, ya estaban muy bien representados en Occidente, si que había algunos de estos particulares grabados japoneses.  ¿Qué colección de pintura japonesa estaría completa sin incluir algun ejemplo de esta técnica?. El primero es de Sakai Hōitsu (1761–1828)del que hemos hablado como uno de los pintores fundamentales del arte japonés. Esta pintura de una cortesana de aspecto pensativo en una terraza en medio de una ligera nevada es indicativa del entrenamiento temprano de Hōitsu en la pintura de Ukiyo-e. El gesto de la mujer, de alzarse las capas de sus múltiples kimonos, con las manos ocultas, para velar la parte inferior de su rostro, aparece en las pinturas de Ukiyo-e ya a finales del siglo XVII. La firma “Gozosamente pintado por Toryō” y el sello “Teihakushi” sugieren que este trabajo fue creado a mediados de la década de 1790, cuando Hōitsu comenzó a usar este nombre. La pintura se ha unido recientemente con todo un grupo de once pergaminos colgantes de Hōitsu que representan cada uno de los meses del año, por lo que era el duodécimo mes que faltaba en el Museo, motivo por el que estos dos meritorios coleccionistas se empeñaron en buscarla.

Courtesan Holding a Poetry Slip Artist-Chōbunsai Eishi (Japanese, 1756–1829)

Esta elegante cortesana del pintor Chōbunsai Eishi ( 1756–1829), con el cabello sujeto con un lazos color rojo como su kimono y una constelación de horquillas, se da la vuelta para mirar detrás de ella mientras sostiene un trozo de poesía (tanzaku). Su kimono rojo está decorado con flores de cerezo, mientras que su túnica exterior, uchikake, con su diseño de gorros de cortesano y ramas de ciruelo, parece como si estuviera a punto de resbalar de sus hombros. Los motivos de la cereza y la ciruela son referencias a la primavera, mientras que los tanzaku y los gorros cortesanos son alusiones a los poetas aristocráticos de la literatura clásica. Aunque el entrenamiento inicial de Eishi fue en el estilo académico se especializó en pinturas y grabados de cortesanas refinadas de alto rango.

Standing Courtesan Artist-Hishikawa Moronobu (Japanese, died 1694)

En una pose a menudo utilizada por Hishikawa Moronobu (muerto en 1694) y sus sucesores, una cortesana camina con las rodillas dobladas y a pequeños pasos, tal vez haciendo su camino a lo largo de una avenida de los barrios de Yoshiwara, el distrito cercado del placer fuera de Edo (la actual Tokio). Lleva un uchikake con motivos de conchas de mar; las conchas están pintadas con motivos y dibujos, una referencia al juego de emparejamiento de conchas que tuvo su origen en círculos cortesanos.

 

Female Entertainer with a Koto Artist-Utagawa Toyoharu (Japanese, 1735–1814)

Una cortesana de alto rango con una llamativa túnica negra exterior con un motivo de plumas de pavo real sobre una prenda interior multicolor se encuentra delante de un koto (una cítara de trece cuerdas). Su cinturón obi está atado al frente, como era la práctica habitual de las cortesanas, porque representaba la habilidad de desvestirse para un cliente sin armar mucho jaleo. Utagawa Toyoharu, fundador de la escuela Utagawa de Ukiyo-e, produjo tanto pinturas de lujo -como se ve aquí- como diseños para grabados.

 

Hakuin Ekaku (Japanese, 1685–1768)
Virtue, mid-18th century

Tampoco había muchas pinturas caligráficas puras aunque podíamos ver esta fantástica de Hakuin Ekaku que representa el ideograma de la Virtud. Esta interpretación sobredimensionada del ideograma de “virtud” (toku 徳) refleja la energía espiritual exuberante proyectada por Ekaku, quien sería uno de los principales defensores del renacimiento de la secta Rinzai del budismo zen en el último período Edo de Japón. Originalmente compuesto por el historiador chino y erudito confuciano Sima Guang (1018-1086), el poema escrito dice:

Si acumulas dinero para tus hijos y nietos,

no podrán mantenerlo.

Si acumulas libros para tus hijos y nietos,

no leerán ninguno de ellos.

No, lo mejor que puedes hacer es acumular

silenciosamente la virtud,

en el reino del espíritu.

Tal regalo beneficiará a tus descendientes

Por un largo, largo tiempo

 

Outer Robe (Uchikake) with Phoenixes and Paulownia Date- early 20th century

La exposición se complementaba con otros objetos como este impresionante  uchikake de principios del siglo pasado. Un uchikake, como podeis leer en mi entrada sobre los kimonos, es una bata de seda forrada con un dobladillo acolchado con peso que ayuda a preservar sus líneas rectas, que se usa sobre otra prenda sin cinturón, generalmente para ocasiones formales o representaciones teatrales.  Este ejemplo se realizó como una prenda de boda y en consecuencia muestra una gran cantidad de símbolos de buenos auspicios . En China, el ave fénix era un símbolo de longevidad y buena fortuna, que aparecía en tiempos de prosperidad y señalaba el advenimiento del buen gobierno. En Japón, las pinturas de aves fénix que descansaban sobre árboles de peonías eran una especialidad de los artistas de la escuela Kano, y sus diseños también se adaptaron al arte textil.

 

Entre las piezas de arte contemporáneo que coexistían con la exposición estaba este magnífico biombo de Hiroshi Senju, un artista nacido en 1958 titulada Trono del Dios del Agua (Suijingū).. Las pinturas en cascada de Hiroshi Senju, casi abstractas pero que aún crean la impresión de agua en movimiento, se han convertido en sus piezas distintivas. Cada una es una evocación única de un encuentro con la naturaleza. El artista se ve a sí mismo trabajando en la tradición de los pintores de Nihonga que, a partir de fines del siglo XIX, utilizaron pigmentos, materiales y formatos asociados con la pintura tradicional japonesa para crear efectos modernos.

 

Fukami Sueharu , nacido en 1947, cerámica

Entre las piezas de cerámica contemporánea que perteecían a los coleccionistas y que éstos han pedido que se exponga conjutamente, destacaré tres. Esta obra de Sueharu Fukami (nacido en 1947) que se especializa en estas piezas de cerámica con un método único de forzar la arcilla a alta presión en moldes especialmente hechos en las que se esfuerza por no dejar ninguna indicación de la creación humana. Un poco casi como piezas de Isamu Noguchi o de Brancusi, son de una belleza excepcional que completaba perfectamente la exposición.

 

Upright (Kitsu) Fukami Sueharu (Japanese, born 1947)

 

Del mismo autor, esta impresionante pieza en forma de torre de más de metro y medio de altura, que de nuevo evoca a Brancusi y que se titulaba Arriba (Kitsu). Pertenece a la última serie del artista, Upright (Kitsu), que comenzó a producir en 2012. Una característica especial del trabajo de Fukami es la combinación distintiva del clásico esmalte azul claro (japonés: seihakuji) y la tecnología innovadora y moderna. Desde 1980, Fukami ha estado utilizando una técnica exclusiva de colada por deslizamiento a alta presión para evitar deformaciones. La porcelana se vierte en un molde de yeso con aire presurizado para garantizar que la arcilla en toda la pieza esté pareja. El distintivo esmalte recuerda los esmaltes luminiscentes de los vasos celadon de la dinastía Song. Las cualidades reflectantes de las superficies lisas y suaves de sus obras forman parte de la estética, que se basa en la interacción de la luz y la sombra.

 

GEnesis. Miyashita Zenji (Japanese, 1939–2012)

Y la última esta pieza titulada Génesis del ceramista Miyashita Zenji ( 1939–2012). A principios de la década de 1980, Miyashita Zenji había desarrollado su estilo característico, que consistía en aplicar capas finas de arcilla tintada con sutiles gradaciones en los matices del color. Su obra de madurez es una encarnación moderna de un estilo clásico de Kioto asociado con las túnicas cortesanas de varias capas o los papeles decorados hechos para escribir poesía durante el período Heian (794-1185).

 

Mynah Birds Artista no identificado japonés. Principios siglo XVII

Y para terminar este biombo de autor desconocido de principios del s. XVII. Una miríada de pájaros mainá sobre el oro y el azul de la costa quedan detenidos en un momento preciso del tiempo, algunos volando, otros en el suelo. Aunque no son originarios de Japón, dentro de la tradición literaria de Asia oriental, los pájaros mainás sirven como emblemas de honestidad, de pensamiento independiente e incluso de resistencia a la autoridad injusta. Asi que con esta protesta política, me despido, esperando que os haya gustado.

Urvanity 2018 en el COAM, la efervescente sorpresa del mejor arte urbano

Urvanity 2018 en el COAM

Fue el acontecimiento el año pasado porque fue su primera edición en el Palacio de Neptuno y existía curiosidad sobre esta segunda edición que además cambiaba de sede al Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, COAM, que, a pesar de ser un sitio extraño y que había sido sede en 2017 de Justmad, no le sienta mal a este tipo de obras más urbanas por la sensación como de garaje industrial que trasmite.

 

 

Sin embargo, tengo que reconocer que, para mí, este tipo de arte, del que confieso poco conocimiento aunque sí una profunda fascinación, a la altura de lo visto en la feria, pierde algo de frescura cuando se produce su “galerización”, aunque, como en todo, siempre acompañan,en este caso, las frecuentísimas sorpresas y he de reconocer que disfrute muchísimo más de lo que esperaba a la entrada. Juzgaréis por las imágenes.

 

Stand de Mahou a la entrada en esta fantástica foto copyrigth de Widewalls

Para mi desdoro, tengo que confesar que no he podido ver los cuatro murales en diversos puntos de Madrid realizados gracias al patrocinio de Tuenti Urban Art Project ni he podido ver los murales que se subastaron el ultimo día  de Belin, Suso33, Fratelli Moca y Musa que se realizaron en 2014 en la plaza de Pedro Zerolo (entonces Vázquez de Mella) para el proyecto SOMOS.

Cranio-1 en el colegio público Asunción Rincón en Avenida de Filipinas

 

Jana-JS-31 en La Latina

 

Jan Kaláb – Mercado Barceló, Calle de Mejía Lequerica, 10 Foto copyrigth de Widewalls

 

Alexey Luka en la Discoteca Chango de la calle Covarrubias

murales-somos-plaza-pedro-zerolo

En cuanto a las galerías, había eso sí una nutrida presencia internacional : rusas, italianas, británicas, estadounidenses, holandesas, canadienses, francesas, alemanas, mexicanas y de las principales ciudades españolas. Y era posible ver obras de artistas tan reconocidos como el grafitero londinense D* Face o de Shepard Fairey, el autor de la hiperpublicitada campaña de  Obey que convirtió a Obama en casi un icono pop; o Cranio, uno de los que realizó murales callejeros, que es un artista de Sao Paulo conocido sobre todo por sus dibujos de indios brasileños en el que contrasta su mundo espiritual con el consumismo urbano actual.

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D*Face

También había obras de algunas de las mujeres más interesantes del género como GLeo, originaria de Cali y autora de algunos de los mejores murales de Colombia, Anna Taratiel, muralista de Terrasa, también conocida como OVNI o Miss Van, graffittera francesa con mucha obra en Barcelona con sus poupees personajes femeninos inocentes y sensuales,

 

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Anna-Taratiel-Premutacions-2017-Courtesy-of-Duran-Gallery

 

Miss-Van-Gorditas-2-2014

Entre las galerías destacar sobre todo la madrileña Swinton Gallery, siempre tan interesante, con obras de Laurence ValliéresKofieSabek y Alice Pasquini.

 

 

 

 

Stolen Space Gallery de Londres con obras de los reconocidos Shepard FaireyD*FaceKai and Sunny, y Ben Frost.

DFace-at-StolenSpace-Gallery Foto copyrigth de Widewalls

Ben Frost

 

La canadiense Station 16 Gallery con obras de Felipe PantoneStikki PeachesScott ListfieldAbigail GoldmanJaime Molina (Cutty Up) y Marie-Claude Marquis.

Station-16-booth Foto copyrigth de Widewalls

Art In The Game de Londres con obras de Add Fuel, Sébastien Preschoux o Thirty Bastard

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Fousion Gallery de Barcelona con una interesantísima oferta que incluía a Miss Van, Bruno Pontiroli, Dilka Bear, Peca, Miss Van o los tótems de Mono Cieza

 

Mono-Cieza-at-Fousion-Gallery  Foto copyrigth de Widewalls

 

Dilka-Bear-As-I-Watch-Her-Disappear-Left-You-Dont-Have-to-Hide-Anymore-Right

 

Izquierda-Bruno Pontiroli-La-corde-au-cou-2017- Derecha-Will-Barras-Convoi-Exepcionelle-2017

 

Obras de Peca en Fousion Gallery

 

Miss Van

La galería rusa Ru Arts Gallery, superinteresante con uno de los artistas que hizo murales in situ, Alexey Luka, Dmitri Aske Marat Morik

Ru Arts Gallery de Moscú Foto copyrigth de Widewalls

 

Dmitri Aske

 

Aske-Dimitri-at-Ruarts-Gallery

Alexey Luka 19-42, 2017 acrylic, plywood, wood, nitro enamel, 152 x 106

 

Sfhir-at-Duran-Gallery Foto copyrigth de Widewalls

El este año omnipresente Okuda San Miguel en Ink and Movement (Madrid)

 

Okuda-at-Ink-and-Movement Foto copyrigth de Widewalls

El ya citado artista de Sao Paulo, Cranio  en Vroom & Varossieau (Amsterdam)

Cranio-and-Jaune-at-Vroom-Varossieau Foto copyrigth de Widewalls

El solo project de Marc C Woehr en Urban Art Gallery (Stuttgart)

 

Marc-C-Woehr-at-Urban-Art-Gallery

 

La galería valenciana Plastics Murs con obras de Vinz y los extraordinarios dibujos a boli bic de  Pichi Avo

 

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PichiAvo-at-Plastic-Murs

Y termino, esta sorprendente incluso para mí por el interés que me ha despertado, con  la galeria Adda&Taxie (París) con Enric Sant.

Parece que este año las ventas han acompañado, muchas de las imágenes que aquí he colgado han encontrado felices propietarios, así que, me froto las manos expectante, por su continuación. Un inesperado placer.

 

Learn Skate en Urvanity

Drawing Room 2018

 

Drawing Room es una feria de arte más centrada en el dibujo contemporáneo que celebró durante esta “semana grande” su tercera edición con moderado éxito, gracias a sus más de 11.000 visitantes, lo que no es poco en unos días de desmesurada sobreoferta expositiva. Este año se ha realizado en el magnífico e histórico salón de baile del Círculo de Bellas Artes.

“Gracias a su crecimiento y a su nueva ubicación, donde conviven la arquitectura clásica con la creación contemporánea, Drawing Room se ha convertido en un lugar de encuentro obligado para todo amante del dibujo”, señala Mónica Álvarez Careaga, directora de la feria.

 

 

Lo cierto es que a pesar de su moderado tamaño, unas 30 galerías, la calidad media era bastante alta, ayudada además por su excelente ubicación que le daba ese aire extra y ese volumen hacia arriba de la que carecían Justmad o Urvanity, además de una sobriedad en el montaje que resultaba bastante más efectiva.

Su punto fuerte es evidentemente la especialización, lo que le otorga una identidad propia y específica, aunque con una mentalidad abierta que da cabida a algunas piezas en diversas técnicas

 

Asociado a la feria, el jueves día 22 se celebró el II Encuentro Internacional Coleccionar Dibujo Contemporáneo en el Museo ABC de Dibujo e Ilustración en el que participaron miembros del ICA de Londres, el Drawing Center de Nueva York y del Museo Folkwang, de Alemania.

 

Berta CÁCCAMO. Sin Título – Bubbles, 2017. Courtesy Galería Trinta

Los premios de la feria fueron para Philip Patkowitsch y Berta Cáccamo, que, sin embargo, no estaban entre lo que más me llamó la atención,

Pablo CAPITÁN, Instalación Pneuna, 2017. Courtesy Galería Art Nueve

Destacaría entre las 30 galerías representadas, por la coherencia del montaje expositivo, la galería ArtNueve de Murcia con las instalaciones de  Pablo Capitán del Río, los cuadros pintados con leche de soja de Sergio Porlán (Lorca, 1983), los abstractos de Antonio González

Antonio GONZÁLEZ. Work 28, 2015. Courtesy Galería Art Nueve

Sergio Porlán

E igualmente, por su conjunto, la Galería Yusto/Giner con los irónicos y estupendos dibujos de Ángeles Agrela –que servía de reclamo para la feria- y la obra inclasificable de Javier Calleja , que incluso ha creado todo un ambiente con muebles, alfombra, apliques, flores y mesita de té…

 

 

Angeles AGRELA, Nº 102, retrato, 2017. Courtesy Galería Yusto Giner

 

O la apuesta por dos mujeres artistas  de la Galería Espacio Olvera de Sevilla con el humor de Chelo Matesanz con sus dibujos pegados con chicle y las instalaciones de  María Bueno.

Chelo MATESANZ, Instalación Dibujos pegados con chicles, 2014. Courtesy Espacio Olvera

O los extraordinarios y sugerentes dibujos del granadino Paco Pomet en My name is Lolita Art.

 

Paco POMET, Ceremonia, 2015. Courtesy My name’s Lolita

Se podían ver desde los dibujos de orientación más clásica como los impresionantes grafitos sobre papel piedra  de Luis Feo en N2 Galería, casi fotográficos y díficiles de creer (había que mirarlos casi con lupa)

Luis Feo

o los más sutiles dibujos en grafito en torno a temas melancólicos de Irene González en la Galería Silvestre

 

…a obras más conceptuales como las del artista Eltono en la valenciana Set Spai d’Art que, reflejándose en la geometría y el color plano, generan una experiencia urbana singular con un código  cargado de simbologías cercanas a lo caligráfico.

Eltono

Preciosa,para mí al menos, la obra de la japonesa Reiko Tsunashima, reconocida renovadora de sumi-e, la técnica de tinta japonesa en la Galería Kitai de Tokio

 

Reiko TSUNASHIMA

También había galerías con la acertada exposición monográfica de un solo artista como era el caso de Damià Vives en la Galería Fran Reus …

Damia VIVES, Pliegues X, 2017. Courtesy Galería Fran Reus

 

…o los deliciosos dibujos sobre madera de la serie “Un día recogeré mis plumas y volaré” de Daniela Alfarano en D406 Fedeli alla Linea de Módena …

Daniela ALFARANO. Courtesy by D406 Fedeli Alla Linea

o el premiado Philip Patkowitsch en Bechter  Kastowsky Galerie de Viena…

Philip PATKOWITSCH, Untitled, 2017. Courtesy Bechter Kastowsky Galerie

O la interesante Chus García-Fraile en la madrileña Puxa Gallery

Chus GARCIA-FRAILE, Megalópolis XVI, 2011. Courtesy Puxa Gallery

 

José-Luis-SERZO-Pensamiento-iceberg-Serie-Morfología-del-encuentro-2017.-Courtesy-Galería-Gema-Llamazares

 

Juanjo Lazcano, ‘Untitled’, 2017, N2 Galería

Ricard Chiang Palma-160×110-x2-2012

Solmaz CORNET. A l’aube de la mémoire, 2017. Courtesy Galerie Jean Louis Ramand. Irani

 

Una muy cuidada selección como veréis y un tamaño perfecto de feria para quedarse con ganas de más. Pero eso será otro año, esperemos…Definitivamente una sorpresa deliciosa aunque parece ser que las ventas no han ido, como en otras ferias, tan bien, lo que siempre hace peligrar su continuidad.

JustMad9, la Feria de Arte Emergente donde ellas ganan de una vez

JustMad9, la Feria de Arte Emergente donde ellas ganan de una vez

 

 

Las imágenes censuradas de presos políticos en España de Santiago Sierra

Esta pasada semana ha tenido lugar la feria de ARCO, como todos sabréis. No voy a hablar de ella. Ni siquiera la he visitado. ARCO ya no es lo que solía ser para los aficionados al arte de Madrid y eso se refleja en que en los últimos 10 años, ha logrado perder la mitad de sus visitantes. Parece ser que la macroferia, en cuanto a visitantes, está en los niveles de 1984, el segundo año de su existencia. Pero esto no parece ser un demérito para sus organizadores, sino, por el contrario, algo largamente buscado y premeditado. Desde la llegada de Carlos Urroz a la dirección en 2010-2011, la feria de arte contemporáneo se ha centrado casi exclusivamente en fomentar la visita de los coleccionistas extranjeros Para ello había que romper con la idea de que ARCO era una exposición o un museo. Para sus organizadores, ARCO debía ser una experiencia comercial por lo que se decidió subir los precios de la entrada a unos elitistas 40 euros que disuadieran al público en general. Los galeristas se quejaban, al parecer, de la dificultad de trabajar con tanto público y amenazaban incluso con poner una cadena a los stand para dejar pasar sólo a los clientes. Hoy se vanaglorian de que a pesar de que haya decrecido drásticamente el número de visitantes, ha crecido el número de coleccionistas. ARCO sólo quiere ventas. A pesar del episodio de la censura de Santiago Sierra, ARCO ya no quiere turbulencias, como tampoco busca titulares, ni portadas que sirvan de reclamo a los visitantes amateurs, basta ver la cobertura escasa que, en comparación a las ediciones de hace 10 años, les dedica la prensa general. Pues amen. Ni una palabra más por mi parte.

 

 

Sin embargo, en torno a ARCO, surgen otra serie de citas paralelas, mucho más accesibles y cercanas que inundan de arte las calles de Madrid. Sobre ellas, o más bien sobre lo que yo he podido visitar desde mi punto de vista reivindicativamente amateur, por cierto que bonita palabra, os hablaré en  entradas distintas. Hoy os hablaré de JUSTMAD .

 

Daniel Silvo y Semíramis González.

 

JUSTMAD es una feria supuestamente de arte emergente, aunque uno pueda ver en ella hasta artistas tan consolidados como Isabel Muñoz, creada hace ocho años en paralelo a ARCO. Este año, en la que ha sido su novena edición, la feria ha sido dirigida por primera vez por Semíramis González y Daniel Silvo que han intentado dotarla de un aire nuevo. La propia Semiramís reivindica precisamente para Justmad que no se puede perder el talante popular, la capacidad de sorprender y de generar entusiasmo que ha perdido ARCO y presume de tener obra a precios mucho más asequibles y una entrada a unos razonables 15 euros. Eso se ha traducido en unos 26.000 visitantes en los cinco días que ha durado, lo que la convierte ciertamente en la nueva feria de arte más popular de entre las que se celebran en estos días.

“Es la feria de referencia como fiesta de arte, desenfadada y divertida. Hemos tenido performances, grafitti, manicura terapéutica y hasta la lectura de Rosalía de Castro. La feria tiene que ser un lugar donde la gente pierda el miedo a acercarse al arte e incluso a comprarlo”.

 

 

Semíramis González  asegura que el número de visitantes, a pesar de la postura en contra de ARCO, sí que importa: “Las cifras de gente que visitan las ferias son fundamentales para la venta pero también para la visibilidad”. Pues lo dicho, amén.

 

La cita ha venido marcada por el cambio de sede de ultimísima hora por motivos al parecer ajenos a los organizadores y que quizás puedan ser la justificación de las mayores críticas que podría hacer a la feria. En principio estaba previsto celebrarla en el Palacete de Carlos María de Castro ubicada en la calle de Fernando el Santo, a espaldas de la calle Génova, un lugar bastante atractivo a priori con una sala de conferencias en la planta baja y un jardín con las antiguas caballerías de la finca, que iban a albergar algunos de los proyectos. Quizá el tener que pasar de un espacio así a una nave industrial, con cierto aire carcelario, justifique un cierto abigarramiento expositivo que llevaba hasta la creación de pasillos artificiales entre galerías y auténticos cul de sac que deslucían un poco el buen nivel del conjunto. Sin embargo no parece ser así la idea de sus directores pues, según he leído, pretenden seguir celebrándolo el año que viene, que será el décimo aniversario, en el mismo espacio que han bautizado como Justspace, aunque reconocen la necesidad de realizar mejoras en la distribución espacial. En fin, lo precipitado del cambio puede justificar bastante los errores de bulto. Ahora incluso parece que quieren dar el salto a Lisboa.

 

Consuegra Romero Congregation 5, 2017. Ball-pen on paper. 42 x 42 cm.

Por otro lado, el cambio de sede a la zona más transitada del barrio Salamanca ha facilitado quizás su éxito de público y de ventas. Puedo dar fe de ello, pues es la única feria que he visitado en su apertura y su clausura y era bien patente el cambio de lo expuesto en muchas galerías. Como afirma la propia Semíramis González

 

Las ventas han sido un éxito rotundo, muchos galeristas consideraban “histórico” el récord de ventas de esta edición y grandes coleccionistas además. Aunque aún no tenemos los resultados finales organizados, sí que ha habido artistas que prácticamente han vendido todas las obras que traían de sus series, como Estefanía Martín Sáenz, u otras de gran éxito entre la crítica y el comisariado, como Consuegra Romero.

Estefanía Martín

Estas ventas parecen haber amainado los ánimos de los sufridos galeristas porque, al parecer, el repentino cambio de sede y el reparto de metros tuvo cabreados a más de uno.

Otro de los méritos de la feria, publicitado hasta la saciedad en estos días, es el haber contado con un porcentaje mayor de artistas mujeres, 71 mujeres frente a 63 hombres.

Queríamos una fuerte presencia de proyectos de mujeres y de proyectos feministas y se ha dado esta circunstancia de que muchos stands han decidido apostar por ello.

 

Anna Jonsson. Las ultimas bragas del cajón. 2010

Entre ellas, 13 ESPACIOarte, dirigido por la artista Tonia Trujillo que ha presentado además de los magníficos dibujos de Marta Beltrán, obras de Isabel Cuadrado, Anna Jonsonn, Kae Newcomb, Elisa Torreira y la misma Tonia Trujillo.

 

 

Otra galería con sólo mujeres era la interesantísima galería vallisoletana La Gran, con obras de las series Teratología y Tabú de Laura Salguero, las Zoosofías de Paloma Pájaro y obras de Elisa Terroba 

 

Laura Salguero- Exceptiología

 

elisa terroba

 

Paloma Pájaro

Art Concept Alternativa, una galería de Florida, con las impactantes piezas a bolígrafo de Consuegra Moreno, una de mis preferidas ;

Congregation 7 | 91.5cm x 91.5cm | Consuegra Romero

 

y por último Cámara Oscura, con las impactantes fotografías de Elina Brotherus y Ellen Kool y las interesantes pinturas de Irene Sánchez Moreno.

 

Elina-Brotherus_La-Femme-qui-voyage_Galeria-Camara-Oscura

 

Ellen-Kooi_Haarlem-Wies_Galeria-Camara-Oscura

 

Otras galerías interesantes han sido 6mas1 con obras de Julio Falagán, los Bravú

 

 

 

Isabel-Muñoz-Agua-2. Platinotipia

Flore. De Sadec a Saigón. 2017.Platinotipia

La apuesta segura de la galería madrileña Blanca Berlín con las fascinantes platinotipias de la Serie Agua de  Isabel Muñoz y las preciosistas fotografías de Flore.

CRISTINA ALMODOVAR

 

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La galería AP Gallery con obra de Rubén Martín de Lucas y Cristina Almodovar. Los más que exitosos Santiago Picatoste y Pablo Armesto de Aurora Vigil.

 

santiago_picatoste

 

Irene Sánchez Moreno. Agreste, 2015

 

Lee Madgwick-seasons-end-

 

Esclerótica de Bárbara G.F. Muriel

 

Gemma Ruperez

 

Mònica-Subidé|-Everydayness-at-risk-of-extinction-|2016|75-x-120|oil-pencil-and-collage-on-wood

Charlotte-Walentin_Against-the-light3_Wadstrom-Tonnheim_justmad18-roomdiseno

 

Los Bravú

 

Jorge Hernández El-porqué-de-las-cosas-122x140cm-Acrílico-y-resina-sobre-tabla-2017

Y, aunque no era mi intención en un principio, ellas ganan por goleada en mi selección,

Arthemisa, el nuevo modelo privado de exposiciones “a la carta”

Arthemisa, el nuevo modelo privado de exposiciones “a la carta”

 

En estos tiempos de hiperconsumo de lo artístico y de la incorporación de las concepciones mercantilistas y de rentabilidad económica al negocio expositivo y museístico, el consumo de masas y la crisis económica han hecho que los asesores financieros se conviertan en los verdaderos gestores culturales y que la autofinanciación y la obtención de beneficios estén a la orden del día. Todo esto ha propiciado que en los últimos años proliferen las grandes exposiciones de éxito seguro y poco riesgo económico como las de obra gráfica de M. C. Escher o de Alphonse Mucha, que se celebraron en el Palacio de Gaviria, y que, por lo general suelen pertenecer a los fondos de alguna fundación relacionada con los artistas mencionados que necesita a su vez este préstamo de sus fondos para poder autofinanciarse, como ocurre con las mencionadas más arriba.

 

 

Eso ha propiciado que aparezcan empresas privadas de gestión cultural como Arthemisia, de la que ya os he hablado en otros post y de la que prometí hacer una entrada propia.

Arthemisia es una empresa italiana con sede en Milán especializada en la organización de muestras artísticas llave en mano. Surgió hace más de 15 años, gracias a la iniciativa de Iole Siena, su ambiciosa directora, y es pionera en este tipo de gestión cultural privatizada y una de las más grandes a nivel europeo. Se especializa en montar exposiciones que se realizan en espacios públicos de ayuntamientos u otras organizaciones gubernamentales que les son cedidos gratuitamente a cambio de un porcentaje de la entrada y con el patrocinio de diferentes empresas que a su vez se benefician fiscalmente de ello.

 

Se trata siempre, de exposiciones muy populares con la posibilidad de tener una gran afluencia de público. Se realizan, en algunos casos, no tanto en otros, a mi parecer- bastante dignamente, contando con la complicidad de profesionales de gran prestigio, la colaboración de administraciones públicas ansiosas de atraer turistas y de mostrar entre sus logros eventos culturales con gran afluencia de visitantes y con la connivencia de algunas fundaciones y pequeños museos que, como señalé más arriba, obtienen del alquiler de sus obras, a través de una empresa intermediaria, fondos para autofinanciarse.

 

Iole Siena directora del grupo Arthemisia en la inauguración de la exposiciónRembrandt, Vermeer and Hals in the Dutch Golden Age: Masterpieces from The Leiden Collection en el Long Museum de Shangai

Por esta razón, lo mejor es montar exposiciones que requieran poco tiempo, poco personal y pocos gastos. Para ello la mejor manera es alquilar las obras de una sola colección, lo que minimiza al máximo las gestiones y abarata los seguros y el transporte. Valga como ejemplo las exposiciones antes mencionadas, pero también por ejemplo la exposición de Picasso en Verona que procede íntegramente de los fondos del Museo Picasso de París o la de Edward Hooper en Roma que consistía íntegramente en obras prestadas por el Museo Whitney de Nueva York. Así, por ejemplo, la Fundación Miró de Palma de Mallorca es una de las aliadas de esta empresa a la que prestó entre 2012 y 2013 parte de su colección que se expuso en Roma, Génova, Verona, Lausana y , Moscú y que supuso para la fundación unos ingresos de unos 300.000 € declarados, lo que supone un 14% de su presupuesto.

 

Además, en estas muestras, el comisario suele ser uno de los conservadores de museos prestatarios, lo que le dota de prestigio y garantiza la selección de las obras. Obviamente, para hacerlas más rentables, estas exposiciones tienen que ser itinerantes, por lo que es aconsejable contar con una red de espacios expositivos como la que cuenta Arthemisia con espacios municipales cedidos en todas las ciudades mencionadas. Arthemisia cuenta con lugares fijos como el AMO (Arena Museo dell’Opera) de Verona, el Claustro de Bramante en Roma y toda una serie de palacios reconvertidos en salas de exposiciones en distintas ciudades italianas y europeas, como el Palazzo Chiablese de Turín, el Palazzo Ducale de Genova, el Palazzo Reale de Milano o el Santaella de Palermo  incluso en el mismo Madrid como sucede actualmente con el Palacio de Gaviria donde ya han pasado las exposiciones de Escher y de Mucha.

Palazzo Chiablese de Turín

Además gestiona directamente otros espacios como el Vittoriano de Roma, el famoso altar de la Patria mussoliniano en la Piazza Venezia

 

 

Otra de estas exposiciones por ejemplo fue la muestra de zapatos de Manolo Blahnik en el Palazzo Morando de Milán, comisariada para Arthemisia por la española Cristina Carrillo de Albornoz, que ya había comisariado para ellos una muestra de Tamara de Lempicka que se instaló en el AMO de Verona. Esta muestra de zapatos que está hecha con los fondos del propio diseñador y fotografías del fondo Condé Nast ya ha pasado por el Museo del Hermitage de San Petersburgo, y el Museo Kampa de Praga y se encuentra, en la actualidad, en el Museo de Artes Decorativas de Madrid, con el patrocinio de empresas como Bulgari, Porsche, Tanqueray y el Gobierno de Canarias, además del Ministerio de Cultura.

 

La exposición de Marc Chagall, que ellos mismos califican como exposición espectáculo, mezcla incluso la música, la tecnología y el arte, creando espacios virtuales en los que la obra de arte está ya desmaterializada hasta el paroxismo  no es ya sino un puro objeto de consumo audiovisual como se apreciará en las fotografías.

 

La exposición de Claude Monet que está actualmente en el Vittoriano de Roma, aunque cuenta con 60 obras del autor, todas provienen del Museo Marmottan de Paris y está comisariada por el vicedirector de dicho museo y patrocinada, entre otros, por Trenitalia, la Renfe italiana.

 

 

La exposición Rembradt, Vermeer y Hals en la edad de oro de la pintura holandesa que está ahora en Shangai, y a la que ya hemos hecho referenciason todas obras de la colección Leiden, una colección privada, la mayor en la actualidad de maestros holandeses, perteneciente a Thomas Kaplan,uno de los multimillonarios de la lista de Forbes.

 

La exposición Magritte, Duchamp, Dali. Los revolucionarios del siglo XX, actualmente en el Palazzo Albergati, de Florencia, son todo fondos de Museo Israeli de Jerusalen con una reconstrucción de la Sala de Mae West de Dalí hecha por el arquitecto catalán Oscar Tusquets y la recreación de los 1200 sacos de carbón pensados por Duchamp para la Exposición Internacional del Surrealismo del 1938. La exposición esta por supuesto comisariada por la conservadora de arte moderno del Museo de Jerusalén. Y podría seguir así por horas. Ya han organizado más de 572 exposiciones con 55 millones de expectadores y 48.000 obras, según los datos de su página web, datos que de puro exorbitantes, marean.

 

 

 

El motivo de hacer este post, aparte de por la curiosidad, es porque Arthemisia ha consolidado ya su presencia en España, considerado ya su segundo mercado, y ya ha realizado su primer desembarco en Portugal, con su buque insignia y su particular test que es la exposición de Escher que se celebra en el Museo de Arte Popular de Lisboa y anuncia proyectos para los grandes países latinoamericanos como Brasil, Argentina o México.

 

 

Su apuesta por Madrid y el Palacio de Gaviria está ya consolidada con la firma de un convenio para los próximos diez años, además de su asociación con otros espacios expositivos de titularidad municipal como el Centro Centro del propio Ayuntamiento de la capital, donde se estrenaron con una retrospectiva de Kandinsky en 2015, y el Centro de Exposiciones Arte Canal donde ya se ha inaugurado la primera muestra de Arthemisia, Toulouse-Lautrec y los placeres de la belle époque con 65 obras de las que la mitad son los 33 carteles que realizó y que está comisiariada por la conservadora del Museo d’Ixelle de Bruselas.

 

A partir de marzo se podrá ver en Madrid la muestra sobre “Duchamp, Magritte y Dalí“, procedente del Museo de Israel, de la que os hablé antes y que actualmente se está mostrando en Bolonia con escenografía del arquitecto español Oscar Tusquets, y en septiembre llegará una muestra de la polaca-mexicana Tamara de Lempicka.

 

Pero los representantes de la empresa en España se encuentran ya está negociando nuevas sedes en Sevilla y Barcelona. ¿Estamos ya ante un nuevo modelo de negocio en el que se producirá una cierta privatización de las grandes exposiciones itinerantes? La concurrencia en este mismo instante de al menos tres exposiciones del grupo Arthemisia en Madrid da ciertamente mucho que pensar.

“Inoculaciones” de Ai Weiwei en la Fundación Proa de Buenos Aires

Inoculaciones” de Ai Weiwei en la Fundación Proa de Buenos Aires

 

 

 

Desde el principios de diciembre  hasta abril del 2018, la Fundación Proa de Buenos Aires, en su renovada y ampliada sede del barrio de La Boca (lo que hace doblemente atractiva su visita en estos días de verano porteño), presenta la primera gran retrospectiva en Sudamérica dedicada al trabajo artístico y de intervención social de uno de los artistas contemporáneos más conocidos e influyentes del mundo, Ai Weiwei. Aunque a priori, tenía cierta prevención ante su hiperpublicitado trabajo que algunos incluso tildaban de oportunista a raíz de su implicación en el tema de los refugiados en las islas griegas, tengo que confesar que esta exposición y la prolija documentación sobre su vida y obra que acompaña el propio montaje expositivo, han supuesto para mí una sorpresa conmovedora y francamente  interesante.

 

Forever (Bicycles) 2016

 

La exposición comienza fuera de la fundación, en la explanada que hay en su frente, junto a las coloridas esquinas del barrio de la Boca. En este antiguo muelle se ubica la pieza site specific  titulada Forever Bicycles, instalación monumental realizada con la superposición de más de 1200 unidades de la marca más popular  de bicicletas en China,  Yong Jiu, que traducido significa “libertad para siempre” y que sirve para dar el título a la obra. Esta pieza ya se había exhibido en Nueva York, Washington, Florencia, Venecia y Londres, aunque con forma distinta en cada ocasión.

 

 

Por un lado se trata de un homenaje no sólo a un icono de la cultura china más reciente sino de  su propia  juventud  (las bicicletas Yong Jiu fueron creadas en 1940)  y, por otro, supone un comentario crítico a la reciente hípermercantilización global de la economía china. Además la obra  supone un homenaje indirecto también a la figura de Marcel Duchamp y a su rueda de bicicleta, como reconoce el mismo Weiwei, que en numerosas ocasiones ha afirmado que él descubrió su vocación artística a través de la obra de Duchamp y del descubrimiento de cómo el arte podía salvar la vida a través de un gesto. Weiwei toma la bicicleta como icono también de la disidencia duchampiana dentro de la historia del arte, dotándola de rasgos específicamente contemporáneos como la monumentalidad y la serialización.

 

Ai Weiwei Hanging man Duchamp 1985

Para hacer aún más explícito este homenaje, la primera obra que encontramos, ya dentro en la propia exposición, casi como una declaración de intenciones, es esta Hanging man que no es otra cosa que un retrato de Marcel Duchamp realizado con una percha y que es una de las primeras obras  del artista cuando aún residía en Nueva York, como inmigrante ilegal hasta que en 1993, después de 12 años, volvió a Beijing  a ver a su padre, que había sido internado.

El padre de Ai Weiwei, una figura fundamental para su desarrollo como artista, fue el poeta Ai Qing, un miembro de la Revolución China, y al mismo tiempo un pensador libertario, que víctima de una purga masiva por parte de Mao Zedong de unos 300.000 intelectuales acusados de derechistas, fue enviado a los campos de trabajo forzoso en la China rural inmediatamente después del nacimiento de Ai Weiwei, cuyos primeros años de vida transcurrieron literalmente viviendo en un agujero en la tierra, dado que su madre se negó, como la mayoría de las parejas, a divorciarse y le acompañó en este exilio. Cuenta el propio Ai Weiwei que una de las imágenes más potentes de su infancia fue el momento en que su padre decidió quemar sus libros delante de él, para evitar más castigos por si la policía de la Revolución Cultural decidía ir a su casa y los descubría. Eran sobre todo libros de arte y poesía. Entonces, padre e hijo, hicieron una fogata y comenzaron a quemar los libros página por página, un acto de profunda violencia para el poeta pero, un acto fundacional para su hijo, como artista y activista.

Ai Qing había visitado Sudamérica en 1954 donde forjó una amistad con el poeta chileno Pablo Neruda con motivo de una reunión de poetas y escritores socialistas para celebrar el cumpleaños número 50 del poeta chileno. Para Ai Weiwei la posibilidad de exponer en Sudamérica ha supuesto para él reconectar con la memoria de su padre, motivo por el que quiso realizar el viaje con su hijo Ai Lao, como una forma de conectar generaciones. Desde el comienzo de la exposición la presencia del padre poeta, no sólo en la línea de vida con la que el comisario Marcello Dantas, resume la peripecia vital del artista, sino reproduciendo directamente en las paredes algunos versos escritos por su padre durante aquella visita.

 

Después de su retorno a China, Ai Weiwei  se interesó sobre todo por las antigüedades destruidas por la Revolución de las que nadie hablaba, como el bronce, el jade o la seda y empezó también a hacer publicaciones clandestinas de libros sobre arte chino como los libros de tapa negra, de tapa blanca y de tapa gris (Black Cover Book, White Cover Book y Grey Cover Book), libros destinados a hacer circular y difundir el arte de los artistas chinos más jóvenes. Éstos tres libros se convirtieron en las publicaciones más importantes de la toda la historia del arte chino. Además, en 1997, abrió la primera galería independiente de China que llamó Archivos y Depósitos de Arte de China (CAAW) para despistar a los censores diciendo que era un depósito. Fruto de todo este trabajo fue la exposición del año 2000 titulada Fuck off, Una muestra muy agresiva controvertida con más de 40 artistas de toda China y que constituye un hito fundacional de la arte contemporáneo chino. Sin embargo, hasta ese momento, Ai Weiwei no realizaba obra artística propia, más centrado en su labor como comisario y galerista. Fue a raíz de su contacto con Harold Szeemann, comisario entonces de la Bienal de Venecia, que visitó china para hacer de jurado en un premio, cuando fue alentado e invitado a exponer en la siguiente bienal. En 2004, Su primera muestra individual en la Kunsthalle de Berna y a partir de entonces ya no ha parado.


Sex Toys / juguete sexual, 2014. Jade, tres piezas.

En la serie de obras juguete sexual, Ai Weiwei recrea tres juguetes sexuales que habitualmente están hechos de silicona y que aquí están realizados en jade, la piedra más preciosa de China. Al retomar estos objetos íntimos en una piedra tan exclusiva como el jade y colocarlos en una vitrina en un contexto artístico, el artista pone el foco en la sexualidad, provocando nuevamente al Estado chino que en 2011 comenzó a investigarlo por difusión de material de pornografía por la publicación de la foto Un tigre y ocho pechos, en donde se ve al artista desnudo rodeado de cuatro mujeres también desnudas.

Ai Weiwei “One tiger eight breasts”. 2011

 

Remains

Remains/ Restos, 2015. Porcelana, set de 13 piezas

Restos pertenece a un grupo de obras en las que el artista recurre a artesanos especialistas en el trabajo con materiales tradicionales chinos, como el jade, el mármol, la madera o la porcelana y los desafía a crear objetos muy detallados y de difícil manufactura. En esta obra, recrea en porcelana un grupo de huesos exhumados clandestinamente de un campo de trabajo que funcionaba bajo el líder comunista Mao Zedong en la década de 1950, similar al sitio donde pasó gran parte de su infancia y donde muchos intelectuales murieron realizando trabajos forzados. El extremado detalle con el que han sido realizadas estas obras en porcelana hace que a simple vista sea imposible determinar si se trata de huesos reales o no.

El éxito como artista de Ai Weiwei Fue imparable durante la primera década del siglo XXI tanto dentro de China como en el exterior. Su éxito se vio coronado en China por su colaboración con los arquitectos suizos Herzog & de Meuron como asesor artístico en el Estadio Nacional de Pekín para los Juegos Olímpicos de 2008, e internacionalmente por la exposición de Semillas de Girasol en la Sala de Turbinas de la Tate Modern en 2010 de la que hablaremos más adelante. Sin embargo, su producción artística era sólo parte de su obra. En 2005 la web china Sina Weibo, la plataforma de Internet más grande de China, le invitó a abrir un blog haciéndole consciente de que a través de la tecnología  podría llegar a un número mucho más alto de personas de las que jamás podría llegar con el arte. Así comenzó su blog sobre asuntos diversos que llegó a tener más de 100.000 visitas diarias. La polémica con las autoridades chinas empezó a raíz de sus opiniones sobre el desastroso terremoto de 8.0 gredos del condado de Wenchuan, en la provincia de Sinchuan. Dada la flagrante  falta de transparencia del gobierno sobre el número y la identidad  de los estudiantes que perecieron debido a las deficientes construcciones gubernamentales, Ai reclutó voluntarios online y puso en marcha una “Investigación Ciudadana” para compilar los nombres e información sobre los estudiantes.

Por estos hechos, el 3 de abril de 2011 en el aeropuerto internacional de Beijing fue detenido por la policía. Aunque podían haberle detenido tranquilamente en su casa, lo hicieron cuando estaba apunto de pasar por el control de la aduana, le pusieron una capucha negra y le llevaron a un lugar secreto donde lo interrogaron más de 50 veces y donde fue golpeado con severidad.El artista fue retenido en 1/4 sin ventanas, con dos soldados a 1 m de distancia a las 24 as del día, incluso mientras dormía, durante 81 días despertando una auténtica oleada de protestas internacionales.

Este acontecimiento dio lugar a un gran número de obras. Una de ellas es Derecho, una obra que usa barras de metal rescatadas de la escuela hundida de Sichuan, En interesadas a través de un largo y laborioso proceso necesario para restaurar la memoria y la pérdida.

 

Otra obra relacoinada con este suceso es Enlightment un selfie realizado cuando, tras las palizas recibidas, era trasladado al hospital por dos policías uniformados.

 

También realizó una serie de 6 dioramas hiperrealistas con título S.A.C.R.E.D. que se expusieron en la Catedral de Cuenca en el verano de 2016.  

En la exposición de PROA podemos ver varias obras relacionadas con el acontecimiento.

Handcuffs/Esposas, 2011 Jade y madera de membrillo

En Esposas hace referencia a los 81 días que estuvo en detención clandestina en 2011, recreando detalladamente el jade y madera de membrillo, las esposas que estuvo obligado a usar durante su encarcelamiento. Ambos materiales tienen un importantísimo significado histórico y cultural en China, donde son apreciados por su belleza estética y por su exclusividad, lo cual no solo anula su función sino que las carga de un nuevo sentido. Históricamente, tanto el uso del Jade como de la madera de membrillo estaba reservado para los miembros de alto rango de la familia imperial, y actualmente aún se cree que el jade otorga buena salud y protección al usuario.

Surveillace camera with Plinth/ cámaras de vigilancia con pedestal, 2015. Mármol.

En el año 2011, después de pasar 81 días en detención clandestina, Ai Weiwei es liberado pero puesto bajo estricta vigilancia. Investigado por los cargos de bigamia, transacción ilegal de divisas y difusión de pornografía, no solo le fue confiscado su pasaporte sino que 20 cámaras fueron colocadas alrededor de su casa estudio en Beijing. Esta obra es una réplica exacta y extremadamente detallada de una de esas cámaras.

Una de las obras más reproducidad de Ai Weiwei es la serie Dedo una serie de fotos titulada Estudio de la perspectiva que Ai Weiwei comenzó en 1995 y en la que captura imágenes de su mano con su dedo medio extendido -conocido en occidente como un gesto insultante-, a modo de una medición típica de los estudios de perspectiva clásicos, pero apuntando críticamente hacia monumentos, instituciones y sitios de poder político y cultural.

 

En PROA esta serie está representada con el papel pintado Dedo. Ai weiwei desarrolla a muchos de sus conceptos, gestos y temas en formato de papel de empapelar, en los que crea patrones gráficos con una alta densidad simbólica, que se activan con la repetición y continuidad en la extensión de los muros, techos y pisos, cuidadosamente adaptados a los diversos espacios expositivos.

 

En el año 2000, creo un borde de un brazo extendido en el que la mano hace el mismo gesto con su dedo medio. Este molde se convertiría en las obras Brazo de bronce y, más tarde, Brazo de mármol, y en la actualidad es el patrón del empapelado Dedo.

 

 

 

Free speech puzzle/ Rompecabezas de la libertad de expresión, 2015. Porcelana.

”Si no hay libertad de expresión, entonces la belleza de la vida se pierde. La participación en una sociedad no es una lección artística, es una necesidad humana.” Uno de los temas centrales que recorren toda la obra de Ai Weiwei es su compromiso con la lucha para alcanzar la libertad de expresión.

“Mi definición de arte siempre ha sido la misma. Se trata de la libertad de expresión,.. . Nunca se trata de exhibir en museos o de colgarlo en la pared. El arte de vivir en el corazón de la gente. La gente común debería tener la misma capacidad de entender el arte que cualquier otra persona. No creo que el arte sea de élite o misterioso. No creo que nadie pueda separar el arte de la política. La intención de separar el arte de la política es en si misma una intención muy política.”

 

La obra Rompecabezas de la libertad de expresión, está compuesta por distintas piezas de porcelana pintada mano que forman colectivamente un mapa de China y están basada en colgantes tradicionales de la cultura oriental. Éstos colgantes normalmente son realizados en diversos materiales, como madera, porcelana o jade, dependiendo del poder adquisitivo de cada individuo, y llevan el apellido de la familia operando como símbolos de estatus y amuletos de la buena suerte para el usuario. En esta obre Ai Weiwei reemplaza el apellido familiar por el eslogan libertad de expresión que aparece representado y repetido en cada una de las piezas, reportando de esta manera su constante denuncia contra la censura en China.

Map of China/ Mapa de China 2017. Madera de Tielimu (madera de hierro)

Ai Wei wei ha producido en los últimos 20 años numerosas obras que representan mapas de China en los diversos materiales. La configuración de las piezas heterogéneas que conforman los mapas estar unidas en forma de rompecabezas. Actuando como símbolo de la diversidad cultural y étnica de su país en tanto fusión de innumerables individualidades. Mapa de China está construido con madera de tielimu rescatada de los templos de la dinastía Qing (1644-1911) demolidos en la época de la revolución cultural con el fin de dar paso a nuevos desarrollos en las principales ciudades de China. Para unir los distintos fragmentos el artista emplea una antigua técnica de carpintería que consiste en encastrar las piezas de madera, sin encordar ni utilizar clavos, para fusionar los bloques individuales creando un gran rompecabezas que representa el perfil geográfico de China.

Dropping a Han Dinasty Urn / Dejar caer una urna de la dinastía Han 2016. Piezas de Lego

En 1995, el artista chino dejó caer intencionadamente una urna de la dinastía Han del año 206 a. C. Al 220 d. C., capturando la acción performatica en tres fotografías. Las imágenes mostraban a las artista cometiendo un “acto destrucción” de una antigua vasija que, según manifestó, era “una acto similar a los que había presenciado durante su infancia en los años de la revolución cultural (1966-1976). En este caso es una reelaboración de la pieza de 1995 realizada en piezas de Lego que pertenece a la serie Trace que eran 176 retratos de activistas y prisioneros políticos realizados con piezas de Lego 

 

Grapes/ Uvas 2014. 32 taburetes de madera. Dinastía Qing (1644-1911)

Uvas es un conjunto de 32 taburetes de tres patas, de uso cotidiano y doméstico, hechos a mano, sin clavos ni pegamento. En esta obra, los taburetes entretejidos entre sí rescatan la tradición milenaria del encastre. El artista enaltece la historia del objeto, su artesanía y el saber ancestral chino en el trabajo de la madera

“ Los muebles chinos antiguos tiene una forma muy especial de construcción. Muy clara, con muchos principios sobre la proporción, en incluso si la tabla se usa durante cientos de años, nunca se romperá. Realmente refleja la comprensión china de la estética y su relación con la naturaleza. Así que quería reconstruir, alterar o destruir el original, pero sin rastros. Cuidamos mucho el corte y el lijado para asegurarnos de que la pátina del mobiliario no se viera afectada; incluso un experto se confundiría porque todo es perfecto”

 

 

Ai weiwei recupera el gesto del artista francés Marcel Duchamp a quien admirar y cita repetidamente a lo largo de su obra. Tanto en uvas como en bicicletas forever encuentra fuera de la fundación proa, el artista usa el concepto duchampiano del ready made para crear con bancos o bicicletas estructuras arquitectónicas complejas dándole otra finalidad al objeto al insertarlo en el ámbito del arte contemporáneo.

En la Bienal de Venecia del 2013  presentó una pieza similar mucho mayor titulada Bang

 

Moon Chest / Cofre de Luna, 2008. Madera de Huang Hua Li (membrillo)

Cofre de Luna es una obra que recuerdan los típicos cofres de madera de membrillo chino, una madera preciosa y muy deseable por su exclusividad. Ai Weiwei construye estas piezas, empleando artesanos especialistas en el trabajo de esta madera, 81 cofres, de los que 5 estaban dispuestos  en la exposición.

 

En ellos hay unas aberturas circulares y si se los alinea se crea un enorme mueble monumental y enigmático que abarca un gran espacio. Al mirar a través de los agujeros de las piezas es posible ver el efecto visual de las diferentes fases de la luna. Cada cofre es único ya que la ubicación precisa de los agujeros varía de pieza en pieza y estas aberturas, superior e inferior, están alineadas.

En estas obras, el artista admite la influencia del minimalismo:

“En la década de 1980, vi muchas obras de Donald Judd y Carl André, y muchas esculturas minimalistas. Me gustaban mucho. Los cofres de luna son una pieza en la que intento unir arte y arquitectura minimalistas. Pero cada uno de ellos tenía que tener su propia identidad. Entonces los agujeros en el medio forman una especie de combinación matemática.

 

 

Cangrejos, 2011. Porcelana.

Se trata de tres obras que resultan de un mismo episodio de la vida y carrera de Ai weiwei: la demolición forzada del estudio del artista en Shanghai. Todo comienza a principios de 2008 cuando el gobierno del distrito de Jiading, Shanghai, invita a Ai Weiwei a construir un estudio como parte de las iniciativas estatales para promover la cultura local. Para ese entonces el artista tenía un reconocido estudio de arquitectura llamado FAKE Design con el que había realizado numerosos proyectos y actividades de asesoría y diseño.

En 2010, cuando la construcción del estudio ya estaba terminada el artista comienza organizar una fiesta de inauguración con amigos y seguidores, en donde serviría 10.000 cangrejos de río, citando la proclama maoísta Mao Tse Tung vivió 10.000 años. A los pocos meses, trasla “caída en desgracia del artista” el gobierno de la ciudad declara que el estudio es una construcción ilegal y ordena su demolición.

 

Ai Weiwei fue puesto bajo arresto domiciliario y se decide que la mencionada fiesta del cangrejo del río se realice de todas maneras, sin su presencia a modo de irónico agasajo por la demolición. El 11 de enero de 2011, el gobierno de Shanghai demuele por la fuerza el estudio del artista sin previo aviso.

 

El video Casa de cangrejos, documenta la fiesta del cangrejo del río y las tres fotografías muestran el exterior en interior del estudio terminado, y el vacío que quedó después de ser demolido. En sintonía, la instalación cangrejos fue realizadas dos años más tarde, en porcelana, por artesanos especialistas y reviste varias capas de sentido.Los cangrejos están hechos de porcelana y explotan los mejores aspectos de la artesanía. Están esculpidos cuidadosamente, coloreados y vidriados, todos estos detalles están muy controlados. En palabras de Ai Weiwei:

En chino, He Xie significa armonioso, pero a la vez es una palabra clave para referirse a la censura estatal popular entre los internautas, y que suena como He Xie que significa cangrejo, así que pedi a los artesanos de la porcelana que hicieran cangrejos para llevar a cabo una ironía de la situación política con un lenguaje visual físico y cotidiano que la gente pudiera entender. Después me di cuenta que el cangrejo tenía una larga historia como objeto en China: diferentes dinastías los hacían en jade, en bambú o en ónix.

 

Contenedor de basura, 2014. Madera de Huang Hua Li (Madera de membrillo)

Contenedor de basura es un sólido mueble en madera de membrillo creado con un sistema constructivo artesanal, por encastre, sin clavos ni adhesivos. A primera vista se presenta con un elegante armario pero oculta una dolorosa historia.En 2012,  se conmueve con la muerte de cinco niños entre primos y hermanos abandonados, de 9 a 13 años, que al que le resguardarse de las bajas temperaturas del invierno se encerraron en un contenedor de basura. Los niños hicieron fuego para entrar en calor y murieron por las emanaciones del monóxido de carbono.

 

 

Sunflower seeds/ Semillas de girasol, 2010. Porcelana

En esta sala, un plano gris a manera de alfombra, cubre todo el espacio . Este plano abstracto, conceptual, es una de las diversas manifestaciones monocromáticas del arte contemporáneo y remite a la Earth Room de Walter de Maria.

 

 

 

Recuperando la tradición artesanal de la ciudad de Jingdezhen. Ai Weiwei reunió a 1600 de sus trabajadores-en su mayoría mujeres-, para producir 150 toneladas de semillas de girasol con ocasión de su intervención en la Sala de Turbinas de la  Tate Modern de Londres, el 2010. Esta valiosa tarea está documentada en el vídeo que siempre acompaña a la instalación, en el que el artista recupera y muestra el delicado trabajo que con que el pueblo producía esta obra.

 

 

Estas semillas representan por un lado a las mujeres silenciosas de la sociedad china y por otro lado son una metáfora del país creando réplicas artificiales de elementos naturales. Pero al mismo tiempo representa un proceso de cambio radical que brinda a las mujeres un rol protagónico y la oportunidad de transformarse horas de ingresos a nivel local,  yendo del proceso de replicar cada una de 2 millones de semillas de girasol una acción transformadora de la autoestima, los ingresos y el poder. Esta obra trajo la atención por mostrar como la práctica  del arte puede provocar un cambio social.

 

 

Una de sus ultimas obras y tras la devolución de su pasaporte por las autoridades chinas tienen que ver sobre el tema de los refugiados y la crisis humanitaria que se desató recientemente con el flujo masivo de refugiados desplazados por la guerra de Siria. Las obras producidas alrededor de esta crisis humanitaria se encuentran entre lo más controvertido de la obra de Weiwei, acaso porque nos tocan más directamente que sus críticas a la política y los derechos humanos en China. Aún así han despertado por igual el aplauso por lo necesario  y la crítica por  oportunista y personalista a partes iguales. Asi cubrió las columnas del Konzerthall de Berlin con 16.000 chalecos salvavidas usados por los refugiados; se retrató a si mismo como el tristemente famoso niño ahogado, el refugiado de 3 años Alan Kurdi, cuya fotografía revolvió las conciencias de medio mundo; estrenó el documental Human flow, criticado y alabado a partes iguales por la crítica especializada…

 

 

 

 

En Buenos Aires encontramos algunas obras: una versión de Law of the journey que a pesar de su enorme tamaño, no es sino una reducción de la obra que presentó y aun se exhibe en la actualidad en la Narodni Gallery de Praga.

 

Acompaña la pieza el papel pintado titulado Odissey del 2016, emulando los antiguos frisos griegos

 

 

Y por último Stacked porcelain Vases as a Pillar / Vasijas de porcelana apiladas con una columna, 2017

 

Esta pieza realizada en porcelana es una de las obras más recientes del artista. El conjunto de vasijas recupera la gran tradición artesanal China y sus historias pintadas a mano en color azul. Cada pieza encierra un relato acerca de los diversos momentos de la historia china. El artista retoma esta tradición y actualizan los temas hacia la problemática contemporánea de los refugiados: guerra, ruinas, viaje, cruzando el mar, campamentos de refugiados y manifestaciones.

 

 

En la zona de la cafetería hay una ultima pieza bastante impactante. Se trata  Taifeng de 2015 hecha con bambú y papel de seda


Taifeng es una de las criaturas híbridas milenarias del famoso libro Shanhai jing –también llamado el Clásico de las Montañas y los Mares– que había estimulado su imaginación cuando era un niño.El libro incluye cuentos imaginarios que se han transmitido de generación en generación durante más de 2000 años. Es un logro del artista presentar de un modo contemporáneo diseños basados en tradiciones milenarias y realizados conjuntamente con virtuosos artesanos de su tierra utilizando métodos tradicionales de los clásicos barriletes chinos. El bambú ha sido cortado, doblado y curvado para crear las estructuras y luego cubierto con papel de seda.

Picasso y Toulouse Lautrec en el Museo Thyssen: ¡¡¡últimos días!!!

Picasso y Toulouse Lautrec en el Museo Thyssen: ¡¡¡últimos días!!!

 

Tengo que reconocer que me he resistido y he remoloneado en ver esta exposición Picasso/Lautrec porque a priori no me gustan demasiado los parangones y, porque, por otro lado, no estaba tan convencido de la tesis que el título implicaba. Sin embargo, una vez vista, y a pesar de que puede haber una media docena de cuadros de Picasso de otras épocas, en realidad es más bien una comparativa entre el arte del último Lautrec y  un jovencísimo Picasso, de entre 19 y 20 años.

 

 

De hecho la gran mayoría de los cuadros del malagueño en la exposición son de entre 1900 y 1902, por tanto pertenecientes a su primera estancia en París, en la que se instaló en el antiguo estudio del pintor Isidre Nonell, su otra gran influencia de la época, y del período justo antes del suicidio con veinte años de su gran amigo Carles Casagemas que tan fuertemente impactaría en Picasso, hasta el punto de dedicarle varios cuadros, algunos  de ellos realizados ante el mismo cadáver y uno de los cuales está también presente en esta exposición.A partir de entonces, como es sabido, Picasso volvería temporalmente a Barcelona y empezaría su época azul.

 

Pablo Picasso, Le suicide de Casagemas, 1901

Quizá el título de la exposición habria debido incidir más en esa acotación temporal tan precisa pues no cabe duda que para el jovencísimo y noctámbulo Picasso, el ya afamado Lautrec debió ser una referencia fundamental. Sin embargo y, aunque compartieron los mismos escenarios vitales e incluso las mismas modelos, como es el caso de Jane Avril, no llegaron a coincidir físicamente, pues, aunque Lautrec murió en septiembre de 1901, apenas unos meses después de Casagemas y de la vuelta de Picasso a Barcelona,  desde 1897, en que sufrió un episodio de delirium tremens y particularmente desde 1899 cuando que fue internado en un sanatorio mental -donde realizaría la hermosa serie del Circo- el pequeño Henri ya no era un personaje habitual de las noches parisinas.

 

Sin embargo, es indudable la influencia de Toulouse Lautrec sobre Picasso, no solo por la propia evidencia de los cuadros, a veces tan cercanos en tema y en modo que uno podría intercambiar cartelas, sino porque el mismo Picasso lo confesó a lo largo de su vida e incluso atesoró ese pequeño retrato de Paul Sescau de 1894 que 60 años después aún seguía presidiendo su estudio de La Californie  como muestra una fotografía de Edward Quinn de 1960 que está en la exposición y que os cuelgo también aquí. Curiosamente, me ha encantado descubrir que estos dos genios bajitos se llevaban entre sí 17 años pero ¡¡ sólo 9 centímetros!!

 

Picasso en La Californie, foto de Edward quin 1960, La flecha roja indica el retrato de Lautrec

 

Henri de Toulouse-Lautrec por Paul Sescau 1892

Comisariada por Francisco Calvo Serraller, y Paloma  Alarcó,  la jefa  de  conservación  de  Pintura  Moderna  del  Museo Thyssen, la exposición cuenta con un impactante centenar largo de obras de ambos artistas, muchas procedentes de  colecciones públicas, pero también gran parte de ellas de colecciones privadas, y, por tanto, difíciles de ver.

 

 La serenata uno de los pocos cuadros posteriores de Picasso que forma parte de la exposicion del Museo Thyssen 

La exposición está organizada en torno a una serie de temas que interesaron a ambos artistas: Una parte titulada Bohemios dedicado a los retratos caricaturescos de personajes singulares; Bajos Fondos  dedicada al mundo nocturno de los cafés, cabarets, teatros, los carteles; Vagabundos dedicada a la cruda realidad de los seres marginales, desde el espectáculo del circo a los almuerzos frugales de los clochard callejeros:  Ellas que recoge el universo erótico de los burdeles y los antros marginales con prostitutas enfermas de sífilis: Eros recóndito igualmente dedicado al erotismo pero, esta vez, desde una órbita más cercana y privada.

 

Una visitante frente al tapiz de René y Jacqueline Dürrbach, según la obra de  Pablo Picasso Les Demoiselles d’Avignon,  titulado Cavalaire, de 1958 (según la pintura original de 1907) Tapiz de lana, 272 x 206 cm. Este tapiz también salía en la foto del estudio de La Californie que está mças arriba.

No voy a escribir más texto por la urgencia que me lleva a colgar esta entrada pues son los últimos días en que es posible verla en Madrid dado que termina el domingo 21 de Enero. Los que aun no la hayáis visto, no lo dudéis, como veréis en la galería de obras que os cuelgo a continuación, la calidad es extraordinaria y la ocasión, única.

 

We are Here: La soberbia exposición del 50º aniversario del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago

 

En honor al 50 aniversario de la fundación y apertura del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, el museo presenta We Are Here ( una importante exposición de tres partes extraída de su importante colección de arte de los siglos XX y XXI.

 

 

El Museo de Arte Contemporáneo de Chicago fue creado como resultado de unos encuentros realizados en 1964 en la casa de la crítica de arte Doris Lane Butler entre una treintena de críticos, coleccionistas y marchantes de arte, para discutir la idea, largamente acariciada, de la creación de un museo de arte contemporáneo que complementase en sus lagunas al todopoderoso y mastodóntico Chicago Art Institute -que tambíen visité y de cuyas exposiciones temporales os hablaré en una próxima entrada del blog-.

 

Hall del segundo piso, el llamado Kovler Atrium con la pieza de Maurizio Cattelan Felix. Inspirado por la fascinación del público con  Sue, el popular Tyrannosaurus rex del Field Museum, Cattelan ha transformado un gato doméstico en una figura gigantesca de 6 metros de altura y 8 de ancho, a la que pone el nombre del personaje de dibujos animados Felix el Gato.

Fruto de estos encuentros, el museo se inauguró en 1967 en un local bastante limitado que previamente había sido las oficinas del Playboy. El museo fue concebido originariamente como un espacio fundamentalmente para exposiciones temporales, y aunque desde 1974 comenzó a establecer una colección permanente de arte posterior a la Segunda Guerra Mundial, aún mantiene en gran medida esa filosofía de kunsthalle​, lo que hace de esta muestra una ocasión excepcional de contemplar parte de los fondos de su extraordinaria colección de arte que, según la opinión de quien esto escribe, es de quitar el hipo, no sólo por la multiplicidad de los artistas representados, la mayoría de ellos de un prestigio indiscutido, sino también por la fantástica calidad de las piezas concretas, que hacen que su visita sea más que de obligado cumplimiento para quien visite Chicago, de un seguro, apasionante y casi diría eufórico regocijo para quienes disfruten y aprecien el arte contemporáneo

 

Ernesto Neto reimagina la escalera del museo con esta nueva instalación site-specific  ‘Water Falls from My Breast to the Sky‘ (2017)

 

 

En 1996, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago inauguró su sede actual. El actual edificio de cuatro plantas fue diseñado por Josef Paul Kleihues

 

Diseñado por el estudio de arquitectos Pedro y Juana este jardín interior vertical inverso es una de las salas más emblemáticas de la remodelación del Museo realizada este año y sirve como una sala de encuentro y de descanso. Durante mi visita estaba llena de mesasy sofás y servía de Family Room

 

Las obras abarcan todo tipo de medios, desde pintura y escultura a instalaciónes, sonido, cine y video. We Are Here intenta además no ser el modelo tradicional de la exposición conmemorativa de un aniversario, como es el cincuentenario y prueba a poner el foco en la relación entre el artista y el espectador que, como se intenta poner en evidencia, no es ni estática ni inmutable ni categórica sino que se ajusta y articula a lo largo del tiempo, de acuerdo a los intereses transitorios de sus comisarios, de sus donantes o del propio público. El significado de una obra puede así variar según la perspectiva no sólo del propio autor, sino también del espectador o incluso del propio paso del tiempo.

 

Huang Yong-Ping. Pentagon. 2007

 

Para demostrar esta idea, los comisarios del museo han creado tres secciones distintas de la gran exposición del cincuentenario basandose en estas perspectivas que le dan una lectura más actual.

 

Entrada a I am you

I Am You, la primera parte ubicada en el segundo piso del museo, reúne, según la información aportada por el propio museo,

obras que subrayan cómo cada uno de nuestros paisajes naturales y sociales únicos dan forma a un entorno cultural diverso. Incluye obras de artistas reconocidos como Francis Bacon, Marisol y Shirin Neshat, así como artistas más jóvenes, como Jonathas de Andrade y Lynette Yiadom-Boakye, todos los cuales confían en las experiencias personales para iluminar la vastedad de la vida contemporánea. Presenta nuestro universo interior como parte de una gran constelación de individuos.

 

Marisol (Marisol Escobar), Six Women, 1965–66

 

Claes Oldenburg
Soft Alphabet 1978

 

Jonathas de Andrade Brazilian, b. 1982 The Fish 2016 16mm

Carol Bove Swiss, b. 1971 Untitled 2011 Peacock feathers on linen

Lee Bontecou American, b. 1931 Untitled 1966 Welded steel, canvas, epoxy, leather, and wire and light

 

René Magritte Belgian, 1898–1967 Les merveilles de la nature (The Wonders of Nature) 1953 Oil on canvas

 

Charles Simonds 1981

 

Thomas Ruff, Porträt (H. Haussman), 1988.

 

Siobhan Hapaska Robot 2001 Lamda print mounted on aluminum 48 × 60 in. (121.9 × 152.4 cm)

 

Shirin Neshat Iranian, b. 1957 On Guard 1997 Ink on gelatin silver print

 

Francis Bacon British, b. Ireland, 1909–1992 Study for a Portrait 1949 Oil on canvas

 

Matta (Roberto Matta Echaurren) French, b. Chile, 1911–2002 Untitled (Prime Ordeal) 1946

 

Marwan Kassab-Bachi, Untitled (Das Knie) (1967). Collection of the Museum of Contemporary Art, Chicago

 

Lynette Yiadom-Boakye. Bracken or Moss, 2012.

 

Louise Bourgeois American, b. French, 1911–2010 The She-Fox 1985 Black marble and steel

 

Gabriel Orozco Mexican, b. 1962 Roiseau 3 2012 Bamboo branch and bird feathers

 

George Tooker American, 1920–2011 Children and Spastics 1946 Egg tempera on gesso panel

 

I am you se termina con estas dos piezas de Arturo Herrera Behind the house de 1999 al fondo con Praying for Safety de David Hammons de 1997

 

David Hammons American, b. 1943 Praying to Safety 1997 Thai bronze statues, string.Los dos budas tailandeses del s. XIX estan enfrentados el uno al otro con un imperdible, un safety pin en inglés,precariamente suspendido en un hiloque les une. He añadido estafotoporque en el anterior se perdía el detalle.

 

Desde octubre, en el cuarto piso del museo, se inauguraron las otras dos partes de esta soberbia exposición, You Are Here y We are Everywhere.

You Are Here, de nuevo según la web del Museo,

examina cómo el rol del espectador ha cambiado con el tiempo, especialmente desde la década de 1960, desde el espectador pasivo hasta el participante activo. Artistas como Pierre Huyghe y Robert Morris forjan una nueva relación física entre el espectador y el objeto de arte. Otros artistas, incluido Huang Yong-Ping, exploran representaciones de figuras políticas y del poder político, específicamente, cómo el cuerpo puede estar sujeto al poder.

 

 

 

Para entrar a esta sala hay que dar tu nombre completo y el Name Anouncer de Pierre Huyghe te anuncia mientras atraviesas la pieza Portal de Robert Morris en forma de detector de metales y pasas pisando Zinc-lead Plain de  Carl André a una sala llena de minimalismo. En la pared de atrás una obre de Donald Judd

 

Vito Acconci American, 1940–2017 Bridge Chairs for Sex and Gender 1984

 

Liam Gillick British, b. 1964 (The What If? Scenario) Report Platform 1996

 

Jeff Koons American, b. 1955 Lifeboat 1985 Bronze

 

Richard Serra American, b. 1939 Prop 1968 Lead antimony

 

Takis Magnetic Mobile c. 1964

 

Franz West Austrian, 1947–2012 Blue 2006 Papier-mâché, espuma, alambre, resina, sistema eléctrico, pintura, y metal Aprox 222.3 × 254 × 205.7 cm

 

Rashid Johnson American, b. 1977 Glass Jaw 2011. Azulejo de espejo, jabón negro, cera, libros, manteca de karité, cubierta de álbum de vinilo, radio CB, conchas de ostras y pintura

 

Monir Shahroudy Farmanfarmaian Iranian, b. 1924 Group 4 [Convertible Series] 2010 Iranian, b. 1924 Group 4 [Convertible Series] 2010

Vista de la segunda sala de You are here

Robert Smithson American, 1938–1973 Mirror Stratum 1966

 

Gordon Matta-Clark Circus or The Caribbean Orange 1978

Ben Shahn American, b. Lithuania, 1898–1969 Democracies Fear New Peace Offensive (Spring, 1940) 1940 Tempera on paper

 

Xaviera Simmons On Sculpture #2 2011

 

Ana Mendieta 6 fotografías de la serie  Silueta 1973-77

Tania Bruguera Poetic Justice 2002-03 Hecha con bolsas de te

 

Bruce Nauman, Henry Moore Bound to Fail 1967

 

Doris Salcedo Atrabiliarios 1993. Nicho de contrachapado, calzado, vejiga de cordero e hilo quirúrgico

Doris Salcedo Atrabiliarios 1993. Nicho de contrachapado, calzado, vejiga de cordero e hilo quirúrgico

 

Yinka Shonibare, MBE Alien Obsessives, Mum, Dad and the Kids 1998 . El niño de la foto era un crack, me encantó ver cómo se relacionaba con las obras para desesperación de los guardias del museo

 

Vista de la ultima sala de You are here. En la pared de la derecha Dawoud Bey The Birmingham Project: Mathes Manafee and Cassandra Griffin 2012 y Christian Boltanski Untitled from the Monument series 1985

 

Magdalena Abakanowicz Cage 1981

Leon Golub Mercenaries I 1979

 

Y finalmente la última parte de la exposición con el titulo We are Everywhere.

We Are Everywhere, muestra a los artistas que toman prestadas de la cultura popular: latas de sopa, imágenes fijas de películas, letreros de neón o baldosas, para considerar las formas en que nuestras vidas sociales influyen en nuestras percepciones del mundo que nos rodea. Artistas como Andy Warhol, Robert Rauschenberg y Bruce Nauman, así como Karl Wirsum y Roger Brown, artistas del propio Chicago, que vuelven a presentar y revelar realidades sociales que de otra manera pasarían desapercibidas. Artistas como Stan Douglas, Cindy Sherman, Gillian Wearing y Jeff Koons se han comprometido con nuevas formas de medios para extender el alcance de sus propios puntos de vista y experiencias. Barbara Kruger y Lawrence Abu Hamdan nos alientan a pensar dos veces más sobre las estructuras de poder en las que invertimos, ya sea la noción del estado o la corporación.

 

Vista de la primera sala de We are Everywhere. De izda. a dcha.  Ellen Gallagher , b. 1965 Pomp-Bang 2003, Robert Rauschenberg Retroactive II 1963 y en el centro Jeff Koons Rabbit 1986

 

El otro lado de la primera sala con obras de Andy Warhol de la serie Jackeline Kennedy y algunas de la serie de Latas de Sopa Campbell

 

Siguiente sala dedicada al pop art con obras de Mel Ramos a los dos extremos  Zebra de 1970 a la derecha y a la izda. Tobacco Rose de 1965. En el centro Madame Butterfly de Larry Rivers y de Andy Warhol Gertrude Stein, de la serie Ten Portraits of Jews of the Twentieth Century

 

 

Otra sala con de izda. a dcha. Christina Ramberg Muscular Alternative 1979, Ed Paschke Heavy Shoes 1970, Roger Brown Autobiography in the Shape of Alabama (Mammy’s Door) 1974 y Jim Nutt Summer Salt de 1970. De nuevo el niño retando a los guardias del museo.

 

Eric Fischl American, b. 1948 The New House 1982 Oil on linen

 

Algunas de las obras del artista suizo Thomas Hirschhorn , b. 1957 tituladas  Serie B (50) 2000-01

Sala dedicada casi por completo a Cindy Sherman con obras de 1975 a 1989

 

Obras del artista mexicano Gabriel Kuri con el título Carretillas I y II 

Dos de los fascinantes autorretratos como miembros de su familia usando prótesis de latex de la artista británica Gillian Wearing, b. 1963 Autoretrato como mi madre, Jean Gregory 2003

 

Gillian Wearing Autorretrato a la edad de 3 años. 2004

 

 

 

Joana Hadjithomas and Khalil Joreige both b. 1969, Beirut, Lebanon The Lebanese Rocket Society A tribute to dreamers. PART V A carpet… Handmade carpet, and archival material

 

Chicago, Board of Trade II 1999 Andreas Gursky born 1955 Presented by the artist 2000

Chuck Close American, b. 1940 Cindy 1988

 

Bruce Nauman The Hanged man 1985

 

Bruce Nauman American, b. 1941 Life, Death, Love, Hate, Pleasure, Pain 1983 Neon

 

 

Takashi Murakami Wink Sculpture (Pink) 2001 y detrás Jellyfish Eyes 2002

Y bueno acabo aquí. Y no creáis que he puesto todo. He tratado de ser exhaustivo pero muchas obras se me escapan o porque no las recuerdo o porque no las he encontrado en la red como algunas de John Baldessari, Mike Kelley, David Salle, Michael Heizer, Candice Bretz, Chris Burden, etc. Una exposición seminal de esas que te dejan huella y abren muchas puertas. Espero que la hayáis disfrutado.

mmmmm

 

Marcel Dzama: Dibujando una revolución

 

Marcel Dzama en el proceso de pintar el mural de La Casa Encendida

Hago esta entrada para recomendar la visita a la exposición Drawing on a Revolution del artista canadiense residente en Nueva York Marcel Dzama en La Casa Encendida del 28 de septiembre al 07 de enero de 2018. La obra de este artista nacido en Winnipeg (Canada) en 1974 destaca por una iconografía inconfundible que mezcla una serie de referencias a otros artistas nunca ocultas como Marcel Duchamp, el Goya de los Disparates, el dadaísmo sobre todo de Berlín, mucho Francis Picabia, Alberto Giacometti, el Joseph Beuys de Coyote e incluso pintores como El Bosco o Brueghel cuyos abigarrados universos de múltiples criaturas es posible atisbar en estas obras.

 

 

 

Marcel Dzama tiene bastante reconocimiento internacional y sus anacrónicos e interesantes dibujos han interesado a artistas de otras disciplinas con los que ha realizado frecuentes colaboraciones. No sólo formó parte del grupo The Royal Art Lodge con otros artistas canadienses, sino  que también es conocido por sus portadas de discos  ya sea con el grupo de música Arcade Fire, el album The Else por They Might Be Giants, dos albumes de Beck, Guero y Guerolito,  Reconstruction Site de The Weakerthans. Sus diseños de vestuario se pueden ver además en algunos videos musicales como en el final de la canción de Bob Dylan, When the Deal Goes Down,  o el interesante video de The People Tree del grupo N.A.S.A. , o el vídeo de No One Does It Like You, que  codirigióo con Patrick Daughters de Department of Eagles.

 

 

 

 

 

Portada del disco The else de They Must be Giants

 

 

Tambien ha colaborado con  José Noé Suro en su taller de cerámica de Guadalajara en México. Otra interesante colaboración es la que tuvo el año pasado con el artista Raymon Pettibon en la exposición conjunta, Let Us Compare Mitologhies, presentada por primera vez en la galería que normalmente lleva su obra la  David Zwiner Gallery de Londres y Nueva York.

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David-Zwirner-London-Marcel-Dzama-and-Raymond-Pettibon

 

La muestra de La Casa Encendida consta de tres espacios bien distintos con diferentes técnicas que recogen una muy interesante muestra del trabajo de los últimos años de Marcel Dzama. En la primera sala, a la izquierda según entras, hay  fundamentalmente dibujos.

 

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Son dos salas: una más pequeña con dibujos de sus primeros años, perfectamente reconocibles por  una precisa gama de colores apagados, entre ocres y verdes y otros  más recientes, en los que predomina el rojo corinto, el marrón y el negro

 

 

 

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y otra sala mayor donde hay dibujos de mayor formato y muy recientes, casi todos de este año o el anterior, y que  se centran sobre todo en el tema de la Revolución, como La revolución va a ser femenina (2017), y que dan título a la exposición.

 

Son dibujos a tinta y acuarela, hiperpoblados por seres extraordinarios, híbridos entre animales y hombres que recuerdan a personajes de El Bosco o a los gigantes y cabezudos del Carnaval, como bien señala Estrella de Diego en su texto Coreografía entre Don Carnal y Doña Cuaresma del catálogo.

 

A veces son personajes de Walt Disney, es notable su predilección por los personajes de Pinocchio, o de cuentos populares infantiles como Caperucita o superhéroes de cómic o de la televisión junto a hordas de soldados de la primera guerra mundial e incluso nazis o terroristas de ETA o bailarines de ballet o cantantes de ópera, todo con un aire de cabaret berlinés de los años 30 plagado de erotismo, de perversión, de humor e incluso de soterrada y no tan soterrada violencia en el que se mezcla lo carnavalesco, lo mitológico, con lo artístico, lo bélico o lo poético.

 

Un dibujo hecho en papel de pianola

 

Es muy característico además que estos dibujos a tinta estén realizados sobre partituras o incluso sobre papel de pianola en el que aún es posible ver las perforaciones que permitirían que sonase una canción. El artista suele rellenarlo todo con pequeños y minuciosos estos escritos en letra muy menuda, en todas las lenguas imaginables, incluida el español que al parecer son parte de sus propios poemas y he incluso frases cogidas al azar de sus lecturas

 

Elmural que Marcel Dzama pintó para esta exposición en La Casa Encendida

 

En la segunda sala, justo al otro lado de la puerta de entrada, encontramos obra sobre todo tridimensional

 

 

 

Primero de todo llama la atención que esta sala B además está empapelada por una obra que titula The cast and crew of the old revolutions (2017).

 

 

Hay además cuatro dioramas donde Dzama recorta sus personajes, creando casi diríamos un collage tridimensional donde los espacios están de nuevo abarrotados y comunicados por escaleras imposibles al modo de Escher. Parece ser que Dzama creó en uno de ellos para celebrar la muerte de muchos de los personajes que llenaban sus dibujos de la primera época canadiense, como una especie de celebración del adiós a parte de un universo que le había acompañado durante años.

 

. También es posible ver una instalación y de video con varios monitores donde se muestra un ballet con algunos de los personajes que aparecen en sus dibujos e incluso algunos de sus videos musicales

 

 

 

y otra obra, Turning Into puppets (2011) probablemente inspirada en el ballet triádico de Oscar Schlemmer de 1922 y que es en realidad un carrousel de marionetas de latón de evidente filiación dadá.

 

 

 

En un expositor de la sala, se pueden ver también gran parte de los Bocetos de un diseño de vestuario que realizó en 2016 para el ballet de Nueva York con el coreógrafo  Justin Peck .

 

También en esta sala hay unas interesantes construcciones que recuerdan a la  obra surrealista de Alberto Giacometti

 

 

Por último, en la Sala C se proyecta el vídeo Une danse des bouffons (or A jester’s dance), estrenado en el Festival Internacional de Cine de Toronto  de 2013. En otro expositor, se incluyen los dibujos preparatorios del video, el story board que ha realizado específicamente para esta exposición.

 

 

En el video de marcados aires dadaístas o surrealistas vemos algunos de  los personajes de sus dibujos cobrar vida bailando en un tablero de ajedrez. El vídeo comienza con un evidente homenaje a el Étant donnés [1940-1968] de Marcel Duchamp y recrea de algún modo la figura de la artista brasileña Maria Martins, quien fuera amante de Duchamp y que interpreta Kim Gordon, la cantante de Sonic Youth.

 

 

 

Marcel Dzama es un creador proteico, una de esas personas soñadoras que viven en un mundo imaginario y un tiempo propio, una exposición muy recomendable en Madrid.