Las pinturas chinas Bapo. Un Rompecabezas de un pasado atesorado.

 

 

Esta entrada es para recomendar esta exposición de Boston, en mi museo favorito China’s 8 Brokens. Puzzles of the Treasured PastDel 17 Junio  2017 – 29 Octubre , 2017,

 

 

Las pinturas Bapo (o eight broken “ocho rotos”) es un género artístico revolucionario que surgió en China durante la segunda mitad del siglo XIX. El género es conocido por una variedad de nombres, “bapo”, “páginas dañadas” y “eight brokens”, este último es el más universalmente aceptado. El número ocho es el número de la suerte en la cultura china, y los objetos rotos o incompletos se prefieren a los objetos perfectos, porque la perfección puede invitar al infortunio

 

 

 

La creación de composiciones que muestran fragmentos de los tesoros culturales del país se remonta a la China del siglo VIII, cuando los artistas comenzaron a pegar trozos de poesías, de caligrafías y de pinturas en grandes pantallas, tipo biombos.

Se volvió popular otra vez en el siglo XVII, y ya en el siglo XVIII los artistas dejaron de pegar para empezar a pintar y a reproducir caligrafías y pinturas famosas directamente sobre los rollos de papel, la cerámica, y las pantallas de  laca.

 

 

La pintura bapo representaba una suerte de partida, de abandono, poniendo especial énfasis en la decadencia: los restos históricos, como reliquias, se representaban quemados, como salvados de un incendio, desgarrados e incluso carcomidos por los insectos.

 

 

Cuando surgió el BAPO , los críticos de arte serios del momento desdeñaron este estilo de pintura tanto por su énfasis en la reproducción como por su hiperrealismo. El público no tenía sin embargo tales escrúpulos: Fue muy popular entre la clase media, que vio en ella un reflejo de sus propias valores. Su inesperada iconografía era radicalmente distinta de la pintura clásica china de paisaje y de figuras, y se convirtió en un tipo de pintura muy popular entre las clases media urbanas con ciertas aspiraciones, encantados con la sofisticación de su engaño visual.

 

 

 

Las pinturas de Bapo eran famosas por todos los significados ocultos que se esconden dentro de sus composiciones, de ahí la referencia a los “puzzles” que tenía la exposición en que los descubrí. Parte de la diversión es ver cómo los artistas arreglaron y acodaron pedazos del papel para sugerir varios significados. Por ejemplo, en la pieza de Zhu Wei Una imagen completa de 100 años, 1903, en uno de los paneles de un conjunto de seis, los pedazos rotos se han ensamblado en la forma de un dragón. ¿Por qué? ¿Podría el trabajo ser un acto de protesta contra la Rebelión de Taiping -que vivió el artista- cuando muchas bibliotecas fueron quemadas y los tesoros destruidos? ¿Son las representaciones de Zhu Wei de caligrafías y libros carcomidos una especie de comentario político, o quiere reflejar los deseos de longevidad?

 

 

Después de 1949 esta forma de arte fue olvidada en gran parte, y ha sido recientemente redescubierta por artistas y coleccionistas contemporáneos. El redescubrimiento de BAPO ha Impulsado a los comisarios actuales a intentar descifrar el enigma del significado de las imágenes. Esta exposición presenta los mejores ejemplos de pinturas BAPO que datan del siglo XIX, así como una obra contemporánea del artista Geng Xuezhi, e incluye nuevas adquisiciones y préstamos de museos y colecciones privadas ubicadas en los Estados Unidos y Asia.

 

 

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Zhang Daqian, el pintor más cotizado en China

Zhang Daqian (Neijiang, Sichuan, 10 de mayo de 1899 – Taipei Taiwan, 2 de abril de 1983), es un pintor tradicional chino, uno de los más cotizados de su país y que, para muchos, se convirtió en un auténtico descubrimiento cuando  en 2012  desbancó a Picasso como artista más cotizado en el pujante mercado chino. Daqian destaca desde siempre por su extraordinaria ductilidad. Para mí, con sinceridad, uno de los artistas que más me han impactado en los últimos tiempos. Mirar sus enormes cuadros es zambullirse en un mar de nubes de color azul y verde.

Nacido en la provincia de Sichuán en el seno de una familia que animó su dedicación a la pintura y la caligrafía, en 1917 se trasladaba a Japón con su hermano mayor , Zhang Shanzi ( famoso por sus pinturas de tigre). Viajaron a Kyoto donde  estudió el teñido de textiles. Estos estudios le permitieron  adquirir una gran formación sobre el color y los pigmentos para conseguirlos.

Dos años más tarde, Zhang Daqian fue a Shanghai para estudiar pintura tradicional. Tuvo así la oportunidad de estudiar algunas obras de maestros antiguos. Los estudió minuciosamente y siguiendo el sistema de aprendizaje habitual en china comenzó a copiar sus obras. Y su honda percepción de los maestros y su gran capacidad técnica le llevaron a hacer falsificaciones, que engañaron sin dificultad a los mejores conocedores de la pintura antigua china. No hay que olvidar que las copias en el arte chino  tienen gran valor  ya que se considera que solo los grandes pintores tienen la capacidad de copiar a los maestros antiguos. Así, sus copias, son hoy consideradas autenticas obras maestras.

Al mismo tiempo, comenzó así una de las pasiones de su vida, el coleccionismo y desde muy pronto conformaría una gran colección de obras maestras de la tradición china, entre otras cientos de obras de las dinastías Tang a Qing.

Debido al clima político salió de China en 1949 y residió en varios países como en Mendoza, Argentina, São Paulo y Carmel, California, perfeccionando su estilo.

A finales de los años 50 un problema en la vista le lleva a desarrollar una nueva técnica de pintura que él mismo llama las “pinturas salpicadas”, próximas al expresionismo abstracto de Jackson Pollock, pero que él decía inspiradas en el maestro clásico Wang Mo. Su técnica consistía en verter  pintura sobre las telas, sin un plan inicial y en función de cómo se dispusieran éstas sobre el lienzo, las reconfiguraba y retocaba hasta formar flores, ríos, montañas o pájaros (todos ellos temas muy habituales del arte clásico chino). Estas pinturas llegaron a alcanzar elevados precios en los mercados internacionales.

Su visita a Picasso en Niza en 1956 fue publicitada como un encuentro entre los mejores pintores de Oriente y Occidente.

En 1978 el artista se estableció en Taipei, Taiwán. En la actualidad existe una casa museo dedicada al pintor en su ciudad natal (Neijiang) a orillas del río Tuojiang, el Zhang Daqian Memorial Hall, donde se conservan pinturas de distintos periodos del artista.

Giuseppe Castiglione o Lang Shining, un pintor occidental considerado como un Gran Maestro del Arte Chino

 

Giuseppe Castiglione o Lang Shining, un pintor occidental considerado como un Gran Maestro del Arte Chino

Guerrero a caballo

Giuseppe Castiglione nacio en Milán en 1688. Castiglione estudió pintura probablemente con Carlo Cornara y quizá también con Filippo Abbiati, uno de los grandes maestros de su tiempo. En 1709 ingresó en la Compañía de Jesús, a través del noviciado de Génova, donde al parecer se conservan ocho grandes lienzos atribuidos a su pincel que no he conseguido encontrar. Existe un libro del profesor Marco Musilo que traza su peripecia vital.  “Reconciling two carees: the Jesuit Memoir of Giuseppe Castiglione lay brother and Qing imperial painter” publicada en Eighteenth-Century Studies, vol. 42, no. 1 (2008)

 

Astrónomos Jesuitas de la Misión jesuita en China con el emperador Kangxi (1690–1705). Obra de Philippe Behagle.

Casi un siglo  después de que el jesuita Matteo Ricci estableciera comunicación con la corte Ming, llegó a Italia, a través de la propia orden jesuita, la solicitud del emperador de China, entonces Kangxi, para que le fueran enviado jesuitas versados en matemáticas, con aplicaciones ópticas y topográficas, médicos, fabricantes de relojes así como artistas especializados en los campos del grabado, la pintura y el esmalte. El emperador Kangxi estaba fascinado sobre todo con los últimos avances científicos europeos, particularmente en el campo de la astronomía.

Castiglione fue considerado una de las mejores opciones puesto que a sus dotes de pintor podía unir la de su condición religiosa, y realizar, al mismo tiempo, una labor misionera en el mismo corazón de la corte Imperial.

 

Esta, aunque no es una pintura original sino una copia de un retrato de una concubina de Castiglione, lo traigo aquí para mostrar la forma de exponer las pinturas que no se colgaban de las paredes

 

original del anterior

 

Así que en 1714, con tan solo 27 años y un par de años en la orden, se embarcó para China siguiendo la ruta portuguesa. En Portugal fue retenido durante un tiempo por algunos encargos que, sin embargo, no han sido localizados: uno por parte del colegio de San Francisco de Borja en Coimbra y otro de la propia reina, Maria Ana de Austria para que pintase los retratos de sus hijos, Maria Barbara y dom Pedro.

 

 

Perro romano y urraca

Llegó a China via Goa, donde quedo retenido por dos meses hasta obtener la autorización imperial para desplazarse hasta Beijing.  Existe una anécdota en la que varía el animal pintado, un pájaro o un perro, pero que recoge el momento en que, con sus dotes pictóricas, Castiglione convenció al emperador  Kangxi para ser aceptado como pintor de la corte imperial.

 

 

Las altas montañas ofrecen espléndidos políporos, pintado con ocasión del cumpleaños del emperador Yonzheng en 1724

Castiglione no fue el primer pintor occidental que se desplazó a Beijing. Los casos de Giovanni Gherardini , que pintó la cúpula de la misión jesuita, o Cristoforo Fiori fueron anteriores, aunque en ambos casos los pintores fueron devueltos a Europa por su incapacidad de conjugar la doble obediencia debida por un lado a la coercitiva corte Imperial y por otro a la exigente Orden Jesuita.

 

 

Además no se trataba tan solo de pintar a la europea, sino de traducir todas las tradiciones pictóricas occidentales en formas visuales que respetasen por completo el canon de la corte Qin. Así por ejemplo, el claroscuro o las sombras pronunciadas eran vistas por la tradición china como una especie de maldición o mal de ojo. Por lo tanto había que trabajar sutil y discretamente el uso de las sombras, los avances de la perspectiva y el distinto uso de la pincelada.

 

El emperador Qianlong celebrado el Año Nuevo Chino. Esta pintura a pesar de ser fiel a las tradiciones chinas, muestra una nueva sensibilidad al mostrar al emperador alejado de todo protocolo. El uso de la perspectiva también es característico de la nueva sensibilidad que supuso Castiglione

 

Todo ello fue posible porque Castiglione  trabajó en colaboración con otros artistas chinos para aprender sus técnicas. En general se veía implicado en la pintura de largos rollos en los que se requería la participación de un gran número de artistas,  pero de esa época no queda obra que le pueda ser atribuida únicamente a él. Fundamentalmente se empleaba a Castiglione para pintar retratos, perros, pájaros, flores y edificios en perspectiva, dejando las partes del paisaje a los pintores locales. Así por ejemplo son atribuibles a su mano las cuatro figuras principales de La caza del ciervo, el emperador y tres oficiales a caballo, hecho que se constata por la evidente falta de sombra bajo las monturas.

 

 

Detalle de la caza del ciervo

También se sabe su participación en el Xinxie Zhipingtu (En el corazón tengo el poder para reinar en paz) que es el retrato del Emperador Qianlong , la emperatriz Xiaoxianchun y las 10 concubinas imperiales, donde las sombras son muy sutiles.

 

De 1715 a 1766 sirvió a tres emperadores: Kangxi, Yoncheng y Qianlong, aunque sólo sería con el reinado de éste último que le conocía y le admiraba desde niño, con el que Castiglione o en realidad Lang Shining, como se le conocía, alcanzaría la cumbre de su prestigio, llegado a ser nombrado Primer Pintor Imperial.

La emperatriz madre Xiaoshengxian

 

La emperatriz Xiaoxianchun

Castiglione pasó 51 años como pintor de corte en el Neiwufu. Creó un género único, hecho de una mezcla de pintura occidental y de la estética del mejor arte chino del siglo XVIII. De particular importancia son los retratos del emperador y toda la familia imperial, extraordinariamente apreciados en la corte,

 

 

Retrato de Hongyan, Principe Guo (1733-1765) hermano del emperador. Tras el las formas barrocas del antiguo Palacio de Verano

 

Emperador Qianlong

 

Retrato del emperador Qianlong

 

Retrato ecuestre del emperador Qianlong a la manera de los retratos europeos. No podemos olvidar que Qianlon fue contemporáneo de Luis XV

 

 

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Castiglione o Lan Shi’ning, como era conocido en la corte, realizó frecuentes series como la serie de los diez perros favoritos del emperador

 

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sus halcones

 

 

 

y numerosas series de los caballos imperiales, entre las que destacan Los cuatro corceles afganos

 

 

Su obra mayor llamada 100 caballos en un paisaje está considerada como una de las mejores obras maestras de la pintura china tradicional. fue pintada en 1728 para el emperador Yonzheng en un pergamino de seda de alrededor de 8 metros de largo.

 

 

La dificultad de pintar sobre seda es que no se puede corregir una vez aplicada la pintura, por lo que Castiglione realizó muchos bocetos antes de empezar la obra. Dedicó cinco años a terminar la pintura.

 

Aunque no se tienen noticias de su recepción por parte del emperador Yonzheng, sí se sabe que el siguiente emperador Qianlong la tenía entre sus obras maestras y que sirvió para que Castiglione fuese nombrado principal pintor de la corte Imperial. A pesar de su general apariencia oriental, cuando uno se centra en los detalles del paisaje, es fácil advertir que están pintados según las convenciones pictóricas occidentales, con un uso de la perspectiva distinto a la pintura china de la época.

Además cuando uno observa con atención árboles y caballos se advierte el uso de una única fuente de luz que crea las sombras y confiere volumetría tanto a la vegetación como a los caballos, a diferencia de los diferentes tipos de iluminación que podían usarse en una pintura tradicional china.  La particular manera de mezclar el sombreado y la perspectiva de la pintura occidental con el estilo llenos de vaciós del arte oriental es su marca de estilo que tendría continuadores en el arte chino.

 

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Otra de sus series más famosas se llama Inmortal Blossoms of an Eternal Spring. Este conjunto de dieciséis hojas  incluye  flores, frutas o plantas tan simbólicas para la cultura china como la peonía de árbol, la flor de melocotón, las magnolia, el iris con franjas, la rosa espinosa amarilla, el clavel, la amapola, las lilas, los lirios o el bambú, el loto o el crisantemo. Ocho de las hojas también incluyen pájaros. El reverso de cada pintura está en blanco, y el último va firmado con una “Canción-escritura” como “respetuosamente pintado por su servidor, Lang Shining.”

A juzgar por el estilo de la pintura, parecería ser una obra maestra del reinado de Yongzheng (1723-1735). Castiglione no sólo pintó las dieciséis hojas de este álbum con un uso muy cuidadoso del color, sino que las composiciones también son bastante innovadoras.

 

En particular, fue capaz de trascender la representación tradicional de las aves en la pintura china para lograr resultados fantásticos en la perspectiva y sombrado occidentales. En muchos lugares de la representación de las aves y las flores se revelan sutiles toques de luz y sombra con los que el artista muestra una innovadora habilidad en utilizar pigmento blanco para resaltar las áreas más brillantes.

 

 

El emperador Qianlong trató en repetidas ocasiones de elevarlo al estatus mandarin, pero hay noticias  del conflicto que para un jesuita con voto de pobreza suponían esas dignidades  y que muestran muy claramente el carácter del pintor que intentó por todos los medios evitar tales prerrogativas. El profesor Marco Musilo nos cuenta cómo se llegó al punto de que el propio emperador tuvo que revocar en una ocasión la concesión del estatus de mandarín, hecho completamente insólito en una corte donde los deseos del emperador eran órdenes. Sin embargo, el propio gesto nos confirma la altísima estima de la que gozó el pintor en la corte imperial hasta el punto de qué cuando se encontraba enfermo el emperador Qianlong le mandaba sus propios médicos.

 

También colaboró en el diseño y la realización de las fuentes, jardines y pabellones decorados en estilo occidental en el llamado Palacio Viejo de Verano para el que reunió a un equipo de artistas occidentales, incluyendo el arquitecto francés Michel Benoist, él mismo un jesuita, y que se convirtió en un lugar favorito para las tardes del emperador y sus Concubinas. El Palacio de Verano era un lugar vetado incluso para los miembros masculinos de la casa real, un lugar fantástico, al que acaso algún día dedique un post, al que solo tenía acceso el emperador, sus concubinas, los niños de la familia real y una verdadera legión de criadas y eunucos. Uno de los poquísimos varones con acceso a aquel lugar fue el pintor Lang Shining.

 

Giuseppe Castiglione murió en Beijing el 17 de julio de 1766. El emperador Qianlong, su gran amigo y admirador, ordenó que se celebrarán en su honor funerales imperiales, que correspondian a su alto rango de mandarin de segunda clase.

 

El Museo Nacional del Palacio de Taipei conserva varias de sus creaciones, entre ellas alguna muy curiosa como la alargada pintura (7,7 metros) de los cien caballos, que está considerada su obra maestra

http://www.comuseum.com/painting/masters/lang-shining/one-hundred-horses/

Jin Xing, el coronel del Ejercito rojo que se convirtió en bailarina

 

La vida de Jin Xing no fue fácil. Nacida en China en 1967 de una familia coreana, su padre era policía. Aunque desde muy niña mostró predilección por la danza, su camino no iba a ser fácil.”Desde los seis años sabía que algo no estaba bien. Cuando había tormenta imaginaba que si un relámpago caía sobre mí, tal vez podría convertirme en una niña. Algunas veces llegaba a casa con toda la ropa mojada esperando a que eso ocurriera” cuenta en la entrevista que os cuelgo.

 

A la edad de nueve años se unió al Ejercito Popular de Liberación donde recibió entrenamiento militar y formó parte del ballet del Ejército. Aunque forzada a ocultar sus inclinaciones, ella lo recuerda como un espacio de libertad pues era la más pequeña del ballet y le permitían hacer papeles femeninos. No podemos olvidar la secular tradición china de los actores masculinos representando papeles femeninos, como los onagata japoneses. Destacó en el ejército como artillero donde llegó a alcazar el grado de coronel y llegó a convertirse en uno de los bailarínes más conocidos de China pues era el único hombre capaz de bailar en puntas.

 

En 1987, Jin se marchó a Nueva York con una beca de cuatro años estudiando en las escuelas de Cunningham, Graham y Limon. La vida de Jin cambió de una forma radical. Durante los noventa viajó por Europa y dio clases de danza en Roma del 91 al 93, volviendo a China a la edad de 26 para realizarse una operación de cambio de sexo en 1996. Mucha gente intentó disuadirla. Ya había alcanzado la fama en su país y gozaba de un alto grado de libertad, ¿por qué ponerlo todo en riesgo? Sin embargo, como ella misma afirma, no le importaba el amor de los demás si no el amor por sí misma. Como resultado de la operación su pierna izquierda sufrió una parálisis no permanente, pero que cambiaría definitivamente su forma de bailar.

Fue el primer caso de cambió de género reconocido por el Gobierno Popular de China que intentó forzarla a que se limitara a la danza tradicional, donde, como ya hemos dicho, esa ambigüedad formaba parte de la propia tradición cultural china. Muy al contrario, Jin Xing formó la primera compañía de danza contempóranea de China la Jin Xing Company con la que ha visitado los más importantes teatros internacionales.

 

Mujer inquieta donde las haya, canta jazz, ha actuado en varias películas y empezó una carrera en la televisión como jurado en un talent show, que, en un primer momento le supuso un despido por su condición de transexual, pero que finalmente le ha llevado a presentar su propio programa, siendo considerada según algunos la Oprah de China.

En 2005 contrajo matrimonio con un alemán y es madre, a pesar de las limitaciones del gobierno chino, de tres hijos adoptados.

 

 

El siguiente video es el concurso que ganó en 1985 para conseguir la beca que le permitió ir a Nueva York. En este momento aún estaba en el Ejército

 

Wallace Chan, el artista más caro del mundo

Hoy voy a hacer un post sublime, si lo sublime es exactamente aquello que te atrae y te fascina al mismo tiempo que te horroriza e incluso te causa pavor y pasmo, e incluso disgusto. Confieso que, de todas las entradas que he hecho, es la que mayor escrúpulos morales e incluso estéticos me suscita. Y sin embargo al mismo tiempo me parecía necesario incluirla.  Quiero dedicárselo a mi bien amado Armando Ledoux, quien ni aún siquiera sé si lo leerá, pero que ha sido sin duda alguna la inspiración, los ojos que he imaginado mirando y la mano que me ha conducido en esta investigación sobre un ser difícilmente calificable como es Wallace Chan.

 

 

 

Wallace Chan se convirtió en la exclusivísima Bienal de los Anticuarios de París de 2012 en una auténtica revelación para el mundo occidental de la alta joyería. Desde un mínimo stand entre los fabulosos despliegues de Cartier, Bulgari, Boucheron y Chanel fue capaz de eclipsar a todos ellos.

 

 

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Wallace Chan es un ser curioso cuanto menos. A pesar de ser uno de los más ricos joyeros del mundo, proviene de una familia de la más absoluta pobreza en la que tenía que compartir la misma cuchara con sus cuatro hermanos. Aún así, después de haberse convertido sin dudarlo, en el artista mejor pagado de China vive con absoluta frugalidad, vistiendo como un monje, comiendo humildemente y residiendo en una casa relativamente modesta en una esquina cualquiera de Hong Kong mientras su taller es prácticamente un búnker tecnológico e inexpugnable donde se pasa el día trabajando, según relató un periodista del New York Times, manejando bolsas llenas de piedras preciosas cuyo tamaño nunca es menor que el de una pelota de golf.

 

Los ojos del Infinito

 

 

“Cuando me llega una piedra, hablo con ella. Es necesario que esa piedra, su belleza, complemente, se integre en mi espíritu y en mi corazón”, dijo el artista en una entrevista. Cuando veo una piedra y empiezo el proceso de creación, primero tengo que cerrar los ojos y meditar en su presencia. Para conocer la luz, necesitas transformarte en luz y entrar dentro de esa piedra como si desaparecieras. Solo la luz puede guiarte en como debe ser tallada una piedra.

 

 

 

 

Wallace Chance estudió pintura y escultura antes de dedicarse a la joyería que ha revolucionado, no sólo por la estética oriental de sus piezas, que también, sino por las nuevas técnicas que ha inventado. Su taller parece un laboratorio científico. Chan siempre está intentando inventar nuevas técnicas, nuevos instrumentales, nuevas tecnologías.

 

Collar “Ahora y Siempre”

 

En su página web hay una explicación de las cinco principales innovaciones que llevan su firma y su registro. Existe incluso un tipo de talla que lleva su nombre el Wallace cut y que permite incluir un rostro dentro de una piedra a la manera de un camafeo que se ve reflejado en cada una de las facetas.

 

 

 

Inventó también un tipo de engarce que permite que sea una piedra la que sujete a otra prescidiendo por completo del metal en los engarces.

 

 

 

 

Por otro lado también ha hecho avanzar mucho las técnicas asociadas al uso del titanio, prescindiendo en muchos casos del oro, lo que permite hacerlas muy ligeras y engarzar las gemas como si verdaderamente flotaran en el aire.

 

 

 

 

Otra singularidad es el tratamiento que ha conseguido dar al jade obteniendo de esta piedra milenaria una suntuosidad desconocida hasta la fecha.

 

 

 

 

 

 

 

earthling_Brooch_Fleur-de_Vie

 

Una auténtica revolución en la joyería china. Los millonarios de aquel país hasta fletan aviones para asistir a cada nueva exposición de las piezas de Chan, exclusivas, desmesuradas e irrepetibles joyas únicas puesto que el artista insiste en trabajar personalmente, con sus propias manos, cada una de las piezas .

 

 

Pero tener dinero no es suficiente. La mayor parte de las creaciones de Chan son aún de su propiedad. Su propia colección está valorada en más de 250 millones de dólares. Wallace Chan no vende sólo por dinero, ha de estar plenamente convencido que cada uno de sus criaturas encuentre el destinatario que la entienda y la merezca. Con lo que su exclusividad se multiplica exponencialmente, habiéndose convertido, incluso, en el deseo inalcanzable de aquellos a los que todo les es fácilmente accesible. Una pieza de Wallace Chan no lo es. Poseer una de sus joyas es entrar un una élite casi inaccesible incluso para las élites más exclusivas.

 

Fleur de la Dynastie Tang brooch with rubies, yellow diamonds, pink sapphires

 

 

Entre sus creaciones están sin duda las joyas más caras actualmente en el mundo. Una cigarra en jadeita, de un valioso jade de color lavanda, rubíes y diamantes – fue valorada durante la Bienal de París en unos 23 millones de euros,

 

 

 

 

Una de sus últimas creaciones llamada “Una Herencia que florece” es un collar que incluye 24 diamantes sin ninguna imperfección (clase D se llaman) incluyendo uno de 104 kilates obtenido de una piedra de 507 kilates en bruto. Chan compró la piedra directamente de la mina Sudafricana y meditó, según confiesa, ante ella durante tres años antes de empezar a tocarla.

 

 

El fastuoso collar más caro del munfo además combina otros cientos de diamantes rosas y blancos además de jades blancos y verdes. A pesar de su enorme tamaño el collar es ligerísimo debido al uso del titanio y puede ser usado en 27 formas distintas que se muestran en esta página de la revista Forbes.

 

algunas de las 27 posibles combinaciones de la pieza Heritage in Bloom

 

La máxima influencia de Chan es, según su propia confesión, otro creador igualmente exquisito: René Jules Lalique. Wallace Chan además sólo produce una media de una docena de piezas al año, todas trabajadas por sus propias manos.

 

Praise of spring and Inheritance Brooch

 

 

 

 

 

 

Lo primero es “encontrar una piedra que sea rarísima, desde todos los puntos de vista, su cristalización, su pureza, su claridad… Eso ya es un sufrimiento. Todas las piedras tienen sus particularidades. Hoy en día se sabe cómo se talla un diamante, cómo se talla un rubí, pero no por saber cómo se talla un cristal se conoce cómo tallar una esmeralda. Cada piedra tiene una técnica muy especial a la que hay que adaptarse. Por eso digo que hay un sufrimiento, porque se sufre para encontrar la técnica que se adapte a la piedra, a su mejor faceta”.

 

Gabriella Rose. This necklace features the world’s largest flawless purple sapphire.

 

Su creaciones se mueven entre lo kitsch y lo exquisito e incluso lo humorístico. Representa sobre todo aimales cargados de simbología en la cultura china como las libélulas, los peces, insectos y mariposas, además de referencias al cielo, la eternidad, lo abismal  o la tierra.

 

 

 

Para esta mariposa uso una mariposa real sobre la que fue añadiendo finísimas capas de madreperla

 

Confiesa que nunca sabe donde le conducirá el viaje que cada piedra implica. Por ejemplo, en una ocasión se rompió su tetera favorita, salvandóse solo la tapa que acabo convertida en un fastuoso anillo.

 

Anillo hecho con la tapa de una tetera

 

Para la élite de millonarios chinos estas referencias al simbolismo budista tiene un gran atractivo. Las piezas de Chan son siempre excesivas en todos los sentidos. No sólo en sus astronómicos precios sino en su tamaño y en su versatilidad.

 

 

 

Hasta la propia manera de exponerlas es una locura, creando cañas de bambú  que son auténticas obras de arte (arriba) o una famosa peonía de casi dos metros de altura llena de rubies que son joyas en sí mismas y que, allá donde se exhibe causa ese mismo pasmo, entre la controversia y la admiración, que al principio describía como sublime.

 

 

 

Hermoso pero aterrador. Pasmoso pero escandaloso. Terrible pero fascinante. Wallace Chan.

Aqui os pongo su página web, un video que le rodó el New York Times, en el que se le ve trabajando en su estudio, y otro de la BBC sobre el Wallace Cut