Henry Darger y la fascinante historia de las hermanas Vivian en los Reinos de los Irreal

Henry Darger y la fascinante historia de las hermanas Vivian en los Reinos de los Irreal

Henry Darger 1892-1973

Hace rato que quería hacer esta entrada sobre el fascinante y enigmático universo de uno de los artistas marginales (Art brut o Outsiders art)  más aclamados del mundo. Henry Darger, a los ojos de sus vecinos, era poco menos que un homeless, alguien del que todos sospechaban que tenía problemas mentales, y que trabajó durante más de cincuenta años de bedel en un hospital católico de Chicago regentado por monjas que le despreciaban. Durante cuarenta años vivió en la misma habitación de alquiler de un barrio marginal de la ciudad, sin relacionarse apenas con nadie, hasta que, demasiado enfermo para valerse por sí mismo, ingresó de mala gana en la misión católica de San Agustín. Cuando dejó su habitación, el casero, Nathan Lerner, empezó a limpiar la basura que había acumulado durante 40 años. Alquiló un contenedor y le pidió a otro inquilino que le ayudara a sacar los montones de periódicos, zapatos viejos, ovillos de cordel, gafas rotas y botellas vacías: todos los desechos coleccionados por un hombre que se había pasado la vida hurgando en la basura.

La habitación de Henry Darger

Pero sin embargo lo que su casero descubrió no fue exactamente basura sino varios centenares de obras de arte de una extrañísima cualidad, casi sobrenatural: delicadas y desconcertantes pinturas de miles de niñas primorosamente vestidas o desnudas, con pequeños penes, que jugaban en paisajes de colinas ondulantes. Algunas eran imágenes propias de cuentos infantiles con llanuras llenas de flores, mariposas y  nubes con caras. Otras, sin embargo, eran escenas de batalla o de torturas en masa llenas de charcos de sangre roja y de mutilaciones de miembros. Y su casero, que era artista, supo enseguida reconocer el valor de aquellas pinturas.

 

Henry Darger, Illustration from The Story of the Vivian Girls

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Pero, no solo eso, además delos centenares de dibujos, había miles de folios escritos dela que hasta hoy es la novela más larga jamás escrita, de 15.145 páginas, además de una autobiografía y de otras obras terminadas, todo meticulosamente ordenado en carpetas y en libros primorosamente cosidos y encuadernados  a mano.

 

Henry Darger. Volumen I de The Story of the Vivian Girls y volumen VIII de su Historia de mi vida

 

A lo largo de las siguientes semanas, fueron descubriendo más y más de una obra extraordinaria y colosal que abarcaba más de 300 cuadros, algunos de más de 4 m de largo, y pintados por ambas caras, además de miles y miles de páginas escritas. Además, todo este trabajo monumental, estaba ambientado en un único universo completamente coherente: lo que llamaba The Realms of the Unreal,  los reinos de lo irreal, un mundo en el que este hombre extraordinario vivía secretamente con muchísimo más entusiasmo y pasión con que lo hacía en su solitaria vida cotidiana.

 

 

El manuscrito principal que había empezado a escribir desde su adolescencia, recien escapado de un asilo para niños con problemas mentales,  se titulaba La Historia de las Vivian, en lo que se conoce como los Reinos de lo Irreal, sobre la guerra-tormenta glandeco-angeliana causada por la rebelión de las niñas esclavas.

 

Las siete hermanas Vivian huyendo del ataque de los Glandelians

La historia narra el proceso de una cruel guerra civil que tiene lugar en un planeta imaginario, alrededor del cual gira nuestro planeta Tierra como si fuera su luna. La trama describe el levantamiento, tras 43 años de esclavitud,  de los niños esclavizados, liderados por las hijas de Robert Vivian- Violet, Head, Daisy, Joyce, Jenny, Angeline y Catherine-  siete princesas, santas vivientes,  de la nación cristiana de Abbieannia que alientan una audaz rebelión contra la esclavitud infantil impuesta por John Manley y los Glandelinians. Los niños toman las armas en su propia defensa y a menudo son asesinados en la batalla o brutalmente torturados por los señores Glandelinians que visten de traje militar y llevan un birrete de profesor.

 

 

Pero ¿quién era este Henry Dagger? Hay un estupendísimo documental de  2004 dirigido por Jessica Yu, In the Realms of the Unreal, que detalla la vida y pone en movimiento las obras de Darger y que podeis ver subtitulado en este link (. Existe otro documental, que no he podido ver , Revolutions of the Night, de Mark Stokes, que se centra más en la vida temprana de Darger y examina obras menos conocidas del artista. Pero,para la elaboración de esta entrada, he seguido elcapítulo que le dedica Olivia Lang, en su magnífico libro sobre el arte de estar solo titulado La ciudad solitaria.

 

 

En el documental, Henry es descrito por sus vecinos como un hombre hosco y esquivo, fervientemente religioso, y que no hablaba apenas con nadie, eludiendo esforzadamente cualquier contacto con la gente. Su casera al describirlo opina que  era incapaz de relacionarse, que jamás establecía una conversación y que ante  una pregunta directa respondía habitualmente hablando de tormentas que se desplazaban desde California o de tornados en el Medio Oeste. Sólo hablaba del tiempo, aunque en la soledad de su habitación, se oían animadas conversaciones, e incluso acaloradas discusiones, en las que él interpretaba con distintas voces, y a veces en leguas desconocidas, todos los papeles. Pero en público, Henry era una presencia espectral , huidizo e intratable, esquivo y cincunspecto que no solo no hablaba con nadie, sino que incluso evitaba cruzar su mirada.

Hombre menudo, de pequeña estatura, apenas de 1,64, vestía como un clásico vagabundo, con un chaquetón que le llegaba casi a los talones, y que remendaba contínua y cuidadosamente, y cuando le veían solía ser rebuscando entre los cubos de basura. Era la viva imagen de un homeless. Sólo se conservan de él apenas un par de fotografías desvahídas.

 

 

Darger nació en Chicago en 1892. Su madre, Rosa, murió de fiebres puerperales cuando él tenía cuatro años, unos días después del parto de su hermana menor , a la que entregaron directamente en adopción sin que Henry llegara a conocerla. Según el propio relato de Darger, su padre, que era sastre, fue amable y atento con él mientras vivieron juntos  hasta los ocho años. En ese año, su padre, que estaba ya por entonces estaba inválido y hacía un café de puchero riquísimo, demasiado enfermo  para valerse por sí mismo y para cuidar a su hijo. fue internado en el Hogar de ancianos de San Agustín.A Henry le mandaron interno a un colegio católico, la Misión de Nuestra Señora de la Misericordia.

 

Era un niño muy inteligente y terco que ponía constantemente en cuestionamiento las enseñanzas que recibía. No tenía muchos amigos en el colegio porque tenía la costumbre, según sus propias palabras, de hacer ruidos extraños con la nariz, la boca y la garganta. Según cuenta él mismo, lo que quería era hacer reír a sus compañeros, pero lo que conseguía era todo lo contrario: le llamaban loco e imbécil y a veces incluso intentaban pegarle.

 

 

Aunque su padre y su madrina le realizaban esporádicas visitas, no parece que consideraran  nunca la posibilidad de sacarle de allí y volver a llevarlo a su casa. Durante esta época, le llevaron al médico en muchas ocasiones por su extraño comportamiento. Al final, un médico le dijo que no tenía el corazón en su sitio. “¿Dónde lo tenía supuestamente? ¿En la tripa? Pero no me dieron ningún medicamento ni tratamiento alguno.

 

Institution for Feeble Minded Children

Muy al contrario, decidieron internarle en una institución estatal a más de 200 kilómetros de los únicos seres que le quedaban y que describe como una especie de asilo  para niños con problemas mentales. Algunos de los que han estudiado su biografía, hablan de las brutales condiciones de vida en esa institución, donde a los niños se les clasificaba  en categorías como sordos, imbéciles, ciegos, epilépticos, parapléjicos,  paranoicos, hidrocefálicos, idiotas, etc.

Unidentified boy at the Slipshod Home for Feeble Minded Children.

Existen testimonios reales de prácticas de pederastia prácticamente diarias, de ahogamiento y de contínuas palizas  e incluso de que llegaba a  usar las partes del cuerpo de los que morían para dar clases de anatomía. Sin embargo, Henry en sus memorias, lo recuerda como su hogar . A veces era agradable y otras no tanto, dice. Al final llego a gustarme el sitio.

 

 

A los 12 o 13 años, le anunciaron que su padre había muerto y que estaba, definitivamente, en manos de las instituciones del Estado porque ya no tenía ni familia ni hogar al que volver. Aquel fue un golpe muy duro. Sus esperanzas de salir se desvanecieron.

Pero no grite. Tenía una pena enorme y me sentía mal porque no podía llorar. Lo habría pasado mejor si hubiera llorado. Estuve varias semanas en ese estado, y por culpa de eso me encontraba en un estado de fealdad que hacía que todos me esquivaran y me tuvieran miedo. Apenas comía y no era amigo de nadie.

 

 

Durante los veranos, les llevaban a trabajar en una granja. A Henry le horrorizaba salir del asilo que era donde quería estar. No quería más cambios en su vida. Aborrecía las novedades. Porque el asilo era ya su única casa. Fueron aquellos veranos en la granja, los que le empujaron a intentar escaparse varias veces.

 

 

El primer intento acabó cuando el vaquero de la granja les sorprendió escapando, le ato las manos con una cuerda y le hizo volver corriendo detrás del caballo. Pero no se arredró y volvió intentarlo. Al final se subió en marcha un tren de mercancías y volvió a Chicago. Pero después de una tormenta aterradora, se entregó a la policía.

 

 

Ya en Chicago, con sólo 17 años, encontró trabajo como conserje en uno de los hospitales católicos de la ciudad. El empleo de conserje era muy duro en esa época, una especie de chico para todo, y no tenía un momento de descanso. Una larga jornada de trabajo de más de diez horas, sin tener nunca vacaciones, y librando tan solo  las tardes del domingo para acudir a la misa semanal. Si embargo, Henry, que aborrecía los cambios, mantuvo este trabajo como conserje durante 54 años, sin contar el breve intervalo en que intentaron reclutarle como soldado para la Primera Guerra Mundial aunque quedó exento por problemas de visión que él mismo exageró. Sus tareas consistían en fregar los suelos de rodillas, pelar sacos de patatas,  lavar las ollas de la cocina y lo que más odiaba que era quemar las basuras. Sin embargo, su relación con las monjas nunca fue ni mucho menos idílica, sino que fue, según él mismo cuenta, eran despóticas y le despreciaban por estúpido, vejándolo en público frecuentemente.  Pero Henry eludía el conflicto y jamás se les enfrentaba. Solo cuando llegaba casa mantendría con ellas en voz alta las discusiones que había eludido tener durante el día.

 

Fue en esta época, al parecer, cuando comenzó con su trabajo artístico completamente a escondidas del mundo. La única amistad que tengo  fue con n vigilante nocturno y su “amigo especial”, Whillie, como él lo escribía

 

William Schloeder y Henry Darger

En realidad era William Schloeder al que iba a visitar todas las noches y con el que llegó a tener una estrecha amistad porque conocía a toda su familia. Juntos fundaron el club secreto al que llamaron la Sociedad Geminiana dedicada por completo a la protección de los niños.

 

 

En 1956, cuando murió la madre de Willy, éste se fue a vivir con su hermana a San Antonio, donde murió de gripe asiática tres años después. Desde entonces, estoy completamente solo. Nadie me ha aceptado desde entonces… Era como un hermano para mí. Ahora ya todo me da igual y viviré siempre la misma vida. Y efectivamente nunca volvió a tener otro amigo. Su mundo se despobló radicalmente. Se jubiló unos años más tarde, en noviembre del 63, a los 71 años.

 

 

Se podría pensar, dadas sus malas condiciones de trabajo, que la jubilación habría sido una alegría para Henry, pero, después de 54 años, para alguien que adoraba las rutinas, fue más bien un calvario. No soportaba la vida ociosa, y que no sabía con qué llenar el vacío de los días. Empezó a ir a misa a diario, a veces incluso dos o tres veces, a pesar de sus frecuentes crisis de fe de las que hablaré más adelante,  y se pasaba las horas dando vueltas por el barrio, hurgando en las papeleras y en los cubos de basura, en busca de cosas que a él le parecían útiles, sobre todo tapones de botella, carpetas, periódicos viejos, cuerdas y zapatos de hombre. .

 

 

La falta de la rutina laboral le volvió cada vez más insociable  y maniático. Se pasaba los días enclaustrado en su habitación, donde se le escuchaba hablar solo o mantener conversaciones con personas del pasado, o largas discusiones en las que interpretaba todos los papeles. En su diario las entradas, se vuelven cada vez más repetitivas. Domingo 27 de abril de 1969. Dos misas y comunión. Me como un perrito caliente. Estaba muerto de frío y me fui a la cama por la tarde. Miercóles 30 de abril. De día frío y de noche mucho más. Ni misa ni comunión. Sin pataletas ni historia vital. Los contornos de su vida se van haciendo cada vez más estrechos y limitados

 

Siempre quiso adoptar un niño, pero sus deseos nunca se cumplieron. En unos de los muchos papeles mecanografiados de sus legajos había una entrevista consigo mismo de alrededor de 1930 en la que habla sobre sus deseos de adopción, pero de lo escrito se infiere que jamás hizo nada práctico por lograrlo salvo intentar doblegar la voluntad divina rezando para que sucediese durante 13 años seguidos.  Una de sus escasas felicidades era la relación con Yuki, el perro de sus caseros. Llegó incluso a preguntar a su casera cuanto gasto suponía tener un perro y cuando esta le dijo que unos cinco dólares al mes, sacudió su cabeza y dijo que era demasiado para él. En el archivo hay algunas cartas en las que pide pequeños favores a sus caseros, como que le ayuden con una escalera o que le regalen por Navidad una pastilla de jabón Ivory y un tubo de crema de afeitar Palmolive sin brocha, regalos que agradece  con unas tarjetas en las que escribe unos versos sentimentales.

 

DAvid y Betsy Berglund

 

Cuando cayó enfermo, su vecinos hippies Henry Berglund y su mujer,  Betsy,  cuidaron de él. Pero aparte de estas relaciones de buena vecindad, había una total escasez de contacto humano. Al final tuvo que dejar de escribir, impedido por una infección de los ojos. Ya no se atrevía a salir de casa. En su última entrada del diario dice, asustado. He pasado una navidad malísima. Nunca en la vida he tenido unas Navidades buenas. Estoy muy amargado, aunque afortunadamente no soy vengativo. 

 

 

Cuando, ya muy enfermo e interno en la misión de San Agustín, su vecino Berglund fue a visitarlo anonadado por el descubrimiento de su obra, Henry se vió de pronto completamente expuesto y contrariado y le contestó con un enigmático “Ya es demasiado tarde”  y le pidió que por favor destruyera todo. Afortunadamente cambió de opinión antes de morir el 13 abril 1973 y autorizó a su casero Lerner a custodiar su obra. Nathan y Kyoko Lerner  se convirtieron, a falta de familiares, en albaceas de su legado y en los auténticos promotores de la obra de Henry hasta que ésta fue adquirida, en su mayor parte por el American Folk Art Museum en la década de los 90.  También se conserva una réplica de su habitación, inaugurada en el 2008, en el INTUIT, The Center for Intuitive and Outsider Art en Chicago que incluye incluye restos, recortes de periódicos, revistas, cómics, dibujos animados, libros para niños, libros para colorear, documentos personales y elementos arquitectónicos, accesorios y muebles de la habitación original de Darger que podeis ver aqui.

 

Henry Darger  fue un artista completamente autodidacta, sin ninguna formación. Aunque le encantaba colorear desde pequeño, estaba convencido de que no sabía dibujar y eso le desesperaba. Para suplir esa incapacidad, desarrolló complicados procedimientos para evitar el dibujo. Primero empezó usando las imágenes que encontraba. Las recortaba toscamente y  las pegaba en un cartón o los trataba de manera muy sutil, pintando encima, o poniéndole sombreros o trajes, o simplemente perforándoles los ojos, o creando marcos usando para ello sellos de correos.

 

 

De ahí pasó a una técnica más cercana al collage con imágenes de periódicos, revistas, o tebeos, en composiciones cada vez más complicadas. Pero el problema de esta técnica era que solo lo podía hacer una vez y que le obligaba a buscar constantemente nuevas materias primas, ya fuese en el hospital o en los cubos de basura. Además, era un desperdicio de recursos y una fuente de frustración porque tenía que renunciar algunas imágenes que eran sus favoritas para delimitarlas a un solo escenario.

Darger Archival Material

 

Por todas esas razones, empezó a utilizar papel de calco, porque se dio cuenta de que calcándolas, no solo podía liberar las figuras de sus contextos originales, sino  que podía usarlas docenas o cientos de veces, tantas veces como quisiera, con pequeñas variaciones y en escenas muy diversas. Y además era muy barato.

 

 

 

Una de sus favoritas era una niña con un cubo en la mano que se lleva un dedo a la boca que una vez que la ves, aparece por todas partes. Lo mismo que la niña del famoso anuncio de Coppertone que a veces transformaba en una blenia, unas niñas con cuernos y alas. Darger, a pesar de la aparencia de síndrome de Diógenes, no era tal en absoluto. Era muy pobre y tenía muy poco espacio pero sin embargo era tremendamente meticuloso en ordenar sus materiales, cuidadosamente agrupados por temas como “Nubes”, “Niñas”, “Guerra Civil Americana”, “Mariposas”, “Flores”, “Catástrofes”, etc. Los metía en sobres y escribía su contenido como “Nubes para dibujar” o “Foto especial de niña que amenaza con un palo y otra que huye aterrorizada” o “Niña para dibujar tal vez sí o tal vez no“o “para dibujar sólo una vez“.

T310 PL 92-93

 

Usaba los lápices hasta que apenas quedaba una punta de ellos e ideaba formas complejas para utilizarlos hasta el final utilizando jeringas y así aprovechar hasta el último centímetro. Acumulaba cientos de gomas y elaboraba sus pinturas vertiendo pigmentos en tapas de botes y tapones. Sus colores estaban pulcramente etiquetados en cajas de puros. Azul turquesa oriental, cadmio rojo medio, malva, pero también, púrpura nube de tormenta o siete verdes oscuros no celestiales. Un alarde de abundancia y de riqueza para alguien tan pobre. Nada que ver con la imagen de  homeless rebuscando en la basura que todo el mundo pensaba, sino más bien la de un artista paupérrimo en busca de sus preciados materiales.

 

 

En 1944, aún complicó más su técnica cuando descubrió que podía hacer ampliaciones de sus imágenes favoritas usando la fotografía, lo que le permitía ajustar y jugar con las escalas y las perspectivas, componiendo escenas cada vez más elaboradas. Entre sus posesiones, había una caja llena de negativos y ampliaciones y sus correspondientes recibos. Sólo comía perritos calientes y no podía permitirse tener un perro y sin embargo su habitación estaba llena de colores y de más de 200 ampliaciones en las que gastó cientos de dólares. Nada ilustra mejor cuáles eran sus prioridades.

 

 

En su imaginación, los niños vivían en los Reinos de lo irreal, en un mundo idílico lleno de enormes flores y fantásticas criaturas como los Blendegomenianos, los  Roverinos o los Tuskahorianos que, a pesar de su aspecto fiero, eran seres bondadosos y aliados de los niños en la guerra.

 

 

Gigantic-Roverine-With-Young-All-Poisonous-All-Islands-of-Universan-Seas-and-Oceans.-Also-in-Calverina-Angelinia-and-Abbiennia

 

Attack of the Tuskahorians

En cuanto a sus desnudos infantiles, y esas enigmáticas niñas con pene, que en la puritana sociedad americana le han supuesto numerosas acusaciones de pedofilia y de sadismo, hay que hacer algunas precisiones. Primero que todo, Henry Darger siempre se vio a sí mismo como un protector de la infancia frente a los abusos cometidos por los adultos. Él mismo dice en sus diarios que ojalá pudiese haber sido siempre un niño. Con su único amigo, William Schloeder, fundó un club secreto con la única finalidad de proteger a los niños. La misma trama de su extensa novela no es otra que esa: liberar a los niños de la esclavitud de los adultos. Además representaba niñas porque las consideraba más fuertes. En cuanto a los penes, en el documental de Jessica Yu, se sugiere que, con bastante probabilidad, Henry nunca habría visto a una niña desnuda por lo que podría haberles supuesto genitales masculinos. Además los desnudos y las torturas no son hechos descontextualizados sino que aparecen en momentos concretos de la guerra en las que se producía alguna masacre.

 

Henry llevaba una prolija relación de los costes de la guerra, del número de víctimas, de los nombres de los generales y de las traiciones y deserciones. Incluso componía los himnos militares que se cantaban o diseñaba las banderas de ambos bandos: la nación cristiana de Abbieannia y la de los “malos”, Glandelinia.

The main National flag of Abbieannia,

 

Los nombres de los generales también son muy indicativos de los bandos. Los buenos; General Delight, General GreatHeart o, por el contrario. General Bignose, General Libertine o General Smashinthehead o el Coronel Jack F. Evans, que era su propio alter ego en la historia.

 

 

 

Aún asi todos los adultos del lado de los “buenos” sirven a los niños. Las auténticas heroinas son las hermanas Vivian.

 

Henry Darger hizo incluso una declaración de independencia infantil que recogía los siguientes derechos:

Jugar, ser felices, soñar, derecho dormir bien por las noches, derecho a la educación, que podamos tener igualdad de oportunidades para desarrollar lo que llevamos en la cabeza y en el corazón.

De todas formas, a lo largo de casi cincuenta años, Henry Darger como autor cambió de bando varias veces en un intento de ajustar cuentas con Dios. A veces, creía que podía forzarle a hacer realidad algunos de sus deseos bajo la amenaza de hacer que se desencadenase una masacre entre las fuerzas cristianas de los angelianos en los Reinos de lo Irreal.

 

El episodio más claro comenzó cuando Darger perdió la foto que había publicado un periódico de una niña asesinada, Elsie Paroubek. Henry rezó durante tres meses para que la foto apareciera pero no lo hizo. Esta pérdida, catastrófica para él, le hizo desconfiar de que pudiese lograr algo en el mundo real a través de todo su poder en el Reino de lo Irreal y entonces emprendió una batalla personal con Dios. Durante años había realizado novenas, comprado rosarios, hecho sacrificios y, a cambio, no había recibido respuesta alguna.

La foto de Elsie Paroubek desaparecida

 

Henry, enfadado con Dios, dejó de ir a misa durante cuatro años seguidos, aunque su mayor lucha contra Él la libró en el mundo de los Reinos.Hizo que su avatar y alter ego, el coronel Henry Joseph Darger cambiara de bando para pasarse al de los malvados glandelianos e hizo que éstos ganaran una batalla tras otra, torturando y asesinando a cientos de niños esclavos y arrancándoles los órganos. ¿Cómo podría Dios permitir que esto sucediera?

 

 

Darger llegó a poner en boca de una de las niñas el miedo que poblaba sus pesadillas: la idea de llegar a un cielo vacío y a un universo deshabitado Da la sensación de que Darger quería construir un universo compensatorio en el que liberar todo el tumulto de sentimientos de frustración que albergaba, creando personajes poderosos en los que podía dar rienda suelta a sus impulsos violentos de una manera creativa y artística. ¿No es acaso una manera sana, e incluso bastante cuerda, de limitar y dominar el desorden de los sentimientos más oscuros? Esto es en realidad lo que Melanie Klein llama el impulso reparador.

 

 

En fin, Henry Darger es hoy una de las figuras más famosas en la historia del Outsider Art . En la feria Outsider Art Fair, que se celebra cada enero en la ciudad de Nueva York , su obra se encuentra entre las más caras de cualquier artista autodidacta pagándose precios que superan los 750.000 dólares. El poeta John Ashberry le ha dedicado poemas, existe un grupo musical ,un trío indie / punk de Brooklyn, que se llama las Vivian Girls,”Las chicas de Vivian son visitadas en la noche por San Dargarius y su escuadrón de mariposas benévolas” es una canción de Sufjan Stevens, etcétera, etcétera. Las obras de Darger están incluidas en las colecciones permanentes del MoMA y el Museo de Arte Popular Americano en Nueva York, el Intuit: El Centro de Arte Intuitivo y Outsider , el  Chicago Art Institute , el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago ,  el  Smithsonian… ¿Quién le habría dicho a este hombre solitario que sus mundos interiores alcanzarían tamaña difusión?

 

Woman with a Camera. Mujeres fotógrafas en el MCA de Chicago

 

 

Woman with a camera presentaen el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago desde el 8 de fotografías de  de 14 mujeres artistas  que vienen de un conjunto bastante heterogéneo de orígenes y de generaciones así como de preocupaciones artísticas muy distintas. Esta exposición que era bastante reducida y casi de carácter íntimo en comparación con la magna exposición del 50 aniversario We are here de la que hice mi anterior entrada incluye a fotógrafas maestras ya consolidadas del medio fotográfico como Sophie Calle, Catherine Opie, Laurie SimmonsCarrie Mae Weems, junto a otras interesantes artistas de una generación más joven como Anne Collier, Xaviera SimmonsMickalene Thomas  que utilizan la fotografía para explorar facetas más relacionadas con temas políticos o de género.  Aunque sus obras son de carácter dispar, sus trabajos versan, en general, sobre tres temas centrales de la fotografía: la representación de la figura humana, la captura de los espacios públicos o privados o el comentario de nuestra cultura sobresaturada por los medios de comunicación.

 

Jack and Sandra Guthman

Todas estas obras tienen además la particularidad de haber entrado en la colección del Museum of Contemporary Art de Chicago a través de las donaciones de dos extraordinarios benefactores como son  Jack y Sandra Guthman, cuya pasión por la colección de obra de mujeres fotógrafas  coincide con el compromiso del propio museo y el mío propio por recoger trabajos por mujeres artistas. Con ocasión de la celebración del 50 º aniversario del Museo, estos coleccionistas han realizado la donación de 50 fotografías de su fondo personal de las que unas  20 se exponen en esa pequeña exposición, Woman with a camera, y algunas otras se mostraban en la exposición del cincuentenario We are here.

Hay una entrevista con estos dos encantadores donantes que en un momento de su colección decidieron centrarse en la obra de artistas jóvenes que pertenecieran a minorías, Ya podía cudir el ejemplo entre nosotros.

La traigo aquí, además de porque me gustó el carácter íntimo y casi escondido que tenía esta pequeña exposición en el contexto de los fastuosas muestras del cincuentenario del Museo,   porque siempre me parecen interesantes y todavía lamentablemente necesarias estas muestras destinadas a mujeres artistas. Las antologadas son:

 

 

1.-Michele Abeles (Americana, b. 1977)

Progressive Substitution Drills, 2012

 

2.-Marina Abramović (Serbia, b. 1946) Waiting for an Idea, 1991

 

3.-Sophie Calle (Francesa, b. 1953) Last Seen: Self-Portrait by Rembrandt, 1991

Esta fotografía representa la ausencia: el espacio donde estaba colgado un autorretrato de Rembrandt antes de ser robado de la Museo Isabella Stewart Gardner en Boston en un conocido robo de 1990. Empareja la fotografía con extractos de entrevistas que realizó al personal del museo sobre sus recuerdos de la obra de Rembrandt perdida, Sophie Calle ha creado una meditación sobre la pérdida y el recuerdo

 


4.-Anne Collier (Americana, b. 1970) Man with a Camera (Telephoto), 2011

Anne Collier dirige su cámara Y a imágenes existentes de libros, revistas, o fundas de discos. En este trabajo, ella ha re fotografiado una página de una revista de fotografía, aislando la imagen como un espécimen contra un fondo blanco. El trabajo de Collier pone en cuestión la representación aparentemente neutral del acto de tomar una fotografía y se pregunta: quién es el hombre que controla la cámara?

 

5.-Leslie Hewitt (Americana, b. 1977) Untitled (Geographic Delay), 2009

6.-Emily Jacir (Americana, b. Palestine, 1970) Mahmoud, from the series Where we come from, 2002–03

Emily Jacir pidió a palestinos en el exilio que le dieran tareas para llevar a cabo en su nombre en sus ciudades de origen Ella utilizó la libertad de movimiento que le otorgaba su pasaporte estadounidense para llevar a cabo sus peticiones, que incluían jugar al fútbol con niños locales, rezar sobre una tumba, y, en esta imagen, pagar una factura de teléfono para un palestino de un campo de refugiados al que le está vetado el acceso a cualquier oficina de correos. Como Jacir cumplía los deseos desde la distancia, su trabajo pone de relieve los efectos de la agitación política en la vida cotidiana de aquellos que quedan atrapados por ese equilibrio

 

7.-Catherine Opie (American, b. 1961) Bed (Self portrait) , 1987

La foto de arriba es otra distinta de la expuesta y es un autorretrato de la fotógrafa que se llama Bed (Self portrait) de 1987. No he podio encontrar la expuesta pero escojo esta porque  Catherine Opie, desde finales de los años 80, ha sido conocida fundamentalmete por el uso de fotografía documental relacionada con el movimiento queer y LGTB  donde privilegia la representación de esas comunidades específicas, asi como  teenagers, surferos, futbolistas, o su grupo de amig@s embarcados en juegos de rol de carácter sexual, tatuajes o  piercing, También ha trabajado en las maneras en las que la identidad sexual da forma a la propia arquitectura, como era el caso de la fotografía expuesta en la muestra de Chicago.

 

8.-Melanie Schiff (Americana, b. 1977) Skatepark, 2008

Podeis ver su página web pinchando aquí 

 

 


9.-Laurie Simmons (Americana, b. 1949) Lying Objects, 1992

Laurie Simmons deconstruye los estereotipos de las mujeres en la imaginación popular. En su serie Lying Objects, Simmons compagina piernas femeninas con objetos que podrían encontrarse en un espacio doméstico, como un globo terráqueo o un almanaque como vemos aquí. La yuxtaposición crea un escenario  que induce a los espectadores a realizar sus propias asociaciones con dinámicas sexuales y roles de género. Podeis ver la serie completa de Walking and Lying objects pinchando aquí  y también en su página web: www.lauriesimmons.net/

 

 

10.-Xaviera Simmons (Americana, b. 1974) , On Sculpture number 1. 2011

Xaviera Simmons en esta serie trabajaba sobre todo sobre temas de inmigración contraponiendo material de los mass media con lugares reales, en este caso el nombre de una barca. Ya os puse otra obra de ella que estaba en We are Here y que cuelgo aquí otra vez con el mismo título pero número 2: Teneis una entrevista con ella en la revista interview en este link

 

11.-Eve Sussman/Rufus Corporation (British, b. 1961) Themes and the Island, from “Rape of the Sabine Women, ” 2005

Esta fotografía es un fotográma del video de Eve Sussman El Rapto de las Sabinas (2006), un recuento de una Mito romano sobre el secuestro de mujeres jóvenes. Sussman ha actualizado el ajuste a la década de 1960, posicionando la película como una alegoría del sexismo en toda la historia: el estilo modernista refleja la alta cultura de la civilización romana, y cómo los estrictos roles de género de la década de 1960 repiten el violento episodio de la antigüedad. Aquí el trailer.

 

 

12.-Mickalene Thomas (Americana, b. 1971) A Moment’s Pleasure, 2006
Su página web https://www.mickalenethomas.com/

 

13.-Annika von Hausswolff (Sueca, b. 1967) Untitled (shirt #33, pale beige), 2002

Annika von Hausswolff representó a Suecia en la Bienal de Venecia de 1999 y es profesora en la Escuela de Fotografía de la Universidad de Gotemburgo. En 2011, fotografió junto con Jan Jörnmark industrias abandonadas en la raíz de la crisis financiera en 2008, en el libro The Abyss

 

14.-Carrie Mae Weems (Americana, b. 1953)

Congo Ibo Mandingo Togo, 199

Carrie Mae Weems fotografía lugares en África del Oste para mostrar el legado de la esclavitud. Este trabajo documenta una instalación en la isla de Gore en Senegal en la cual los africanos cautivos de las tribus incluidas en el tercer panel, fueron encarcelados antes de ser embarcados para cruzar el Atlántico. La vista desde el exterior muestra el espacio ahora desolado como un lugar histórico. Junto a ello, la encantadora vista desde el interior de una celda evoca la experiencia vivida por aquellos que estuvieron confinados dentro. Su página web carriemaeweems.net/

“Tarsila do Amaral o la Invención del Arte Moderno en Brasil” en el Chicago Art Institute

Tarsila do Amaral: Inventing Modern Art in Brazil

Fruto también de mi última y productiva visita a la ciudad de Chicago os hablo hoy de la exposición de Tarsila en el Instituto de Arte, uno de los tres mayores museos norteamericanos junto con el Met de Nueva York y el de Bellas Artes de Boston, del que tanto he hablado aquí.  Se trata de una exposición deliciosa y del tamaño preciso para satisfacer y aún quedar con ganas de más, un auténtico soplo de color y de alegría tropical en el gélido y gris Chicago invernal, que estará hasta el día 7 de Enero en el Art Institute.

Autorretrato de 1922

 

Esta exposición, que viajará después al MOMA de Nueva York,  es además la primera gran exposición en un museo  de Estados Unidos  dedicada a esta singular artista, y una ocasión única de ver una obra que  es difícil de conocer fuera de Brasil puesto que en su mayor parte esta conservada en museos e instituciones brasileñas, aunque aquí, en nuestra ciudad, Madrid, el Museo Reina Sofía guarde una de sus obras más hermosas que no estaba en la exposición pero que os cuelgo aquí.

A familia (The Family). Tarsila do Amaral . Obra en MNCA Reina Sofia

La exposición de Chicago no es una retrospectiva de toda su obra sino que se centra en su trabajo durante los años 20, cuando viajo entre São Paulo y París, participando en las vidas sociales y artísticas de ambas metrópolis creando su propio estilo artístico personal y colaborando a inventar, como sugiere el título de la muestra, el arte moderno en Brasil.

Autorretrato de 1922

Aunque relativamente poco conocida fuera de Latinoamérica, Tarsila como se la conoce popularmente en Brasil, es una artista fundamental en el desarrollo de las vanguardias en el subcontinente. Nacida en 1886 y educada en parte en el colegio del Sagrado Corazón de Barcelona, era nieta de un terrateniente cafetero conocido popularmente como o milionario por la inmensa fortuna acumulada por las haciendas del interior paulista. Separada ya de un primer marido médico que no entendía ni aprobaba su vocación artísticay con una niña, vuelve a casa de sus padres y se pone a estudiar pintura pasados ya los 30 años con  Pedro Alexandrino Borges. Tres años después, en 1920, viaja a Paris y asiste a la después famosísima Académie Julian, donde se aceptaban mujeres a pesar de los desnudos en vivo y donde estudiaron entre otros Henri Matisse, Jean Dubuffet, Marcel Duchamp, Diego Rivera, Jacques Villon, o Édouard Vuillard .

Religiao Brasileira 1927

 

A su regreso a Sao Paulo y gracias a su amiga y artista a su vez, Anita Malfatti, conoce a Menotti del PicchiaMário de Andrade y Oswald de Andrade con los que formaría el llamado Grupo de los Cinco, organizadores de la conocida Semana de Arte Moderna que se celebró en el Teatro Municipal de Sao Paulo entre los días 11 y 18 de febrero de 1922 y que constituye un hito fundamental de la configuración de las vanguardias latinoamericanas.

cartaz-semana-arte-moderna 1922

 

ElGrupo de los Cinco: De izda. a dcha Mario de Andrade, Anita Malfatti, Menotti del Picchia, Tarsila do Amaral y Oswald de Andrade

 

En enero de 1923, en Europa, Tarsila se unió a Oswald de Andrade y la pareja viajó a Portugal y España. De regreso a París, estudió con los artistas cubistas: frecuentó la Academia de Lhote, conoció a Pablo Picasso y se hizo amiga del pintor Fernand Léger, visitando la academia de ese maestro del cubismo, de quien Tarsila conservó, principalmente, la técnica lisa de pintura y una cierta influencia del modelado legeriano.

Carnaval em Madureira 1924

A negra 1923

 

O vendedor de Frutas 1925

 

Paisagem-com-Touro_1925-

O mamoeiro 1925

 

O pescador 1925

En 1924, la pareja realizó un viaje de “redescubrimiento de Brasil” con  el poeta franco-suizo Blaise Cendrars, Tarsila comenzó entonces la que se conoce como su etapa  “Pau-Brasil“, en la que pinta por primera vez con sus característicos colores tropicalmente alegres y sus temas de un marcado carácter brasileño. Fue entonces cuando surgieron lo que el poeta Carlos Drummond de Andrade denominó los bichos brasileños, unos seres fantásticos que asumían toda la exuberancia de la fauna y la flora brasileña.

Tarsila do Amaral, “A Cuca,” 1924. Centre national des arts plastiques, Paris

 

Cartao Postal 1928

Discípula de Leger no podía tampoco ocultar su fascinación futurista por las máquinas, los ferrocarriles y los ingenios como símbolos de la modernidad urbana. Se casó con Oswald de Andrade en 1926  año e el que también realizó su primera exposición individual, en la Galería Percier, en París.

 

strada de Ferro Central do Brasil c. 1924

 

O porto

 

A Boneca 1928

Fue durante este periodo cuando Tarsila empezó a combinar el lenguaje visual del modernismo con los temas y la paleta de su país natal para producir lo que sería el primer  arte moderno brasileño. La exhibición celebra las obras más importantes del artista y su papel en la fundación de Antropofagia, un movimiento artístico que promovía la idea de devorar, digerir y transformar las influencias artísticas europeas y de otros países para hacer algo completamente nuevo. Las contribuciones de Tarsila incluyen el emblemático lienzo Abaporu, la inspiración para el manifiesto antropófago y se convirtió en el emblema del movimiento.

 

Abaparou 1928

 

Abaporu fue pintado al óleo sobre tela, en enero de 1928, por Tarsila del Amaral  como regalo de cumpleaños para el escritor Oswald de Andrade, su marido en la época, quien  junto al poeta Raul Bopp, bautizaron la obra con el título que aún lleva hoy en día. Fue Bopp quien propuso al ver el cuadro: “Vamos a hacer un movimiento alrededor de ese cuadro” Los dos escritores escogieron un nombre para la obra, Abaporú, que viene de los términos en tupi aba (hombre), poro (gente) y ú (comer), significando “hombre que come gente“. Y que se convirtió en el emblema para la creación de la Antropofagia modernista brasileña, o Movimiento Antropofágico, que se proponía la deglutir la cultura extranjera y adaptarla a Brasil.

 

Tarsila do Amaral. Antropofagi’a, 1929. Acervo da Funda‹o Jose e Paulina Nemirovsky, em comodato com a Pinacoteca do Estado de S‹o Paulo. © Tarsila do Amaral Licenciamentos.

 

A Lua 1928

Otras obras de Tarsila en su fase antropofágica: A Lua (1928), O Lago (1928), Cartão Postal (1929) y Sol Poente (1929), todas en la exposición de Chicago.

O lago 1928

 

Sol poente 1929

En julio de 1929, Tarsila expone sus obras por primera vez en Brasil, en Río de Janeiro. En ese mismo año, en virtud de la quiebra de la Bolsa de Nueva York, conocida como la Crisis de 1929, Tarsila y su familia de cafeteros sienten los efectos de la crisis y Tarsila pierde su hacienda. En ese mismo año, Oswald de Andrade se separó de Tarsila porque se enamoró y decidió casarse con la revolucionaria Patrícia Galvão, conocida como Pagu.

 

O ovo 1928

 

Figura Só 1930

 

O sono 1928

 

Cidade (A rua) 1929

Tarsila sufre mucho con la separación y con la pérdida de la hacienda, lo que la lleva a entregarse aún más a su trabajo en el mundo artístico. En 1930, Tarsila logró el cargo de conservadora de la Pinacoteca del Estado de São Paulo donde inició la organización del catálogo de la colección del primer museo de arte paulista.

En 1931, vendió algunos cuadros, y viajó a la Unión Soviética con su nuevo marido el psiquiatra  Osório César, que la sensibilizaría y educaría en un pensamiento más político y social. La pareja viajó a Moscú, Leningrado, Odessa, Constantinopla, Belgrado y Berlín. Pronto estaría nuevamente en París, donde Tarsila se identificaría con los problemas de la clase obrera ya que sin dinero, por primera vez en su vida, trabajó como obrera de construcción, pintora de paredes y puertas.

Operarios 1933

La exposición de Chicago no va más allá de estos años pero aún asi cuenta con más de 120 pinturas, dibujos, y documentos históricos relacionados con la artista constituyendo una rara oportunidad y una magnifica ocasión de ver el trabajo de la artista que se conserva fundamentalmente en colecciones brasileñas. D Chicago viajara al Museo de Arte Moderno de Nueva York, el MOMA, desde el 11 de febrero a 3 de junio de 2018.

 

P.S. He descubierto ahora que en 2009, cuando yo no vivía en Madrid, hubo una exposición suya en la Fundación Juan March que tiene buenísima información que podéis ver en este link; https://www.march.es/arte/madrid/exposiciones/amaral/temporal.asp

 

 

Concurso para el Chicago Tribune Building

CHICAGO TRIBUNE TOWER CONTEST 1922

 

En junio de 1922, el Chicago Tribune anunció su intención de construir una nueva sede para el que sería “el edificio de oficinas más hermoso del mundo”. Para encontrar a su arquitecto, el Tribune concibió un concurso que al mismo tiempo se convirtió una brillante campaña publicitaria. Con un primer premio de $ 50,000 (el equivalente hoy de $ 690,000!), Y $ 20,000 y $ 10,000 para el segundo y tercer premio, la competición generó una cobertura de prensa masiva y atrajo 263 entradas de veintitrés países.

ANUNCIO DEL CONCURSO

 

Para asegurar el prestigio del evento, el periódico invitó a diez firmas de renombre nacional a presentar diseños y pagó a cada uno $ 2.000. Teniendo en cuenta que el propietario del Tribune, el Coronel Robert McCormack era un enemigo de casi cualquier cosa progresista (el lema de Trib fue “American Paper for Americans”), es muy sorprendente que la competencia atrajo a un amplio espectro de arquitectos europeos muy conocidos por su visión izquierdista y modernista: Entre ellos Walter Gropius, Bertram Goodhue, Bruno Taut, Adolf Loos, Knut Lonberg-Holm y Eli Saarien

 

 

La obra ganadora fue un diseño neo-gótico (es decir, ni de izquierdas ni moderno) de los arquitectos de Nueva York John Mead Howells y Raymond Hood. John Mead Howells, era hijo del editor William Dean Howells, así como primo del propio editor de Tribune Robert R. McCormick.

 

 

Incapaz de dedicar tiempo suficiente al proyecto, Howells buscó un asociado para preparar la entrada y encontró fortuitamente al joven arquitecto Raymond Hood, que necesitaba trabajo. Hood creó los dibujos y parece haber sido responsable de gran parte del diseño, que fue un pináculo gótico modelado sobre la medieval Butter Tower de Rouen.

 

El diseño utiliza formas estructurales (arcos ojivales) y ornamentación (gárgolas) y está coronado con contrafuertes voladores en la parte superior. Los rascacielos de estilo gótico eran la moda en 1922, basado en precedente fijado por el edificio de Woolworth de 1913 y contribuirían a crear el modelo de Chicago como la Gothham City de Batman

 

A la izquierda el Segundo Premio, Eliel Saarinen (Helsingfors, Finland) y a la derecha proyecto de Dwight Wallace and Bertell Grenman (Chicago), una de las menciones de honor

 

El proyecto que muchos percibieron como la mejor -una torre radicalmente simplificada por el arquitecto finlandés Eliel Saarinen– ocupó el segundo lugar. La torre de Saarinen, que anticipaba el impacto de un modernismo totalmente despojado en la forma de edificio, fue la preferida por críticos como Louis Sullivan, y si hoy no lama tanto nuesta atención es por la fuerte influencia que tuvo en la siguiente generación de rascacielos.

 

Gulf Building Houston Texas de  Jesse H. Jones

El Edificio del Golfo de 1929 en Houston, Texas, diseñado por los arquitectos Alfred C. Finn, Kenneth Franzheim y J. E. Carpenter, es una realización completa de ese diseño de Saarinen. César Pelli 181 West Madison Street Building en Chicago también se piensa para ser inspirado por el diseño de Saarinen

 

Plate 97: Bertram Goodhue (NYC) Plate 20: Third Prize, Holabird & Roche (Chicago)

Plate 97: Bertram Goodhue (NYC) izquierda
Plate 20: Third Prize, Holabird & Roche (Chicago) derecha

En tercer lugar quedó el proyecto de Holabird and Roche de la propia ciudad de Chicago que también estaba en la linea más conservadora de los edificios neogóticos inaugurada por el Woolworth Building de Manhattan con una torre que aún evocaba a las catedrales góticas inglesas.

 

gropius-tribune-towerr

 

Uno de los proyectos más interesantes fue el presentado por Walter Gropius, más conocido como el fundador de la Bauhaus en Dessau, Alemania. Es de resaltar que su diseño para el edificio Tribune comparte muchos de los mismos atributos que su diseño icónico para el edificio Bauhaus, con toda la influencia que la Bauhaus ha tenido sobre la arquitectura moderna.

 

WALTER GROPIUS

WALTER GROPIUS

 

Probablemente el de Gropius fue el proyecto más innovador de todos los que se presentaron, aunque hoy en día nos resulte menos llamativo porque ese sería el estilo que aproximadamente 30 o 40 años después se impondría como auténtico estilo internacional. En su momento se le criticó las innecesarias terrazas en un edificio de oficinas. Casi un cuarto de siglo después, en la película de 1949 The Fountainhead,  Gary Cooper en el papel del arquitecto Howard Roark ponía una cara llena de amargura al mirar unos planos muy  parecidos a los de Max Taut y Walter Gropius con la inscripción manuscrita “NON BUILT”. Muchos años después, en 1950, Gropius explicó en retrospectiva: “En 1922, cuando diseñé el Chicago Tribune de gran altura, quería erigir un edificio que evitara usar cualquier estilo histórico, pero que en cambio expresara la edad moderna con medios modernos; En este caso con un marco de hormigón armado que expresaría claramente la función del edificio “. Sin embargo, esto no escompletamente exacto y parece más bien haber sido influenciado por la recepción posterior del diseño. En los años cincuenta Gropius ya no recordaba que en 1925 todavía presentaba el edificio en Internationale Architektur como planificado en “hierro, vidrio y terracota”.

 

Proyectos de Water Gropius (izquierda) y Max Taut (derecha)

 

También el proyecto de Max Taut (Alemania) sería profundamente innovador con sus líneas puras, en este caso sin las criticadas terrazas volantes de Gropius, mostrando el rigor propio de la estructura de acero subyacente y cuya única concesión era la monumental entrada que alcanzaba la altura de cuatro pisos.

 

 

Uno de los proyectos más llamativos fue el de Adolf Loos. Es de advertir la influencia de la “Gestalt” en el proyecto de Loos, un elaborado juego de palabras sobre el nombre del periódico. El proyecto llegó demasiado tarde para ser tenido en consideración aunque el propio arquitecto no tenía grandes esperanzas en que se lo aceptaran. Su idea era realizar un edificio icónico como La Torre Eiffel o la de Pisa, de tal forma que se convirtiera desde entonces en la marca por así decirlo de la ciudad.

 

Reconstrucción digital del proyecto de Loos en su ubicación

 

Tras este humor, estaba la base, un muy bien proporcionado edificio de 12 pisos que fue casi calcado por Hood en el National Radiator Building de Londres. Sin embargo no olvidemos las palabras de Loos al conocer el verdicto del jurado: “La gran columna de estilo griego, dórico, será construida. Si no en Chicago, en cualquier otra ciudad. Si no para el Chicago Tribune, para cualquier otra entidad. Si no por mí, por cualquier otro arquitecto.” Como ya enunció Loos en vida “La arquitectura sólo puede ser monumento o sepulcro”. Para el cualquier otro proyecto no era más que una solución a una necesidad concreta, sin embargo en los monumentos y en las tumbas era donde se podía ver la verdadera arquitectura. Si la arquitectura sólo puede ser monumento o sepulcro mi edificio será las dos cosas, debió pensar Adolf Loos cuando se enfrentó al papel en blanco. La torre de la Chicago Tribune es de formas excepcionalmente simples ya que sitúa una inmensa columna dórica (monumento) sobre un gran zócalo con forma de paralelepípedo recto (sepulcro).

 

 

La visión de los bocetos es suficiente para ratificar estas observaciones. Y es que Loos quiso proyectar un edificio que una vez visto, aunque fuese por pocos instantes, no pudiese ser borrado de la memoria del espectador. Un edificio que transmitiese sentimiento, ese sentimiento de que hay algo que no funciona, algo que ha muerto, pero sobre el cual nos levantamos y nos elevamos hasta el cielo. Loos quiso imaginar esta gran columna de dimensiones épicas revestida en mármol negro pulido.. La columna (monumento) albergría todas las instalaciones del periódico y la base (el sepulcro de granito negro) sería la que albergaría las zonas de representación. En los comentarios os pondré un link a los planos que son sorprendentes.

 

chicago-tribune_bruno taut-walter-gunther-kurtz-schutz

Otro de los proyectos emblemáticos fue el de Bruno Taut & Walter Gunther & Kurtz Schutz. Bruno Taut , como él mismo explicó, dió prioridad, como Loos, a las cualidades simbólicas del edificio ya que para el los rascacielos americanos tenían sobre todo una función de representación. Hoy probablemente sea el diseño más cercano a la actualidad arquitectónica.

 

OTROS PROYECTOS

 

Einar Sjostrom & Jarl Eklund

Franklin James Hunt, Entry to the Chicago Tribune Tower …

Paul Gerhardt, Entry to the Tribune Tower Competition, Chicago, IL

09_chicago-tribune_albert fellheimer-s-wagner

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Mención honorífica fue a Alfred Fellheimer, conocido como diseñador de teatros y estaciones de ferrocarril. Su obra más famosa es la fabulosa Cincinatti Union Terminal

 

 

L. Bode, Entry to the Chicago Tribune Tower Competition, 1922

Edward Pierce Casey and Arthur Dillon and A. Durant Sneden, Entry to the Chicago Tribune Tower Competition, 1922

06_chicago-tribune_b-pellini-f-tripputi-g-de-kermoroch

18_chicago-tribune_saverio-dioguardi

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La influencia de este concurso en la arquitectura de rascacielos ha sido y sigue siendo fundamental, como podemos ver en la fotografía de la derecha y como he intentado demostrar a lo largo de este post. De hecho como celebración de esta efeméride a principio de los años 80 se hizo un concurso conmemorativo que dio con proyectos tan locos como algunos de los que os pongo a continuación