Sada Yakko, la gheisa que prestó sus gestos a Madame Butterfly

A finales del siglo XIX, cuando el japonismo estaba en su pleno apogeo, hubo una mujer que rompió moldes no sólo en Occidente, sino también en el propio Japón. Se presentó ante jefes de Estado, inspiró a dramaturgos y músicos –ella está tras la Madame Butterfly de Puccini-, y fue inmortalizada por muchos artistas destacados de la época como el mismísimo Picasso o Ramón Casas. Su nombre era Sadayakko (1871-1946).

 

Nació como Sada Koyama, hija de un hombre de una familia samurai empobrecida. Después de la muerte de su padre, a los siete años, fue adoptada por el propietario de una casa de geishas en Tokio. Se la educó para cantar y tocar el koto, y demostró una especial aptitud para la danza. Aunque resulta extraño para aquella época, fue enviada a un sacerdote sintoísta local para que le enseñera a leer y escribir. A los 12 años, hace su debut como o-shaku, literalmente escanciadora de sake o aprendiz de geisha

Formal portrait of Sadayakko. Source: Lesley Downer, Madame Sadayakko (Gotham Books, 2003)

 

El conde Hirobumi Ito, entonces el primer ministro y uno de los padres fundadores del Japón actual, fue quien adquirió a un elevado costo el derecho a desflorar (mizuage) a Sada en 1886 cuando sólo tenía 15 años. Yakko (que se convirtió en su nombre de geisha) sería la amante del todopoderoso Ito durante tres años antes de que él la liberara, aunque seguiría siendo su amigo y consejero el resto de su vida.

Japanese Banknotes 1000 Yen note 1963 Ito Hirobumi

Ito sería 4 veces primer ministro y el primer Residente General de Corea. Fue siempre notorio su voraz apetito sexual, de hecho acabaría casándose con otra gheisa

El conde Hirobumi Ito y su familia en su época como gobernador de Corea

 

Yakko, después de eso, contaría entre sus admiradores y amantes el presidente de un banco, un campeón de sumo y el actor de kabuki que se convertiría en Utaemon V. Sin embargo, sabiendo que la carrera de una geisha estaba limitada en el tiempo, empezó a buscar un marido adecuado.

Nakamura Utaemon V as Yodogimi in ‘A sinking moon over the lonely castle”

 

Ese hombre sería Otojiro Kawakami, conocido como el Niño de la Libertad. Era un actor del partido liberal que actuaba en parodias políticas, una especie de agitador político amateur de pobladas pestañas y un aplomo y una seguridad en sí mismo que fascinaron a Yakko.

Otojiro Kawakami y Sada Yakko en la época de su matrimonio

 

Otojiro alcanzó la fama interpretando lo que se conoció como la canción de Oppekepé, un número satírico que atacaba al gobierno, a las gentes adineradas y a los que abrazaban las maneras occidentales.

La canción de Oppekepe

Yakko lo vio actuar en el verano de 1891, y la pareja comenzó a tener un romance , a pesar de que él era socialmente inferior a sus anteriores amantes. Después de un viaje a París, Kawakami comenzó el teatro New Wave en Japón, y en octubre de 1893 él y Sada se casan formalmente.

 

En 1894, Kawakami comienza a realizar obras sobre la Guerra Sino-Japonesa. Una serie de grabados en madera muestran Kawakami en escenas de estas obras. En 1896, abre el Kawakami-za, uno de los primeros teatros modernos japoneses diseñados siguiendo el modelo francés con iluminación eléctrica.

First Sino- Japanese War. Kawakami es el militar representado en la escena central.

 

Kawakami, sin embargo, era un desastre con el dinero, y estaba constantemente en problemas con sus acreedores. Después de un intento infructuoso de obtener un escaño en el Parlamento en 1898, acabó por perder su teatro acuciado por las deudas.

 

Sin embargo, surge una oportunidad al año siguiente que cambiaría el curso de la vida de Sada. Yumindo Kushibiki, un emigrado japonés que hizo su fortuna al servicio de la moda internacional del Japonismo, convence a Kawakami y a su grupo para hacer una gira por América. Sada lo acompaña, no como actriz, sino como simple esposa sin otra intención que apoyarlo entre bastidores. A pesar de que nunca había actuado en un escenario antes, se sorprende al descubrir a su llegada a San Francisco en mayo de 1899 que ha sido anunciada como una famosa actriz japonesa y una de las estrellas de la compañía.

 

Al ver que los estadounidenses no tenían interés en sus obras sobre la guerra sino-japonesa, Kawakami comienza a desarrollar una fórmula que complacería al público occidental. tomandose grandes libertades con las obras tradicionales del kabuki, combinando caracteres y tramas. El diálogo era mínimo, ya que no se entendería de todos modos. En cambio, se concentraron en las tramas y acciones que podían seguirse universalmente, como el romance, las luchas de espada, la venganza, la locura y la muerte.

Otojiro by Tournon

 

Después de reunirse con Henry Irving y Ellen Terry que estaban interpretando “The Merchant of Venice” en Boston y que les dan cartas de presentaciones para ir en Londres, la compañía Kawakami comienza a interpretar su propia versión japonesa con Sadayakko como Portia.

The Merchant of Venice

The Merchant of Venice

 

Antes de abandonar los USA los Kawakami son invitados por el embajador japonés para actuar en Washington, DC, con una audiencia que incluyó al Presidente McKinley ya su esposa. Luego proceden a Nueva York, donde Sadayakko aparece en la portada del Harper’s Bazar y toma clases de interpretación a la manera occidental en la Escuela de Actores de Nueva York.

Mientras están en Nueva York, David Belasco, autor de la obra “Madame Butterfly“, consigue que Sadayakko se preste a dirigir a su actriz principal sobre cómo caminar y hablar como una geisha.

 

 

 

El grupo viaja a Londres en mayo de 1900, donde la compañía actúa en una fiesta que incluye el Príncipe de Gales y Lady Randolph Churchill. Pero el verdadero éxito de la compañía sería en París donde son contratados por la bailarína / empresaria Loie Fuller para actuar en la exposición universal 1900 con Sadayakko encabezando el cartel sobre Otojiro.

 

Son el éxito de la exposición, actuando 2 o 3 veces al día, pero dejándolos con poco tiempo para hacer turismo o para socializar.

 

Rodin quería esculpir a Sadayakko, pero estaba demasiado ocupada.

Sada Yacco (1900) by Alfredo Müller

Alfredo Müller diseña un cartel dramático, en forma de kakemono, de Sadayakko.

 

 

El grupo de Kawakami actúa en una fiesta en el palacio del Elíseo, organizada por el presidente Émile Loubet, donde Sadayakko realiza su baile de “Dojoji“. Su baile es una inspiración para Isadora Duncan y Ruth Saint Denis.

 

Sade Yakko como Kesa por el pintor australiano Rupert Bunny

 

El éxito de la compañía es espectacular. Pintores, escultores, músicos o poetas se quedan fascinados por la actriz. Andre Gide afirma haberla visto actuar seis veces. Al escucharla tocar el koto, Claude Debussy decide incorporar la música japonesa en Le Mer. El caricaturista italiano Leonetto Cappiello la presenta como una geisha enloquecedora para la revista La Rire

Leonetto Cappiello

 

Tras una extraordinaria temporada, a principios de noviembre, la compañía vuelve a Japón porque necesitaban contratar a más actores adicionales y decorados para ser capaces de atender las muchos bolos que les proponen hacer por toda Europa. Después de pasar el invierno en Japón, a principios de primavera de de 1901, una compañía de 20 actores más los músicos, los decoradores, los peluqueros, y el hijo bastardo de Otojiro Raikichi vuelven para hacer una gira por las principales capitales europeas. Un ukyoe de Utagawa Yoshiiku fechado el 11 de mayo de 1901 se edita poco después de su partida, claramente inspirado por la foto de Sadayakko en la cubierta de la revista de Le Théatre que salió mientras ella estaba en París.

 

La compañía de Kawakami llega a Londres a principios de junio de 1901 y se estrena en el Teatro Criterion en Piccadilly el 18 de junio. El artista William Nicholson diseña una serie de litografías  de Sadayakko en “La geisha y el caballero.”.

 

Los dibujos de Walenn de su actuación en esa obra aparecerían al año siguiente en The Studio.

 

 


 

La temporada de la compañía de Kawakami en París en el Théâtre de l’Athénée comienza el 16 de junio de 1901. Su repertorio anterior se ha ampliado para incluir una versión japonesa de la dama de las Camélias

Sadayakko inspira una auténtica kimono manía y registra el nombre de “Yacco” como marca de fábrica para un perfume, una crema hidratante,  y un kimono bastante occidentalizado de gran éxito que se comercializa en muchos países europeos

Loie Fuller encarga a un joven Pablo Picasso el diseño de un cartel de Sadayakko, para el que realiza varios bocetos aunque nunca se llegó a editar comercialmente

1901 La danseuse Sada Yacco by Pablo Picasso

http://art-picasso.com

Rupert Bunny volvería a pintar Sadayakko, esta vez en su loca escena de “The Shogun”

Rupert Bunny

 

En noviembre de 1901, la compañía se dirige a Berlín vía Holanda. Se presentan en Berlín sin interrupción durante más de un mes. Hirobumi Ito (el primer protector de Sadayakko), ahora príncipe Ito, que acaba de terminar su cuarta legislatura como primer ministro,  se encuentra en Berlín para encontrarse con Kaiser Guillermo II, y se reúne con Sadayakko en una recepción celebrada en la Legación japonesa.

Durante ese mes en Berlín posa para varios retratos de Max Slevogt con su hijastro .

 

Sada Yakko (1901) by Max Slevogt

La caligrafía de la derecha es de la propia Sada Yacco

 

Durante su gira por Italia Giacomo Puccini la sigue de Roma a Venecia e incorpora parte de la música que Yacco tocaba en el koto en “Kesa” para su ópera Madame Butterfly, y además desarrolla determinados elementos del personaje de Butterly basándose  en su actuación en “The Geisha and The Knight“. Puccini incluso decidió cortar un acto completo de su Ópera porque admiraba la velocidad y lo compacto de las obras de la compañía de Kawakami.

 

Sada Yacco por Emil Orlik

En mayo, los Kawakami llegan a Barcelona, ​​donde Picasso renueva su amistad con la pareja, siendo la primera compañía oriental que visitaba la península. En una Barcelona noucentista su presencia no podía pasar desapercibida quedando dos magníficos retratos de ambos  por Ramón Casas.

Sada Yacco by Ramon Casas2

 

Todas estas obras de arte fueron pintadas en los años 1901 y 1902 que fueron los años que duró la gira de Sada Yacco por Occidente.

A pesar de su éxito internacional, a su vuelta a Japón no fue posible para Sadayakko actuar en obras de kabuki reales debido a la prohibición de mujeres en el teatro, siendo los papeles femeninos realizados por actores masculinos llamados onagatas. Por eso en 1902, se retira a las sombras detrás de su marido.

Su marido Otojiro, perseguido por la mala salud , comienza un proyecto para reformar el teatro japonés. Tiene la intención de producir obras occidentales con una sensibilidad japonesa que las haría apetecibles para una audiencia local. Serán las obras llamados “seigeki” o “verdadero drama”, que serían por primera vez producciones que se centrarían fundamentalmente en la palabra hablada. Así realizó versiones de Shakespeare en las que Sada Yacco realizaría los papeles femeninos, siendo la primera mujer actriz en varios siglos en subirse a una escena teatral.

 

Sada yacco en el papel de Ofelia en la escena de la locura

En 1908 Sada Yakko abriría una escuela de actrices japonesas llamada Imperial Actress Training Institute. Una de sus estudiantes, Ritsuko Mori, se convertirá en la actriz principal de su generación.

En 1914, tres años después de la muerte de su marido, interpretaría su último gran papel,  la Salomé, de Oscar Wilde, a los 43 años. Sin embargo, ya comienza a ser criticada por interpretar papeles de mujeres jóvenes.

Inoue Masao (?) as the Prophet John the Baptist and Sadayakko as Salome (1914)

Parecería que la vida de Sada Yacco terminaría aquí pero tuvo una segunda parte al casarse con el amor de su primera juventud, Momosuké Fukuzawa, con el que la diferencia de clases le había impedido unirse cuando aún era una gheisa en Tokyo. Ahora él era un rico industrial  y financiero que aún see enriquecería  más construyendo una presa hidroeléctrica en el valle de Kiso.

La casan la que vivían, una de las primeras en estar completamente electrificadas hoy en día es un museo Futaba en la ciudad de Nagoya.

 

 

Los Kimonos del Museo de Bellas Artes de Boston (y 2): Atsuita, Karaori y otros

Los Kimonos de La Colección de William S. Bigelow del Museo de Bellas Artes de Boston 2ª parte

Segunda parte del post que podeis ver aqui

Un karaori, es un buen ejemplo de un kimono exterior exquisito utilizado en el teatro Noh para retratar a los personajes de mujeres. Karaori significa “tejido de estilo chino“, ya que se basaban en el brocado chino Shokko del período Ming. Este es un kimono de manga corta, siempre de manga corta, hecho utilizando la técnica de uki uke empleando oro, plata y otros hilos de color creado patrones de flores magníficas.

Cuando un personaje femenino se presenta por primera vez usa un karaori.

 

Es, como hemos dicho, una prenda básica para los papeles femeninos, aunque estos, en la época estaban representados por hombres muy femeninos, a veces aún más que las mujeres puesto que su femineidad era expresada según un elaborado código de estereotipos. a estos actores se los conocía como onnagata. Así os pongo a Akahime , uno de los más famosos onnagata de los años 20, ataviado para representar a la Princesa Roja

 

El karaori se puede usar como una bata interior o como exterior, ya sea recta o recogida por un obi. Este en concreto representa una islas con pinos cubiertos por la nieve sobre un patrón llamado seigaiha que son circulos superpuestos que pueden indicar simbólicamente las olas del mar pero también los flujos y reflujos de la vida.

 

El karaori se distingue muy bien por tres motivos. Primero sus mangas siempre cortas, segundo el tipo de bordado de origen chino usando hilos de oro o plata que imagino brillarían con las candilejas y tercero porque el patrón de su bordado lo inunda todo no dejando ningún espacio libre. Este, en concreto, sería usado en el Genji Monogatari por el tipo de carro que lleva, y los libros abiertos sobre un patrón repetitivo (matsukawa bishi) que simboliza cortezas de pino y por lo tanto un bosque.

Para simbolizar el exceso de tensión emocional o el duro trabajo físico, como por ejemplo remar, las “actrices” se deslizaban de la manga derecha del karaori y lo dejan colgar en la parte trasera (nugisage). Esto exponía la ropa interior haku y era un signo de erotismo. Este con un diseño de puentes, agua y lirios evocaba los puentes de Mikawa (Nagoya) del Ise Monogatari. Los bordados siempre tienen relación con el argumento de la obra representada.

 

 

La confección de un karaori era costosísima porque además de los hilos de oro y que el bordado inunda la totalidad de la prenda sin embargo los motivos eran siempre repetidos, formando un cierto falso patrón, porque nunca son iguales, siempre existen pequeñas diferencias. Os pongo este con flores de glicinia que era uno de los símbolos más claros de amor para que veaís que nunca hay dos flores iguales, aunque el cambio sea mínimo de una hoja o de un color. Esta sutileza era muy apreciada por un espetador, pues, en este caso, indicaba que el amor permanece (la glicina)  pero adopta matices sutilmente diferentes.

 

Pasamos a otro tipo de kimono: El CHOKEN .El Choken, como se ve, es una especie de chaqueta que se ponía sobre el kimono para las escenas de baile en el teatro Noh. La longitud doble de las mangas permitían que con la ayuda de un abanico cerrado los movimientos adquiriesen una amplitud enormemente estética. Este de nuevo repite el motivo de la glicinia que simboliza el amor, más el abanico que difunde su perfume por la escena.

 

 

  • Este es otro choken, pero a diferencia del anterior, es un choken de uso masculino, por lo que se llama HAPPI, con el que abrimos el capítulo de los kimonos de hombre. La diferencia estriba en esas dos cintas que cuelgan a los bordes por las que se introducían las piernas, pues el baile masculino tenía una gestualidad más explosiva. Comparten sin embargo la doble largura de la manga para amplificar los movimientos. Los motivos y los colores son más austeros. El patrón hexagonal (kikko-mon) representa a la tortuga con molinetes de flores.

 

 

  • El equivalente masculino al karaori era el ATSUITA, usado por los papeles másculinos del teatro Noh. A pesar de estar ricamente bordado en oro o plata como los de sus homologos femeninos para brillar en la escena, estaba realizado sobre una tela de sarga más gruesa y sus motivos suelen ser, aunque ricos, más masculinos. Este está bordado con antorchas encendidas para ser usado sin duda en una escena nocturna

 

  • Muchos tienen diseños atrevidos, masculinos, a menudo geométricos con técnicas del brocado. Se usaban bajo un kimono corto en general de color negro y se cerraban con el panel frontal izquierdo cruzando en la parte superior de la derecha, justo a contrario que el kimono femenino. A pesar de su diseño geométrico, como veréis, nunca se repiten dos iguales con variaciones mínimas.

Noh robe (atsuita karaori), 19th century
Japan, Edo period (1615–1868)

 

  • Este magnifico atsuita en seda verde bordado con flores de otoño del ultimo periodo Edo o primer Meiji, es decir de mediados del XIX, aunque también repite aparentemente un patrón lo hace de una manera discontínua. Esa infinita variación sobre lo mínimo es muy caraterística del gusto japonés y de este post, que habrá a quien le aburra esta sutileza mínima. Por supuesto, las mangas siempre son cortas, puesto que, como dijimos, las mangas largas son solo para las mujeres jovenes

 

 

  • Otro excepcional atsuita (traje masculino del teatro Noh). Como vemos los colores y los bordados son muy distintos de la temática femenina. El dragón era símbolo de fuerza, nobleza, longevidad, poder y valor, lo que indica que debía ser usado por un actor representando el papel de un guerrero o un mago poderoso, probablemente usado bajo una armadura ornaental que dejaría sólo a la vista partes del mismo

 

  • Atsuita con motivo de esvásticas. He escogido este modelo para mostrar que la archiconocida simbología nazi de la esvástica es de origen oriental y milenaria. En Japón se corresponde con el ideograma que simboliza el Templo e indica que se trata de un atsuita para el papel de un monje o de un samurái retirado en algún templo por algún tipo de penitencia. Tiene el patrón de la tortuga, que indica longevidad, por lo que podía ser un anciano.

 

 

  • Extraordinaio atsuita del siglo XIX, una joya en sí mismo por la riqueza de los bordados en oro y de su propia iconografía. Tiene un diseño general de concha de tres puntas con motivo de punta de espada (bishomon-kikkô) en seda roja y papel dorado. A lo largo del frente superior, la parte superior de la espalda y las mangas hay paneles curvados que tienen en su interior diseños de izda a derecha: el dragón, el unicornio, la grulla y el león chino. Por su frente lleva el fénix, la carpa, la tortuga y el elefante. Obviamente para un papel de un Guerrero poderoso.

 

 

  • KARIGINU era otro tipo de kimono masculino exterior con lo que llamamos cuello mao con mangas abiertas de doble longitud usado por los nobles y en el teatro Noh por los dioses masculonos. Las mangas abiertas son de doble anchura, aproximadamente cuadradas, y cosidas a los paneles delantero y trasero, pero no por abajo. El cuello redondeado rígido se levanta hasta unos dos centímetros y se fija en el lado derecho con un cordón. Se usaba con pantalones y un gorro elevado de color negro

 

 

  • Era originalmente el traje que los nobles usaban cuando iban a cazar ya que permitía moverse con bastante libertad. El Kariginu poco a poco se convirtió en la ropa diaria informal de los nobles, evolucionando hasta convertirse en piezas muy ricas con los emblemas familiares

 

 

  • Los kariginu también se usaban en el teatro Noh para los bailarines másculinos dada la libertad de movimientos que permitían t la longitud de las mangas. Este lleva símbolos de la grulla que es el símbolo e un feliz matrimonio y debió usarse en alguna escena de boda

 

  • El HITOE es un kimono sin forro femenino para ser usado en los meses de verano. Hitoe significa sencillo. Este es un hitoe de una chica joven por el color azul celeste y la largura de las mangas. Lleva motivos de carpas en un estanque bajo flores típicas de la estación, clemátidas en la parte superior y nenúfares en la parte inferior de las mangas y el kimono

 

Working Title/Artist: Kimono with carp, water lilies, and morning glories
Department: Asian Art
Culture/Period/Location:
HB/TOA Date Code: 10
Working Date: ca. 1876

  • Otro Hitoe esa vez de una mujer casada, por las mangas cortas en crepe de seda y motivos de flores de cerezos con abanicos que esparcen su perfume.

 

 

  • Este tipo de Kimono se llama YUKATA y es un kimono muy simpe para estar por casa. En este caso es un kimono masculino con grandes hojas y tres grandes circulos entrelazados en la parte superior con hojas de calabaza. Es de fines del XIX aunque todavía es muy usado hoy en día en Japón, quizá el que más.

 

  • Este kimono, llamado, NUIHAKU, es un kimono femenino del tearo Noh pero usado, o bien como ropa interior de un personaje femenino protagonista o para una mujer de más bajo linaje. En este caso os lo he traido aquí porque el patrón de círculos indicaba una mujer con problemas mentales o bien una hechicera o una mojer poseída por demonios

  • Este Kimono llamado Yogi es nuestro equivalente a un pijama o camisón por así decir. A pesar de su vistosidad en este caso no se trata de bordados sino de una simple estampación por un proceso llamado lo que permitía esta riqueza sin cose excesivo. En este caso con un fénix, simbolo del sueño y el renacimiento volando sobre peonías que simbolizan la buena suerte.

  • Y por ultimo, y aunque no pertenece a a colección Bigelow pero sí al museo de Boston, os traigo un kimono de niño de la segunda guerra mundial con bombarderos japoneses kamikazes obrevolando el London Bridge.

 

 





 

Los Kimonos del Museo de Bellas Artes de Boston (1): Uchikake y Furisode

Los Kimonos de La Colección de William S. Bigelow del Museo de Bellas Artes de Boston

Esta es una entrada que tiene exacta correspondencia con mi anterior post sobre W.S. Bigelow y Ernest Fenollosa, que podes leer aquí, y a cuyo legado pertenecen todas las obras, salvo la última.

Entre los más de 40.000 objetos de arte japonés que Bigelow donó al Museo de Bellas Artes de Boston, hay 900 que caen en el apartado de textiles y de ellos unos 264 son vestidos, entre los cuales la inmensa mayoría son kimonos, aunque también hay maguas y waitaos de origen chino. Lo que aquí os ofrezco es, por tanto, sólo una mínima porción del inmenso tesoro de textiles orientales que atesora el museo, fundamentalmente desde mediados del siglo XVIII a principios del XX, lo que en japonés llamarían el ultimo periodo Edo y el periodo Meiji. No sé si os gustarán como a mi, pero sí tengo que decir que hacer esta selección ha sido dificilísimo porque todos y cada uno de ellos son de una belleza sobrecogedora y lo digo, desde la enorme fortuna de haber visto en persona algunos de ellos. En la página web del museo podeis verlos con lupa, cosa que encarecidamente recomiendo.

He intentado, antes de hacer el post, imbuirme un poco en el mundo de los kimonos y confieso que me siento, aún después de haber leído bastante, como un niño que apenas ha escarbado con la uña la superficie del Himalaya. Tal es su complejidad y su sutileza, los matices de los colores, los símbolos y su iconografía, los distintos patrones del fondo, su evolución y usos, los diferentes tipos de cortes, de estampados y tejidos ,etc. Los kimonos varían de acuerdo al sexo, la edad, el estado marital, la profesión, la clase social, la época del año, la ocasión e incluso el estado anímico. He descubierto que incluso la colocación de la ropa interior, también kimonos por otro lado, puede servir para enviar mensajes muy sutiles.

En realidad, kimono es un término amplísimo que no significa más que cosa que se viste y que, por lo tanto, agrupa una constelación de diferentes tipos de prendas que quizás no tengan en común más que la forma de T y el hecho de que se visten. No voy a haceros, no temais, una enumeración de los tipos porque es para volverse loco pero sí he intentado con mi selección abarcar los más comunes y sobre todos los más suntuosos y hermosos, cosa que ya ha sido difícil por abrumadora. El resto como siempre lo dejo para las imágenes. Solo una recomendación: en Boston, visita obligada, obligadísima a esta hermosísima colección de William Sturgis Bigelow en el Museo de Bellas Artes.

  • Empiezo por los Uchikake: El uchikake es el rey de los kimonos o el más hermoso. Suele ser una parte del traje nupcial pero también puede usarse en ocasiones espeiales y solemnes. Es un kimono de mangas largas ricamente adornado con bordados de colores muy brillantes y con motivos generalmente de grullas, pinos, agua que fluye y flores. Está confeccionado con la mejor seda y la parte inferior está rellenada para darle más volumen. Se usa encima del shiromuku como una capa y sin obi (cinturón). Podríamos decir que es una especie de abrigo o sobrekimono. Es sin dudarlo el kimono más suntuoso y el reservado para ocasiones ceremoniales. Os pongo esta foto para que veais el uso.

 

 

1.- El primer día de la boda, la novia luce un kimono completamente blanco llamado, “Shiromaku” (shiro= blanco y maku=pureza, simboliza que la mujer es pura y va limpia de influencias para empezar una nueva vida en la casa de su esposo ( no tiene nada que ver con la costumbre occidental de la pureza o virginidad de la novia) . Encima y, a modo de abrigo, se lleva un uchikake también blanco o de tonos claros cuyo borde inferior lo tienen relleno como de un rulo de algodón para que cree una graciosa forma y ayude a repartir el peso, (pueden llegar a pesar más de 5 kilos depende de los bordados y del grosor de la seda.) Los bordados dan mucha información. Por ejemplo, en este caso, con un fondo de ramas de pino, vemos abanicos con grullas o garzas que expresan el deseo de un feliz matrimonio, tortugas que es un deseo de longevidad, y flores de ciruelo que hablan de la delicadeza y la hermosura de la novia, además de hacer un sutil comentario sobre la transitoriedad de la existencia.

 

 

2- El segundo día de la boda, era obligado llevar un uchikake rojo, aunque ahora ya se permiten otros colores, aunque siempre mayoritariamente tonos de rojo, el forro interior es casi siempre rojo, porque el rojo es el color de la suerte. Los motivos suelen ser pinos ,bambú, flores de cerezo y garzas o pavos reales, motivos cuya combinación llamada “shochikubai” son antiguos símbolos que auguran, longevidad, fidelidad, integridad y perseverancia.

Long-sleeved outer robe (uchikake) for wedding with design of bamboo, pine and decorated fan leaves in white, green, red, black and gold on a red damask ground with interlocking swastika pattern

 

3-Y finalmente para la tercera ceremonia se utiliza un uchikake mas formal, cuyo color ha pasado del antiguo negro al mas moderno colorido, aunque eso si, mas oscuro que los otros dos. Este en concreto está decorado con cortinas que se agitan al viento (kichô que evocan las oraciones budistas), garzas (feliz matrimonio), peonias (buena suerte), crisantemos (longevidad) y una miríada de tesoros en bordados de seda sobre una seda negra satinada; Revestimiento de seda rojizo-naranja y dobladillo acolchado.

Long-sleeved wedding robe (uchikake) with design of hanging curtains (kichô) decorated with birds, paulownia, chrysanthemum

 

4- Vestido exterior (uchikake) con mangas largas y dobladillo acolchado de suelo de crepe de seda grisáceo y diseño general de un paisaje con figuras y carros, posiblemente escenas de los Cuentos de Ise. Se puede ver que era de una mujer joven, primero por el largo de las mangas, que se harán cortas en cuanto se case, y después porque en general, aunque no siempre, los colores claros suelen estar asociados a la juventud. El tema de los Ise Monogatari reafirma esta suposición. Es de la era Meiji y po tanto segunda mitad del XIX.

 

 

05-El que sigue es un tipico uchikake de seda de una chica joven, no solo por el color azul claro y las mangas largas, sino porque el bordado ocupa toda su extensión. Según se vayan haciendo mayores se bordará menos superficie, dejando primero libre el hombro izquierdo y siempre de forma asimétrica. Ademas el bordado representa cajas de un juego de conchas que se llamaba kaioke. 

 

 

06- Uchikake de chica joven con floración del ciruelo. Dada la brevedad de la floración indicaba no solo belleza, sino fragilidad, delicadeza y la transitoriedad de la vida. Este es dentro 1868-1880. A resaltar el sello o emblema familiar que se lleva bordad (en este caso una flor) detrás de la nuca (la parte más erótica de una mujer según la estética japonesa) y en la mitad de las mangas.

 

07- Magnífico Uchikake exterior con mangas largas y dobladillo acolchado con diseño de la mítica Isla del Paraíso (Horai), incluyendo agua con niebla, flores de ciruelo, ramas de pino, grullas voladoras y totugas. La profusión del bordado y la longitud de las mangas hablan de una mujer de clase alta y joven, aun soltera. Dado el color oscuro podría tratarse también de un traje para la ultima ceremonia de la boda, cosa que podrían indicar el vuelo de las garzas

 

 

08- Uchiake con un bordado que evoca la piedad filial. El hecho de que el bordado vaya dejando libre una parte de los hombros nos habla de que se trata de una joven algo mayor. El tema de la piedad filial corrobora esta suposición. Las carpas indican que se trataba de una joven de gran riqueza, como confirma el bordado con hilos de oro.

 

 

  1. Uchikake de una noble soltera ya no muy joven por la ausencia de bordado, aunque el motivo de flores y abanicos que esparcen su perfume parece sin embargo aludir a su belleza. Vemos de nuevo los tres cartuchos conteniendo el emblema familiar que también aparecen en la parte delantera y que permitían reconocer a la dama, que solía andar, en el exterior, con la cabeza cubierta con una especie de velo.

 

11- Y el ultimo uchikake es un Uchikake de mujer casada. Os he puesto este ejemplo para que veais como las mangas se acortan bruscamente y el bordado es sustituido por el estampado de la tela

 

Outer-robe-uchikake-with-design-of-cherry-trees-in-white-and-green-silk-on-a-dark-blue-silk-satin-ground-lined-with-pale-blue-silk-damask

 

 

 

Empezamos con los furisode. Estos tienen siempre e invariablemente las mangas largas porque dejaran de usarse al contraer matrimonio. El ultimo furisode se usará en la fiesta previa a su boda. Inicialmente eran usados por niños y niñas de la nobleza. Este en concreto es un antiguo furisode de niño, corto como se ve. La forma circular de la garza sugiere que se trata del emblema familiar.

 

El siguiente es un furisode de niña de unos 10 años, corto pero ricamente bordado solo en la mangas. Como la mayoría de las mujeres lleva los tres discos con el emblema de su casa, dos en las mangas y uno en medio de la espalda.

 

 

Una de las diferencias fundamentales con el uchikake es que este kimono no es un abrigo o capa como era el uchikake, sino que se lleva ceñido con un obi o cinturón .Vestido de satén de seda azul claro de manga larga (furisode) con diseño de manojos de narcisos y líneas que sugieren bordado de agua con seda verde, blanca y amarilla. Antiguamente el furisode lo compraban o rentaban los padres para entregárselo a sus hijas cuando iban a cumplir 20 años, el furisode tiene diseños de patrones brillantes, coloridos y muy llamativos que abordan todo el kimono.

 

 

Furisode con floración de los ciruelos y las banderas de oración agitandose al viento. De nuevo los tres emblemas familiares en los hombros. El color rojo del borde es símbolo de buena suerte, Este sería el estilo más formal de kimonos que es utilizado por las mujeres jóvenes, solteras

 

 

 

05-Furisode blano con floración de los cerezos lo que sugiere que es para usar en pimavera. . El furisode está hecho con una fina, brillante y colorida seda, por ello este estilo de kimono es al que recurren las mujeres y las jóvenes en las ocasiones más especiales y formales como en las bodas de familiares (en caso de ser familiar soltera de la novia), en año nuevo, en la primera ceremonia del té del año, la floración de los cerezos etc… y es por ello que no son adecuados para vestir en entornos con un grado de formalidad menor, porque sería ir demasiado elegantes.

 

 

Este que sigue, probablemente, sea el último furisode de una mujer de soltera, usado en los días previos a la ceremonia de la boda pues el rojo estaba acotado para los vestidos de novia y los motivos de las garzas  significaban un matrimonio feliz

Los accesorios que serían adecuados para ponerse con el furisode son: un kimono interior coloreado o pintado con plantilla que resaltara con el color del kimono; un obi (cinturón) de colores brillantes; un obi-age (otro cinturón) confecciona en seda que se mostraría una parte del mismo por encima del obi y finalmente unas sandalias zōri con un brocado dorado. Al contrario que otros estilos de kimono el furisode es fácil de distinguir del resto por sus características mangas largas.