El Perez Art Museum de Miami, una creación de Herzog & de Meuron en el Bayside

El Perez Art Museum de Miami, una creación de Herzog & de Meuron en el Bayside

 

Lejos de este frío invernal, este fin de semana he visitado en Miami el Perez Art Museum, una maravilla arquitectónica  inaugurada en diciembre de 2013, de los arquitectos suizos Herzog & de Meuron, ganadores del Premio Pritzker en 2001 y autores entre otros muchos de la Nueva Tate Modern, la Elbphilharmonie de Hamburgo, ese rascacielos imposible que es el 56 Leonard Street del TriBeCa neoyorquino y, en nuestro país, el Forum de Barcelona, el Caixaforum de Madrid, el Tenerife Espacio para las Artes, o la nueva sede del BBVA en Madrid, aunque probablemente sean más conocidos por sus futuristas estadios de futbol como el Allianz Arena del Bayern de Munich o el posterior Estadio Nacional de Beijing, conocido popularmente como “nido de pájaros”, creado para los Juegos Olímpicos de 2008. Casi nada. Palabras mayores.

 

Jacques Herzog y Pierre de Meuron en las obras del Estadio Olímpico de Beijing

 

Su característica primordial es la de buscar la forma del edificio mediante la lógica del material empleado y del proceso constructivo. Esta concesión del resultado formal al material negaba la componente meramente artística de la arquitectura. “La Arquitectura no es un Arte”, manifestaba rotundamente Jacques Herzog en sus conversaciones con el fotógrafo Jeff Wall. ¿Quién lo diría?

 

Perez Art Museum

El nuevo Museo se encuentra en el Parque de Museos en la línea de costa de la Bahía de Biscayne. Su vecino más directo es el Museo de la Ciencia y la autopista principal, que conecta la parte continental de Miami con Miami Beach.

 

Vista desde el porche trasero del museo

 

 

Simultáneamente orientado hacia el nuevo parque, el Museum Park (el antiguo parque del Bicentenario que se prolonga hasta Downtown) hacia el agua de la bahía y hacia la ciudad, fueron las circunstancias ambientales del edificio lo que se convirtió en  su propio concepto arquitectónico. Debido a su proximidad con el agua, y a las cada vez más frecuentes inundaciones de los huracanes,  el museo se concibió elevado del suelo sobre pilotes, en el más puro estilo Le Corbusier,  para que las zonas expositivas de arte estuvieran siempre colocadas sobre el nivel  más alto de las inundaciones causadas por una tempestad. La referencia a las estructuras locales buscó la inspiración de las casas sobre pilotes de   Stiltsville, que menudean por la costa de Cayo Biscayne y que originalmente fueron clubs de juego que aprovecharon la ley según la cual éste no estaba prohibido fuera de la costa.

 

Stiltsville

 

Los arquitectos utilizaron, también my corbusianamente,  el espacio debajo del edificio como estacionamientos al aire libre  oreados por el aire fresco del mar y la fecunda vegetación. Es increíble cómo con el uso de la sombra, la brisa de la bahía y la vegetación logran crear un auténtico oasis térmico en la casi siempre sofocante Miami. Esa es la auténtica maravilla de Herzog & de Meuron

 

 

Los pilotes de apoyo  que emergen desde el nivel del estacionamiento  sujetan por completo una cubierta sobredimensionada que hace las veces de un dosel sombreado que cubre todo el lugar, generando un espacio público donde a cada pilar le acompaña un jardín vertical de chorreantes plantas tropicales diseñado por el botánico francés Patrick Blanc. Frente a la bahía, una amplia escalera conecta además la plataforma hasta el paseo marítimo.

 

 

Bajo las cubiertas es posible pasear en torno a todo el edificio con unas vistas extraordinarias de la bahía y algunos cafés y restaurantes,

 

 

La zona exterior es tan agradable, por ese microclima tan excepcional, bañado por la brisa y la humedad umbrosa de las plantas, que puedo dar fe que congregaba mayor numero de personas que las salas interiores del Museo.

 

 

En el corazón del edificio, una escalera tan grande como una galería conecta los dos niveles de exposición. Lo sorprendente es que la escalera es también un aula -había niños cuando pasé, y más hacia arriba, el auditorio. No hay otra forma de subir.

Esta escalera también funciona como un auditorio, a través del uso de cortinas de aislamiento acústico en diferentes configuraciones para proporcionar espacio para conferencias, proyecciones de películas, conciertos y espectáculos. Nuestra idea era evitar este tipo de eventos que se encuentran aislados en un espacio que queda sin utilizar durante la mayor parte del tiempo.

 

 

El Pérez Art Museum Miami no es sin embargo un museo de nueva inauguración. En realidad es un viejo conocido que con el estreno del nuevo edificio cambió de nombre. De hecho no es sino el viejo Miami Art Museum, de Flagler Street, que cumple precisamente ahora 35 años, sede por cierto donde recibía las mismas visitas anuales que el nuevo museo en un mes cualquiera. Lo que demuestra como una buena arquitectura y una buena localización y una climatización natural pueden hacer por una institución como esta.

 

Viejo MAM, Miami Art Museum

 

El cambio de nombre del museo vino con el cambio de sede y en honor a uno de sus benefactores, el coleccionista de arte latinoamericano y magnate inmobiliario Jorge M. Perez, uno de los 200 millonarios más ricos del mundo de la revista Forbes y amigo personal de Donald Trump. Pérez donó 35 millones de los 220 que costó el edificio,  donó 170 obras de su colección personal que además donará por completo al museo a su muerte e instituyó una beca anual de 5 millones para comprar arte cubano.

 

Perez y Trump compartiendo portadas

 

Aún así el cambio de nombre provocó no poca controversia, causando la renuncia de varios miembros de la junta. Los opositores a la medida arguían el hecho de que el nuevo nombre es permanente sin cláusula de exclusión voluntaria  y que los contribuyentes de la ciudad y del condado habían pagado más del doble de la contribución del magnate cubanoargentino. Pero así fue y así se ha quedado por ahora. Perez Art Museum Miami (PAMM) es el nombre oficial.

 

Tom Wesselmann. Brown eyes under glass. 1981-2

 

El Museo funciona casi como una Kunsthalle pues la mayoría de su superficie se dedica a exposiciones externas, o no, dejando poco espacio para los fondos propios que no son pocos pues posee un acervo de más de 2000 obras de obras de arte desde el expresionismo abstracto a la más rabiosa actualidad, con especial atención a lo latino que es un concepto de perfecta compresión en una ciudad como Miami.

Morris Louis – Beth Shin 1958. Vell paintings

 

La obras más antiguas que encontré, de 1947 y 1958,  fueron de Morris Louis y Adoplh Gottlieb, magníficas ambas. Primero una de las pinturas Velo de Morris Louis, una maravilla de obras no pintadas donde la pintura  acrílica se vertía dejándola chorrear mezclada con cera de abeja y todo muy diluido con aguarrás en telas de algodón sin ninguna imprimación y sin extenderlas sobre bastidor; así que más que pintadas, Morris Louis las teñía.

 

Adolph Gottlieb. Altar 1947

O esta hermosa pictografía  de Adolph Gottlieb, un outsider dentro de la Escuela de Nueva York, obsesionado con la iconografía de las poblaciones indígenas de América del Norte y del antiguo Cercano Oriente.

 

Marcel Duchamp, De ou par Marcel Duchamp our Rrose Sélavy (Boîte-en-valise) (From or by Marcel Duchamp or Rrose Sélavy [Box in a Suitcase]) Series D, 1941/1961

Y cómo no, en el centro esta boîte en valise de Marcel Duchamp, casi el padre putativo del arte moderno norteamericano,  una especie de catálogo desplegable semejante al que llevaban los vendedores ambulantes que humorosamente contiene reproducciones en miniatura de las obras de arte de éste, incluidas reproducciones de sus readymades. Esta es uno de los muchos ejemplares producidos por Duchamp entre 1941 y 1961. Cada caja varía ligeramente de las otras y todas contenían un “original”, El Gran Marcel.

 

Joan Mitchell, Iva, 1973

 

O este fantástico tríptico de una de mis expresionistas abstractas favoritas, Joan Mitchell, afincada durante muchos años en París y más cercana a eso que se ha llamado Abstracción Lírica. Mitchell dijo que quería que sus pinturas “transmitieran la sensación del girasol moribundo” y que “algunas de ellas eran como jovencitas, muy tímidas“.

 

Robert Rauschenberg. Love Hotel, 1969.

 

O este prodigio de grabado de Robert Rauschenberg, cuya labor como renovador de la técnica del grabado con esos enormes formatos, nunca viene mal recordar. Una maravilla en la distancia corta.

 

Anish Kapoor. Untiled. 2013

 

 

El minimalismo abunda en la planta baja con obras de Anish Kapoor, Sol Lewitt o la cubana Carmen Herrera o esta otra pieza de Leslie Hewitt (abajo) donde se muestra la naturaleza paradójica de la fotografía que es por un lado un objeto real y a la vez, vehículo para la levedad y la inmaterialidad de las imágenes. Un libro de James Baldwin y un limón que parecía recién sacado de un bodegón holandés.

 

Leslie Hewitt. Untitled (Median). De Still Life Serie 2013

 

Y como ya he dicho, la colección presta atención a obras latinas como este clásico de Joaquín Torres García

 

Joaquín Torres García

 

o esta pieza recientísima de la mexicana Teresa Margolles, que consta de 700 adoquines hechos a mano con barro extraido de ambas orillas del Rio Grande o Rio Bravo, según quién lo nombre, que sirve de frontera entre México y los Estados Unidos. Los adoquines se cocieron en Ciudad Juárez.  Ambos lugares son símbolos de experiencias traumáticas de escape y migración. Arte político en un momento de lucha y de presupuestos federales en suspenso en Washington por la construcción del muro. La obra irónicamente se llama The Great America (2018).

 

Teresa Margolles. La Gran América. 2017

 

O esta otra obra de la jamaicana Nari Ward, una de las piezas que realiza recogiendo detritos de las calles del Bronx, como plásticos, colillas, concertinas de púas o semillas de sámaras de los árboles callejeros.

 

Nari Ward. Parábola de la semilla del fuego. 1993

 

Mención aparte merece la pequeña exposición dedicada a la también jamaicana Ebony G. Patterson . . . while the dew is still on the roses . . . es su título.  Una instalación que hacía referencia a un jardín nocturno con dibujos, tapices, videos, esculturas e instalaciones que involucran superficies con capas de flores, escarcha, encaje y lentejuelas. Tan sorprendente que me reservó por si le hago una entrada específica

 

ebony-g-patterson en la exposición del Museo Pérez

 

También tiene el museo la vocación de ser inclusivo con el arte afroamericano y africano en general con bastante representación en la colección permanente como este enorme mural del afroamericano, nacido en Talahasee Florida, Leonardo Drew. Su atractivo siniestro encarna “la naturaleza cíclica de la existencia”, una realidad que revela la resonancia de la vida, la “naturaleza de la naturaleza”, un tema que prevalece en toda su obra.

 

Leonardo Drew. Number 163. 2012

 

O esta no menos impactante pieza titulada Rwanda del camerunés Barthélémy Toguo, pintada a lo largo de dos décadas sobre el brutal genocidio de Ruanda. Barthélémy Toguo es además un activista artistico. Ha abierto un centro en su Camerún natal, la Bandjoun station dedicado a explorar soluciones para que África vuelva a apropiarse de su contribución al arte contemporáneo internacional.

 

Barthélémy Toguo. Camerún. Rwuanda, 1994-2014

 

Barthelemy Toguo – Bandjoun Station

Había otras exposiciones, como la de los neones del peruano José Carlos Martinat, con símbolos de las culturas estadounidense y peruana, desde imágenes históricas como la caricatura política “Join or Die”, atribuida al padre fundador Benjamin Franklin hasta los populares memes de Internet. Estos símbolos a menudo se componen de imágenes relacionadas con la violencia, la manipulación, el racismo o la migración.

Jose Carlos Marinat

Y por último, la exposición mayor, que ocupaba casi la mitad del piso noble dedicada a las Islas Rodeadas  una exposición de materiales de archivo y obras de arte en torno a la famosa instalación de 1983 de los artistas Christo y Jeanne-ClaudeSurrounded Islands, en la Bahía Biscayne donde se encuentra el museo.

 

 

A pesar de su corta duración, Surrounded Islands es como el gesto inaugural de la historia cultural de la ciudad, marcando el nacimiento del perfil artístico internacional de Miami  como un centro para el arte contemporáneo. Precisamente este museo se fundó un año después.

 

 

Es curiosa de ver por el esfuerzo épico que supuso. Es una narración de empoderamiento, que ejemplifica la idea de que los individuos solitarios son capaces de reunir grandes fuerzas cívicas para hacer realidad una obra cómo esta. Además las diferentes imágenes del proyecto que los artistas realizaron, como decía antes, funcionan perfectamente como obras de arte en sí mismas.

 

 

 

Y hasta aquí, Me reservo contaros lo que más me gustó para una futura entrada.

Woman with a Camera. Mujeres fotógrafas en el MCA de Chicago

 

 

Woman with a camera presentaen el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago desde el 8 de fotografías de  de 14 mujeres artistas  que vienen de un conjunto bastante heterogéneo de orígenes y de generaciones así como de preocupaciones artísticas muy distintas. Esta exposición que era bastante reducida y casi de carácter íntimo en comparación con la magna exposición del 50 aniversario We are here de la que hice mi anterior entrada incluye a fotógrafas maestras ya consolidadas del medio fotográfico como Sophie Calle, Catherine Opie, Laurie SimmonsCarrie Mae Weems, junto a otras interesantes artistas de una generación más joven como Anne Collier, Xaviera SimmonsMickalene Thomas  que utilizan la fotografía para explorar facetas más relacionadas con temas políticos o de género.  Aunque sus obras son de carácter dispar, sus trabajos versan, en general, sobre tres temas centrales de la fotografía: la representación de la figura humana, la captura de los espacios públicos o privados o el comentario de nuestra cultura sobresaturada por los medios de comunicación.

 

Jack and Sandra Guthman

Todas estas obras tienen además la particularidad de haber entrado en la colección del Museum of Contemporary Art de Chicago a través de las donaciones de dos extraordinarios benefactores como son  Jack y Sandra Guthman, cuya pasión por la colección de obra de mujeres fotógrafas  coincide con el compromiso del propio museo y el mío propio por recoger trabajos por mujeres artistas. Con ocasión de la celebración del 50 º aniversario del Museo, estos coleccionistas han realizado la donación de 50 fotografías de su fondo personal de las que unas  20 se exponen en esa pequeña exposición, Woman with a camera, y algunas otras se mostraban en la exposición del cincuentenario We are here.

Hay una entrevista con estos dos encantadores donantes que en un momento de su colección decidieron centrarse en la obra de artistas jóvenes que pertenecieran a minorías, Ya podía cudir el ejemplo entre nosotros.

La traigo aquí, además de porque me gustó el carácter íntimo y casi escondido que tenía esta pequeña exposición en el contexto de los fastuosas muestras del cincuentenario del Museo,   porque siempre me parecen interesantes y todavía lamentablemente necesarias estas muestras destinadas a mujeres artistas. Las antologadas son:

 

 

1.-Michele Abeles (Americana, b. 1977)

Progressive Substitution Drills, 2012

 

2.-Marina Abramović (Serbia, b. 1946) Waiting for an Idea, 1991

 

3.-Sophie Calle (Francesa, b. 1953) Last Seen: Self-Portrait by Rembrandt, 1991

Esta fotografía representa la ausencia: el espacio donde estaba colgado un autorretrato de Rembrandt antes de ser robado de la Museo Isabella Stewart Gardner en Boston en un conocido robo de 1990. Empareja la fotografía con extractos de entrevistas que realizó al personal del museo sobre sus recuerdos de la obra de Rembrandt perdida, Sophie Calle ha creado una meditación sobre la pérdida y el recuerdo

 


4.-Anne Collier (Americana, b. 1970) Man with a Camera (Telephoto), 2011

Anne Collier dirige su cámara Y a imágenes existentes de libros, revistas, o fundas de discos. En este trabajo, ella ha re fotografiado una página de una revista de fotografía, aislando la imagen como un espécimen contra un fondo blanco. El trabajo de Collier pone en cuestión la representación aparentemente neutral del acto de tomar una fotografía y se pregunta: quién es el hombre que controla la cámara?

 

5.-Leslie Hewitt (Americana, b. 1977) Untitled (Geographic Delay), 2009

6.-Emily Jacir (Americana, b. Palestine, 1970) Mahmoud, from the series Where we come from, 2002–03

Emily Jacir pidió a palestinos en el exilio que le dieran tareas para llevar a cabo en su nombre en sus ciudades de origen Ella utilizó la libertad de movimiento que le otorgaba su pasaporte estadounidense para llevar a cabo sus peticiones, que incluían jugar al fútbol con niños locales, rezar sobre una tumba, y, en esta imagen, pagar una factura de teléfono para un palestino de un campo de refugiados al que le está vetado el acceso a cualquier oficina de correos. Como Jacir cumplía los deseos desde la distancia, su trabajo pone de relieve los efectos de la agitación política en la vida cotidiana de aquellos que quedan atrapados por ese equilibrio

 

7.-Catherine Opie (American, b. 1961) Bed (Self portrait) , 1987

La foto de arriba es otra distinta de la expuesta y es un autorretrato de la fotógrafa que se llama Bed (Self portrait) de 1987. No he podio encontrar la expuesta pero escojo esta porque  Catherine Opie, desde finales de los años 80, ha sido conocida fundamentalmete por el uso de fotografía documental relacionada con el movimiento queer y LGTB  donde privilegia la representación de esas comunidades específicas, asi como  teenagers, surferos, futbolistas, o su grupo de amig@s embarcados en juegos de rol de carácter sexual, tatuajes o  piercing, También ha trabajado en las maneras en las que la identidad sexual da forma a la propia arquitectura, como era el caso de la fotografía expuesta en la muestra de Chicago.

 

8.-Melanie Schiff (Americana, b. 1977) Skatepark, 2008

Podeis ver su página web pinchando aquí 

 

 


9.-Laurie Simmons (Americana, b. 1949) Lying Objects, 1992

Laurie Simmons deconstruye los estereotipos de las mujeres en la imaginación popular. En su serie Lying Objects, Simmons compagina piernas femeninas con objetos que podrían encontrarse en un espacio doméstico, como un globo terráqueo o un almanaque como vemos aquí. La yuxtaposición crea un escenario  que induce a los espectadores a realizar sus propias asociaciones con dinámicas sexuales y roles de género. Podeis ver la serie completa de Walking and Lying objects pinchando aquí  y también en su página web: www.lauriesimmons.net/

 

 

10.-Xaviera Simmons (Americana, b. 1974) , On Sculpture number 1. 2011

Xaviera Simmons en esta serie trabajaba sobre todo sobre temas de inmigración contraponiendo material de los mass media con lugares reales, en este caso el nombre de una barca. Ya os puse otra obra de ella que estaba en We are Here y que cuelgo aquí otra vez con el mismo título pero número 2: Teneis una entrevista con ella en la revista interview en este link

 

11.-Eve Sussman/Rufus Corporation (British, b. 1961) Themes and the Island, from “Rape of the Sabine Women, ” 2005

Esta fotografía es un fotográma del video de Eve Sussman El Rapto de las Sabinas (2006), un recuento de una Mito romano sobre el secuestro de mujeres jóvenes. Sussman ha actualizado el ajuste a la década de 1960, posicionando la película como una alegoría del sexismo en toda la historia: el estilo modernista refleja la alta cultura de la civilización romana, y cómo los estrictos roles de género de la década de 1960 repiten el violento episodio de la antigüedad. Aquí el trailer.

 

 

12.-Mickalene Thomas (Americana, b. 1971) A Moment’s Pleasure, 2006
Su página web https://www.mickalenethomas.com/

 

13.-Annika von Hausswolff (Sueca, b. 1967) Untitled (shirt #33, pale beige), 2002

Annika von Hausswolff representó a Suecia en la Bienal de Venecia de 1999 y es profesora en la Escuela de Fotografía de la Universidad de Gotemburgo. En 2011, fotografió junto con Jan Jörnmark industrias abandonadas en la raíz de la crisis financiera en 2008, en el libro The Abyss

 

14.-Carrie Mae Weems (Americana, b. 1953)

Congo Ibo Mandingo Togo, 199

Carrie Mae Weems fotografía lugares en África del Oste para mostrar el legado de la esclavitud. Este trabajo documenta una instalación en la isla de Gore en Senegal en la cual los africanos cautivos de las tribus incluidas en el tercer panel, fueron encarcelados antes de ser embarcados para cruzar el Atlántico. La vista desde el exterior muestra el espacio ahora desolado como un lugar histórico. Junto a ello, la encantadora vista desde el interior de una celda evoca la experiencia vivida por aquellos que estuvieron confinados dentro. Su página web carriemaeweems.net/